Les femmes dans l'art

Les femmes dans les arts (visuels) , dans la compréhension contemporaine , font référence au travail et à la situation des femmes dans les arts visuels dans le passé et le présent dans le cadre de l'histoire des femmes . , Il est spécifiquement sur les artistes , galeristes , marchands d'art , mécènes d'art et collectionneurs, critiques d'art , commissaires- priseurs , les femmes qui enseignent dans les académies d'art , historiens de l' art , les modèles et muses , ainsi que leur contribution au développement de l' art, leur influence sur l' histoire de l' art et le marché de l' art , leurs stratégies en Art business et la réception de votre travail. Les transitions entre les époques de l'art sont fluides.

Notes sur le terme

L'usage du langage des femmes en art est comparable aux femmes en philosophie (philosophes) , aux femmes en sciences (scientifiques) ou aux femmes en art et culture (étude de la situation professionnelle). Cet article ne fait référence qu'au sujet de la « Représentation des femmes dans l'art ».

Pour les « femmes dans l'art », une démarcation selon les genres artistiques n'est pas convaincante, car les formes d'art telles que la performance et les formes d' art médiatique traversent couramment ces frontières. Une convention, cependant, est de relier le sujet aux arts visuels d'abord et de se référer uniquement à d'autres genres tels que les arts appliqués , les arts du spectacle , la musique et la littérature ( littérature féminine ).

La désignation de femmes dans l'art n'a pas vocation à « rendre visibles les sexes biologiques […], mais plutôt les catégories existantes qui conduisent à une inégalité de traitement » (cf. Important Representatives of Queer Theory , Judith Butler ). Martina Kessel , professeure d'histoire moderne et d'histoire du genre à l'Université de Bielefeld , a écrit en 1995 : médias ainsi qu'à travers les institutions de l'art et de l'histoire de l'art et les différences de genre sont établies et stabilisées, souvent sous la forme de relations de pouvoir et de domination dans lesquelles ce qui est considéré comme non masculin est subordonné et marginalisé. »

Femmes artistes

La formation des rôles de genre dans une société influence la façon dont les femmes artistes peuvent se former et s'exprimer, comment leur art est perçu et comment elles existent professionnellement. En Allemagne, l'existence d'un artiste comme projet de vie féminin était difficilement envisageable au tournant des XIXe et XXe siècles. Dans différentes sociétés et époques, il a été prouvé que les femmes étaient complètement privées de leurs capacités artistiques ou que leur activité artistique était entravée ou empêchée. Bien qu'il existe aujourd'hui un consensus dans de nombreuses sociétés selon lequel les femmes et les hommes sont également capables artistiquement, les professions artistiques des femmes sont souvent opposées par des idées culturelles restrictives, des contraintes familiales, des conventions sociales et des intérêts économiques.

Les opportunités pour les femmes d'exercer une profession artistique en Europe sont étroitement liées, d'une part, à l'image de soi générale des arts, qui a connu de profondes mutations depuis la Renaissance, et, d'autre part, à accès à la formation artistique. Les critères pour se lancer dans une carrière artistique étaient différents selon les époques et asymétriques par rapport aux possibilités des hommes.

Jusqu'au XIXe siècle, la formation artistique des femmes en Europe ne pouvait presque exclusivement être entreprise que dans un cadre ecclésiastique, courtois ou corporatif - par exemple dans un monastère, dans les cercles aristocratiques ou dans l'atelier d'un père. Une exception était Catharina Treu , qui a pu étudier à l' école de dessin de Lambert Krahe en 1768 et est devenue professeur à l' Académie des beaux-arts de Düsseldorf en 1776 . Alors principalement actives dans le secteur des produits de luxe de l' artisanat , de nombreuses femmes sont devenues des spécialistes de la sculpture sur verre, de la sculpture sur ivoire , de la broderie ainsi que de l' illustration de livres et de la nature morte .

L'accent mis sur la formation académique des artistes et la reconnaissance de l'académie des arts comme la plus haute autorité qui transmettait et transmettait le goût artistique s'est développé à partir de l'image de soi de la « personnalité de l'artiste ». La formation académique doit sortir des contraintes des corporations pour atteindre l'indépendance thématique et artistique et valoriser la position sociale des artistes en élevant les arts au rang de « science » à l'aide d'une formation standardisée. Cette position s'est maintenue au cours des XVIIIe et XIXe siècles alors que l'influence de l'église et de la cour sur les artistes visuels diminuait.

Les femmes étaient généralement exclues de la formation académique, y compris la formation artistique. "Jusqu'à la fin du 19ème siècle, les femmes n'étaient pour la plupart pas autorisées à dessiner devant le modèle nu (masculin ou féminin) - une limitation sérieuse quand on considère que l'étude du nu était un préalable essentiel à la 'peinture mythologique' dans ces périodes, mais aussi la peinture de genre et d'histoire, oui même la peinture de paysage. » Cette limitation a donné aux femmes leurs propres thèmes. Si les gens font aujourd'hui le nez court à ce que les femmes apportent des fleurs ou leur propre jardin sur la toile, c'est simplement une conséquence de l'environnement et des conditions dans lesquelles elles peignaient, selon Marion Beckers, la directrice du Hidden Museum .

Les femmes travaillant dans les arts ont toujours été représentées dans le secteur des arts et métiers ou ont suivi des cours particuliers. L'image de soi professionnelle des femmes artistes au XIXe siècle et au début du XXe était plus tendue que celle de leurs collègues masculins par rapport à la société bourgeoise et, en particulier, à leurs rôles socialement attribués d'épouses et de mères. Les possibilités de formation se limitaient principalement à une éducation musicale et esthétique, comme la danse, le dessin et la musique, dans le but de pouvoir prendre en charge la conception de l'espace de vie privé et la représentation de la famille à l'extérieur comme une femme.

La formation artistique, similaire aux possibilités de formation académique pour les hommes, n'était possible que dans des centres de formation privés. La peintre paysagiste finlandaise de l' école de Düsseldorf , Victoria Åberg (1824-1892), a écrit sur le désavantage en matière de formation professionnelle et de pratique professionnelle pour les femmes artistes :

« Nous payons nos études de peinture, etc., en or, tandis que les hommes les reçoivent gratuitement dans leurs académies ; De plus, nous ne payons pas seulement pour les instructions, mais aussi pour les studios, le chauffage, les maquettes ! Comment la vie peut-elle être si injuste aujourd'hui ?"

Avec la fondation de l' Association des femmes artistes et amies de l'art à Berlin en 1867 et de l' Association des femmes artistes de Munich en 1882, des académies féminines ont été créées . En 1868, l' Académie Julian et l' Académie Colarossi , également privées, sont fondées à Paris, proposant entre autres des cours pour femmes. Les studios basaient leur enseignement sur les académies royales, mais devaient se débrouiller sans financement de l'État et exiger une redevance mensuelle. Ces écoles de peinture privées étaient dirigées par des artistes qui gagnaient leur vie grâce aux honoraires, par exemple Anton Ažbe , Friedrich Fehr et Paul Schultze-Naumburg . Des artistes tels que Gabriele Münter , Käthe Kollwitz et Paula Modersohn-Becker ont reçu leur formation ici. L' Académie Vitti a été fondée en 1894 et l' Académie Carmen en 1898 , qui n'a existé que jusqu'en 1901. L' Académie Matisse à Paris, qui a existé de 1908 à 1911, a enseigné à un nombre considérable de femmes. Huit artistes figuraient parmi les 18 étudiants allemands, dont Mathilde Vollmoeller et Gretchen Wohlwill . Née en Russie, Olga Markowa Meerson , anciennement camarade de classe de Wassily Kandinsky à Munich, était l'une de ses élèves. A cette époque, les artistes étaient péjoratifs de s'appeler " peintres" .

L'historien de l' art de Hambourg et mécène Rosa Schapire , qui avait été un membre passif du Brücke groupe d'artistes depuis 1907 , a fondé l' association des femmes pour la promotion des arts visuels allemands avec Ida Dehmel en 1916 . En 1926, ce dernier fonda l'Association des Communautés d'Artistes qui existe encore aujourd'hui . V. ( GEDOK ) sous le nom de l' Association des associations d'artistes allemands et autrichiens de tous les genres artistiques .

Avec l'effondrement du système de valeurs de l' Empire allemand après la Première Guerre mondiale , des académies d'art ont été ouvertes pour les femmes, mais non sans un précédent discours passionné sur l'aptitude créatrice des femmes :

« À supposer que les deux sexes aient le même talent artistique, l'expérience montre qu'à quelques exceptions près, les activités artistiques des femmes se limitent au portrait, au paysage, à la nature morte et aux arts appliqués. La composition libre et les tâches monumentales semblent moins réservées aux femmes. Cette autolimitation de la grande majorité de toutes les femmes qui travaillent dans le domaine artistique n'est certainement pas due au manque d'opportunités de formation appropriées, mais plutôt à un réel sentiment des limites de leur propre talent », selon un rapport de l' Académie de Munich. juin 1918.

En raison des approches de l'égalité juridique (voir: Equal Rights , Equal Opportunities , Women's Rights , Women's Suffrage and Women's Studies ) et l'ouverture d'institutions publiques de formation pour les femmes, la proportion d'artistes indépendants à temps plein est passée d'environ 10 à 20 % entre 1895 et 1925. Cependant, les femmes artistes étaient toujours censées se limiter à des sujets « inoffensifs » tels que les natures mortes, les autoportraits ou la peinture de paysage.

Pendant le règne du national-socialisme en Allemagne et en Autriche, les femmes artistes qui ne répondaient pas aux attentes agressives du national-socialisme vis-à-vis de l'art dit allemand pouvaient subir de multiples pressions : elles pouvaient être affectées par les atrocités du racisme nazi jusqu'à et y compris la perte de leur vie ; de la diffamation générale de l' art, considérée du point de vue national-socialiste comme « dégénérée » ; et, en outre, que l' image nationale-socialiste de la femme et le travail sérieux d'artiste visuel étaient incompatibles.

L'oppression sexospécifique des femmes artistes après 1945 peut être retracée dans les commentaires des critiques d'art. Lorsque les tableaux expressionnistes d' Helene Funke (1869-1957) furent à nouveau rendus publics peu de temps avant sa mort, le critique d'art Arthur Roessler écrivit : pour la plupart des hommes".

Pour le monde de l'art contemporain, la déclaration de 2007 de Linda Nochlin est essentielle que les femmes ne sont plus l'exception mais font partie de la règle. Cependant, il existe des différences qui doivent être expliquées. Un exemple en Allemagne est celui des achats d'art contemporain par l'État (1995-2000) : « Seule une œuvre d'art sur trois achetée par les Länder a été créée par une femme.

Dans les sociétés androcentriques , le travail des femmes artistes est toujours soumis à des restrictions culturelles, des interdits socialement contrôlés et des obstacles de carrière misogynes .

Galeristes et marchands d'art

Berthe Weill (1865-1951), qui vit à Paris , fonde la première galerie ouverte et dirigée par une femme en 1901. En 1902, elle présente l'une des premières expositions du jeune Pablo Picasso avec 30 œuvres et expose de nombreuses autres œuvres de l' avant-garde . La première et unique exposition personnelle d' Amedeo Modigliani a eu lieu chez Weill en 1917. Elle assimile le talent féminin à celui des artistes masculins et expose des œuvres d' Émilie Charmy , Hermine David , Alice Halicka , Marie Laurencin et Suzanne Valadon , entre autres . La galerie a existé jusqu'en 1939.

Une autre galerie fondée par une femme a été ouverte à Düsseldorf pendant la Première Guerre mondiale sous le nom de Junge Kunst-Frau Ey . Johanna Ey (1864-1947) est issue des milieux les plus simples et a eu douze enfants, dont certains sont morts jeunes. Votre galerie est devenue le centre d'intérêt du groupe d'artistes Das Junge Rheinland . Ey n'a pas choisi cet art pour des raisons théoriques ou économiques, mais parce qu'elle était personnellement amie avec les artistes. Les nationaux-socialistes considéraient pratiquement tous les peintres du cercle de Johanna Eys comme « dégénérés ». En conséquence, en 1933, de nombreux tableaux du magasin et de la collection de la Galerie Ey sont confisqués et détruits.

Galka Scheyer (1889-1945), à l'origine Emilie Esther Scheyer, était un peintre, marchand d'art et collectionneur d'art juif qui a rencontré Alexej von Jawlensky en 1916 et qui l'a rapidement représenté en tant que marchand d'art. En 1924, elle fonde le groupe d'exposition et de vente Die Blaue Vier avec Jawlensky, Paul Klee , Wassily Kandinsky et Lyonel Feininger et noue rapidement des contacts avec d'autres artistes, musiciens et architectes de renommée internationale, tels qu'Alexander Archipenko , Walter Spies , Frida. Kahlo et Diego Rivera , Giorgio de Chirico , Le Corbusier , Marcel Duchamp , Fernand Léger , John Cage .

Hanna Bekker vom Rath (1893-1983), peintre, collectionneuse et marchande d'art allemande, a également soutenu Alexej von Jawlensky, mais aussi Ludwig Meidner , Emy Roeder , Karl Schmidt-Rottluff et d'autres artistes modernes contemporains. En 1927, elle fonde la Société des amis de l'art d'Alexej von Jawlensky à Wiesbaden. Jusqu'au printemps 1943, elle organise des expositions secrètes dans son studio berlinois avec des œuvres d'art ostracisées par les nationaux-socialistes comme « dégénérées ». En 1947, elle fonde la Frankfurter Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath , qui offre un forum aux artistes amis et aux artistes émigrés persécutés par les nationaux-socialistes. Les artistes représentés comprenaient Ernst Wilhelm Nay , Marta Hoepffner , Willi Baumeister , Ludwig Meidner , Max Beckmann , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner , Oskar Kokoschka , Käthe Kollwitz , August Macke et Karl Schmidt-Rottluff. Cependant, Hanna Bekker a également présenté, et à l'époque inhabituel, de jeunes artistes d'Amérique du Nord et du Sud, d'Afrique du Sud, d'Inde, de Grèce et du Moyen-Orient.

Peggy Guggenheim (1898-1979) ouvre sa galerie Guggenheim Jeune à New York en 1938 , qu'elle referme en 1939. Au début de la Seconde Guerre mondiale à Paris, elle étoffe sa collection car de nombreux artistes souhaitent quitter la ville et vendre leurs tableaux. Sous la direction de Marcel Duchamp et Howard Putzel, elle achète des œuvres de Georges Braque , Max Ernst , Alberto Giacometti , Wassily Kandinsky , Paul Klee et Joan Miró . Elle n'avait aucune idée qu'elle achetait de l'art à prix d'aubaine, a-t-elle dit plus tard. « J'ai juste payé ce qu'on m'a dit. » Guggenheim a apporté un soutien financier au Comité de secours d'urgence pour permettre aux réfugiés de quitter le régime de Vichy en France. Parmi les émigrés se trouvaient des artistes tels que Marc Chagall et Jacques Lipchitz . Guggenheim a également financé le départ de Max Ernst et d' André Breton et de sa famille. Comme elle était d'origine juive, elle a dû quitter la France avec sa collection en 1941 également. À Manhattan en 1942, elle ouvre la galerie Art of This Century et fait la promotion des artistes émigrés d'Europe ainsi que de nouveaux artistes américains tels que Jackson Pollock . En janvier 1943 s'y déroule l'exposition « L'exposition de 31 femmes ». La galerie existe jusqu'en 1947, après quoi Peggy Guggenheim s'installe à Venise , où elle expose sa collection au Palazzo Venier dei Leoni , à la Biennale de Venise et en 1965 à la Tate Gallery de Londres.

Denise René (1919-2012) organise ses premières expositions d'art à Paris dès 1944, pendant la guerre, et y fonde bientôt la galerie Denise René . L'exposition mondialement connue d'art cinétique Le Mouvement a eu lieu ici en 1955 . Certains artistes d'Europe de l'Est comme le Hongrois Lajos Kassák , le Polonais Henryk Stazewski ou le Russe Kasimir Severinovich Malevich ont dû leur développement international à ce galeriste.

Betty Parsons (1900-1982) a ouvert la Betty Parsons Gallery à New York en 1946 . Elle a très tôt promu l'expressionnisme abstrait et soutenu certains des artistes les plus importants de l'art américain du XXe siècle, notamment Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still et Ellsworth Kelly. Betty Parsons a également connu du succès en tant qu'artiste. Son travail est exposé au Smithsonian American Art Museum et au National Museum of Women in the Arts à Washington.

Dans les années 1960 à New York, Virginia Dwan était une grande galeriste d'avant-garde. Parmi les galeristes influents du marché mondial de l'art figuraient Marian Goodman , qui a ouvert sa galerie en 1977, et Barbara Gladstone à New York.

Dans les années 1980, les femmes galeristes en Allemagne étaient encore rejetées par leurs collègues masculins, comme ce fut le cas de Max Hetzler , qui écrivait en 1985 dans le magazine d'art Wolkenkratzer : « Les femmes galeristes ne devraient exposer que des femmes artistes. Puis ils s'arrêtent d'eux-mêmes. Les meilleurs peuvent alors devenir les assistants des galeristes. »

Les galeristes germanophones de renom de la scène artistique internationale contemporaine comprenaient (2018) : Antonina et Krystyna Gmurzynska, Gisela Capitain , Bärbel Grässlin , Ursula Krinzinger , Vera Munro , Eva Presenhuber , Esther Schipper , Rosemarie Schwarzwälder et leur galerie Galerie next St. Stephan , ainsi que les galeristes Monika Sprüth et Philomene Magers ( Sprüth Magers Gallery ).

Une étude empirique des galeries d'art en Allemagne en 2013 a montré que la représentation des femmes artistes dans les galeries n'était que de 25 % et que seulement 38 % des galeristes étaient des femmes, tandis que, par exemple, plus de 55 % étaient systématiquement des femmes dans les deux galeries de Berlin. écoles d'art. A l'occasion d' Art Basel Miami Beach , le magazine en ligne Artsy a publié en décembre 2017 une étude qui montre que même les marchandes d'art ne représentent pas significativement plus de femmes artistes que leurs collègues masculins, la proportion n'est donc nullement équilibrée.

Mécènes et collectionneurs d'art

Lillie P. Bliss (1864-1931) était un américain collectionneur d'art et mécène . Au début du 20e siècle, elle était l'une des principales collectionneuses d'art moderne à New York. Bliss a été l'une des organisatrices du grand Armory Show en 1913. En 1929, elle a co-fondé le Museum of Modern Art . Après sa mort, de nombreuses œuvres d'art de sa collection ont été données au musée, notamment des œuvres d'artistes européens tels que Paul Cézanne , Edgar Degas , Paul Gauguin , Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Seurat et des compatriotes comme Arthur B. Davies , Walt Kuhn et Maurice Prendergast .

Gertrude Stein (1874-1946) était une écrivaine américaine connue pour son salon d' art contemporain , qu'elle dirigeait avec son frère Leo Stein à Paris depuis le début des années 1900. Après s'être séparée de Leo Stein, elle a continué à diriger le salon avec sa partenaire Alice B. Toklas à partir de 1913 . Ses invitations sont suivies de personnalités inconnues de l' avant-garde artistique comme Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Braque et Juan Gris , dont les œuvres ornent le salon.

Katherine Sophie Dreier (1877-1952) était une mécène, collectionneuse d'art et peintre américaine. Avec Marcel Duchamp et Man Ray , elle a cofondé l'association artistique new-yorkaise Société Anonyme Inc. et membre du groupe d'artistes Abstraction-Création . Dreier était un représentant de la peinture abstraite . Au lieu d'un salon ou d'une galerie « traditionnelle », la Société Anonyme, Inc. se considérait principalement comme un organisateur d'expositions expérimentales et un podium. Un aspect important ici était la médiation entre les artistes, les collectionneurs et les galeristes. Tout au long des années 1920, la Société Anonyme, Inc. a présenté un large éventail d'artistes internationaux, tels qu'Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Heinrich Campendonk , Wassily Kandinsky , Paul Klee , Fernand Léger et Piet Mondrian, et a promu les « expériences artistiques les plus aux États-Unis à l'époque. » (William Clark)

La germano-américaine Hilla von Rebay (1890-1967), qui a été influencée par le dadaïsme dans sa jeunesse et qui s'est également engagée dans l'art abstrait dès son plus jeune âge , est devenue peintre, collectionneuse d'art, mécène et organisatrice artistique de la Fondation Guggenheim et de la premier directeur du Guggenheim-Museum de New York.

Historiens de l'art et critiques d'art

En 1930, l' historienne de l' art Hanna Stirnemann a été nommée la première femme directrice de musée en Allemagne et peut-être dans le monde . Elle a dirigé le musée de la ville d'Iéna et a été directrice générale de l' association d'art d'Iéna . Elle a consacré certaines de ses premières expositions à l'art des femmes. Sous la pression des nationaux-socialistes, elle présente sa démission fin 1935.

Avec l'Autrichienne Leopoldine Springschitz , une femme a été commissaire pour la première fois du pavillon d'un pays germanophone à la Biennale de Venise de 1976. Elle a présenté quatre artistes (masculins) et a été critiquée pour cette sélection. De 1956 à 1976 Springschitz était le directeur de la Carinthian State Gallery (aujourd'hui le Musée d'Art Moderne de Carinthie ). L'historienne de l'art Katharina Schmidt a dirigé la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden entre 1981 et 1985 , le Kunstmuseum Bonn jusqu'en 1992 et a été directrice de la Basel Public Art Collection (musée d'art et musée d'art contemporain avec la Fondation Emanuel Hoffmann ) de 1992 à 2001 . Ingrid Mössinger était directrice depuis 1996 et directrice générale des collections d' art de Chemnitz depuis 2005 . En 1997, Catherine David devient la première femme réalisatrice de la documenta à Kassel. Il n'a été suivi que trois numéros plus tard en 2012 par Carolyn Christov-Bakargiev .

Depuis les années 2000, le nombre de femmes gérantes de musées a augmenté, notamment en Allemagne. Susanne Gaensheimer est devenue directrice de la Westphalian Art Association en 1999 , a ensuite été directrice du Musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main et est directrice de la collection d'art de Rhénanie du Nord-Westphalie depuis 2017 . Elle a été commissaire du pavillon allemand à la Biennale de Venise deux fois de suite. Marion Ackermann est devenue directrice du Kunstmuseum Stuttgart en 2003 , et est directrice générale des collections d'art de Dresde depuis 2016 . Christiane Lange a été directrice de la galerie d'art de l'Hypo-Kulturstiftung de 2006 à 2012 . En 2013, elle devient directrice de la Staatsgalerie Stuttgart . Susanne Pfeffer est conservatrice en chef du Kunst-Werke Berlin depuis 2007 et directrice du Fridericianum Museum de Kassel depuis juin 2013 . Depuis 2018, elle est directrice du Museum of Modern Art de Francfort-sur-le-Main. En 2017, elle a été commissaire du pavillon allemand à la Biennale de Venise. En 2019, Franciska Zólyom sera commissaire de la contribution allemande à Venise. Gudrun Inboden a été commissaire du pavillon allemand dès 1997 et 1999 . Eva Kraus est directrice du Nouveau Musée de Nuremberg depuis 2014 , qui était auparavant dirigé par Angelika Nollert depuis 2007 . Nollert est directeur du musée du design Die Neue Sammlung à Munich depuis 2014 . En 2005, Dorothea Strauss est devenue directrice du Museum Haus Konstruktiv à Zurich et en 2013 a cédé la direction à Sabine Schaschl . De nombreuses associations artistiques allemandes et suisses sont dirigées par des femmes. Cependant, la parité est encore loin.

L'historienne de l'art Wibke von Bonin est passée de la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden à la télévision WDR en 1966 . Elle y construit la rédaction des beaux-arts en plus de celle qu'elle dirigea jusqu'en 1996. Sa série télévisée la plus célèbre était 1000 Masterpieces , qui s'est déroulée de 1981 à 1994. Le premier rédacteur en chef d' un magazine d'art de langue allemande était probablement l'historien de l'art Gislind Nabakowski . Le magazine heute KUNST a été fondé par elle en 1973, le titre est également venu de Nabakowski. Il a été publié pour la première fois en mars 1973 par la maison d'édition italienne flash art edizioni par l'éditeur Giancarlo Politi à Milan. Nabakowski a édité de Düsseldorf ainsi que de son lieu de résidence italien. A partir du numéro 9 de février 1975, un numéro spécial traite de « Féminisme & Art ». Nabakowski et les auteurs ont conservé le profil féministe du magazine et ont également rapporté dans les numéros suivants sur les femmes dans l'art, sans en faire l'objet du magazine, qui traite à l'échelle internationale de tous les médias artistiques tels que la photographie, la vidéo de performance et le cinéma et l'art conceptuel. . Aujourd'hui, KUNST a été abandonné en 1979.

Parmi les essayistes exceptionnels aux États-Unis, Susan Sontag avec des essais sur l' esthétique et l' herméneutique dans la photographie , le cinéma , la littérature et l' art a été reconnue. Les critiques d'art qui ont écrit pour les principaux magazines d'art du pays comprenaient Amy Goldin, Patricia Patterson, qui a écrit sur le cinéma avec Manny Farber pour Artforum , Barbara Rose , les féministes Lucy R. Lippard et Jill Johnston . L' historienne du cinéma de formation structurelle Annette Michelson et Rosalind Krauss ont largement contribué au succès de l'exigeant magazine October . L'une des critiques d'art est l'historienne des sciences et ancienne directrice adjointe de la section des reportages du FAZ Julia Voss . En 2012, elle s'est occupée de la position subalterne des femmes dans l'art moderne.

Modèles et muses

La relation de genre entre les artistes masculins et les modèles de nu féminin , qui s'exprime depuis des siècles dans les peintures d'atelier ou les photographies, a eu un impact durable sur l'idée d' atelier d'artiste. Dans cette idée de l'artiste ingénieux, dans l'espace duquel le modèle est un objet, le sens réel de certains modèles pour la création d'art n'est pas reconnu. « La représentation de l'atelier est intimement liée au culte du génie , et pendant longtemps les femmes artistes n'ont pu prétendre à ce plus haut niveau de paternité. Ce n'est que dans les années 1950 que l'Américaine Elaine de Kooning réussit avec des modèles masculins comme objet de leur peinture.

À ce jour, le modèle artistique est une figure culturellement diverse. « Partout où des modèles féminins [...] apparaissent sur la scène des romans d'artistes romantiques, les protagonistes masculins ont un casting fantastique de ces personnages féminins, qui se dissout généralement de manière catastrophique. » Le résultat de ce casting est communément appelé « muse ». Certaines femmes artistes, comme Angelika Kauffmann , ont d'abord été décrites dans l'histoire de l'art masculin comme des modèles et des muses et n'ont été découvertes comme des artistes importantes que grâce à des recherches plus récentes en histoire de l'art. La photographe et peintre Dora Maar est surtout connue comme la muse de Picasso . Non seulement le public l'a définie à travers sa relation avec le célèbre peintre, mais elle a elle-même adopté ce point de vue.

Travailler comme modèle ou modèle nu est généralement une activité temporaire, aujourd'hui c'est souvent à temps partiel ou en marge , dans laquelle, par exemple, des étudiantes travaillent comme motif pour les étudiants des académies d' art . Un plus petit nombre de modèles féminins nus sont désormais organisés en syndicats et protestent contre les mauvaises conditions de travail. Comparé au paiement pour les modèles de photographie de nu, le paiement pour les modèles pour le dessin, la peinture et la modélisation d'après nature est nettement inférieur.

Représentation historique de l'art

Des opinions comme celle du philosophe Arthur Schopenhauer , qui a nié les capacités artistiques des femmes en général en 1851, ont influencé des générations d'historiens de l'art. Cependant, le philosophe était tellement fasciné par la sculptrice Elisabet Ney et son travail que dans une lettre à un ami, il promettait une révision de ses vues sur les femmes : « Je n'ai pas encore dit mon dernier mot sur les femmes. Je crois que lorsqu'une femme se retire de la foule, ou plutôt : s'élève au-dessus de la foule, alors elle grandit inexorablement et plus grande qu'un homme ». Jusque dans les années 1960, le terme « femmes dans l'art » était principalement assimilé à des « représentations de femmes dans l'art » (voir Reinhard Piper : La belle femme dans l'art ). L'accent était mis sur l' image de la femme dans la peinture et la sculpture .

Peu d'historiens de l'art s'opposent à cette tendance. Comme il est typique de l'époque, ils font preuve d'une pseudo-objectivité vis-à-vis de l'objet « femme et artiste ». Même le pionnier bien intentionné du modernisme, Hans Hildebrandt , n'a pas réussi à s'affranchir de ce paradigme avec son œuvre La femme artiste en 1928 . Hildebrandt était un partisan du Bauhaus , sa femme, l'artiste Lily Hildebrandt , a été interdite de peindre par les dirigeants nazis en 1933 .

En 1908, le critique d'art Karl Scheffler résumait dans Die Frau und die Kunst : « Dans l'histoire, les femmes n'ont jamais joué un rôle d'artiste productif. artistes femmes. En 1934, l' écrivain Arnold Zweig dans son ouvrage Bilanz der deutschen Judenheit , afin de défier l'antisémitisme, énumérait de nombreux artistes d'origine juive, mais il a largement laissé la forte proportion de femmes artistes d'origine juive sans commentaire.

Dans l'histoire de l'art, les questions scientifiques sur les relations de genre ne se sont posées qu'à partir de 1971. L' essai de Linda Nochlin Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes a introduit cette ligne de recherche. L'accent a été mis sur des questions telles que la manière dont le canon, l'idéologie et le mythe du brillant artiste masculin sont liés à l'exclusion des femmes artistes et de leur art de l'histoire de l'art.

Depuis lors, avec le soutien d' archives et de scientifiques à orientation féministe , entre autres , l'histoire, la situation sociale et les réalisations de la vie des artistes et autres femmes travaillant dans l'art ont été de plus en plus reconnues et présentées dans un contexte historique. Depuis les années 1960, une partie de la scène artistique s'inspire du féminisme en lien avec le mouvement des femmes . Parce que les femmes artistes ont droit à tout le spectre de l'art, les artistes intéressées par le féminisme évitent de restreindre leur travail à l'art exclusivement féministe .

Des artistes comme Hildegard von Bingen, Sofonisba Anguissola , Maria Sibylla Merian et Lou Andreas-Salomé ont été reconnus comme des figures importantes de l'histoire de l'art et de la culture. D'autres femmes qui n'étaient pas moins importantes à leur époque n'étaient pas représentées ou seulement dans une mesure limitée dans l'historiographie de l'art dominée par les hommes. Du classique moderne -appelé artistes Camille Claudel, Sophie Taeuber-Arp , Paula Modersohn-Becker, Gabriele Münter et Frida Kahlo est connu comme premier dans l'ombre étaient leurs hommes et collègues peintres.

Histoire ancienne

Les plus anciennes œuvres d' art trouvées dans des grottes se trouvent en France dans le département de l'Ardèche . Ils sont datés d'environ 40 000 av. Il n'a pas encore été possible de déterminer si les artistes étaient des hommes ou des femmes. Une variété de formes d'art a émergé plus tard dans l' antiquité . Ce sont aussi des œuvres d'art qui sont principalement attribuées aux hommes. Mais les femmes artistes ont également réalisé des œuvres importantes. Les traces les plus anciennes se trouvent en Chine et au Japon ainsi qu'en Perse et en Amérique latine , en Afrique , en Australie et aujourd'hui en Europe . Des œuvres d'art impressionnantes nous sont parvenues d' Egypte , de Thèbes et de la Grèce antique et latine, qui sont examinées à l'aide des méthodes de l' archéologie . Ici aussi, il reste difficile de savoir si les femmes étaient plus actives artistiquement.

roman

À l'époque romane , les femmes et les hommes exerçaient des activités artistiques principalement au service de la religion et le plus souvent de manière anonyme. Il s'agit principalement de manuscrits enluminés produits dans des monastères . Les chefs-d'œuvre les plus importants de l'enluminure espagnole de la fin du début du Moyen Âge , les manuscrits de Beatus , sont les premiers exemples sur lesquels on peut également montrer que des femmes ont travaillé.

Surtout sous la domination ottonienne , il y avait un épanouissement de l'intellectualité et de l'art féminins dans la zone germanophone. L'abbesse Mathilde II (949-1011) est connue à cette époque comme une grande mécène . L'abbesse Theophanu (997-1058) a également eu une forte influence sur le développement de l'art . D'importantes œuvres d'art portent encore aujourd'hui son nom. Parmi les artistes de l'enluminure de livres encore connus de nos jours, citons Diemut von Wessobrunn (1060-1130), qui a vécu comme un inclus muré dans une cellule à côté d'une abbaye bénédictine, et Hildegard von Bingen (1098-1179), auteur des miniatures de Liber Scivias et d'autres illustrations de livres et de l'abbesse Herrad von Landsberg (1125 / 1130-1195), qui atteignit une grande renommée en tant qu'auteur et illustratrice de l' Hortus Deliciarum ( "Jardin des délices" , vers 1180).

Renaissance au baroque

La Renaissance est la première époque de l'histoire de l'art européen au cours de laquelle un certain nombre de femmes artistes ont acquis une réputation à travers l'Europe. Le nombre croissant de femmes artistes qui se sont tournées vers des sujets profanes au cours de cette période peut être attribué à des changements culturels majeurs. En affirmant la dignité et la valeur de tous, la philosophie de l' humanisme a amélioré le statut social des femmes. Parce que l'art n'est plus exclusivement au service de la religion, l'identité et le nom de l'artiste gagnent en importance.

Avec le succès de l'idée d'humanisme, il y a eu un changement dans la vision de l'art en tant qu'artisanat vers une œuvre intellectuelle et philosophique. Les artistes se voyaient de plus en plus dans la tradition de la science, moins dans celle de l'artisanat. Cette image de soi nécessitait une connaissance de la perspective , des mathématiques, de l'histoire de l'art, comme l'art ancien comme référence pour son propre travail, et la recherche artistique sur le corps humain. L'étude du corps humain, sur le nu ou le cadavre, permettait une représentation réaliste, mais les femmes n'étaient généralement pas autorisées. Par conséquent, à quelques exceptions près, les femmes artistes ont été exclues de la création de telles scènes et se sont principalement tournées vers des sujets de nature morte et des compositions religieuses .

Sofonisba Anguissola (1531 / 32-1625) était l'une de ces exceptions. Elle est issue d'une famille de peintres italiens et est considérée comme l'artiste la plus réussie de son temps. Elle se spécialise dans la peinture de portrait et se fait connaître dans toute l'Europe pour ses portraits de la famille royale espagnole (dont Philippe II et Elisabeth von Valois , son épouse), ainsi que pour le grand intérêt que Giorgio Vasari , biographe de Michel - Ange et Léonard de Vinci , dans son travail offert. À la Renaissance italienne , de nombreuses femmes érudites et artistes ont reçu des commissions représentatives et rémunérées. Le sculpteur Properzia de 'Rossi , les peintres Mariangiola Criscuolo et Irene di Spilimbergo et les poètes Vittoria Colonna , Olympia Fulvia Morata , Tarquinia Molza , Battista Malatesta et Lorenza Strozzi appartenaient également à ce groupe.

Marietta Robusti (1560-1590) est également issue d'une famille de peintres, elle est la fille du Tintoret . Très tôt, elle a été appréciée comme portraitiste dans les maisons royales européennes ; Elle réalise entre autres un portrait de l' empereur Maximilien II mais, selon les circonstances de l'époque, elle ne parvient pas à se détacher de l'atelier de son père. Le biographe du Tintoret, Carlo Ridolfi , valorisait son talent et ses compétences autant que ceux de son père. Dans les années 1920, des peintures précédemment attribuées au Tintoret ont été reconnues comme son œuvre.

Artemisia Gentileschi (1593-1653) a appris l'art de la peinture dans l'atelier romain de son père et a travaillé dans le style clair et sombre de l' école du Caravage . Son interprétation de la décapitation d' Holopherne par Judith était sensationnelle . Elle est considérée comme le peintre le plus important de l' époque baroque , mais est tombée dans l'oubli après sa mort et n'a été redécouverte que dans les années 1960.

Les portraits de la peintre hollandaise Judith Leyster (1609-1660) ont longtemps été considérés comme des œuvres du peintre Frans Hals . Ce n'est que lorsque la Judith Leyster originale a été reconnue sous la signature contrefaite de Frans Hals au Louvre en 1893 qu'elle a été redécouverte en tant que peintre. Un peu plus tard, la peintre Rachel Ruysch (1664-1750) est reconnue publiquement aux Pays-Bas et en Rhénanie. En raison de leur renommée et de leur grande qualité picturale, leurs tableaux se vendaient à des prix exceptionnellement élevés. Ce n'est pas seulement aux Pays-Bas que son style en trompe-l'œil a influencé des générations de peintres de fleurs. Dans le cadre de cette œuvre importante, il est à noter qu'elle a eu dix enfants, qu'elle a elle-même élevés. La peintre Maria van Oosterwijk (1630-1693) de Hollande-Méridionale était une élève de Jan Davidsz. de Heem et Willem van Aelst . L'œuvre de sa vie comprend principalement la peinture de natures mortes de fleurs, à laquelle elle a consacré le reste de sa vie. À 16 ans, Élisabeth Sophie Chéron (1648-1711) assure l'entretien de sa famille orpheline en peignant des portraits à Paris. Plus tard, elle a également réussi en tant que graveur , poète, traductrice et salonnière , et elle a réussi à gagner un revenu élevé.

La naturaliste et artiste Maria Sibylla Merian (1647-1717) était représentée dans l' espace germanophone . Elle est issue de la lignée cadette de la famille d'artistes Merian . Son beau-père, le peintre de fleurs Jacob Marrel , commanda à l'un de ses élèves, Abraham Mignon , sa formation artistique. Maria Sibylla Merian était déjà capable de produire des gravures sur cuivre à l'âge de onze ans et surpassa bientôt son professeur dans cette technique. À son époque, elle était considérée comme une artiste à succès dans le domaine de l'illustration botanique. Son observation systématique de la métamorphose des papillons et la représentation extraordinairement détaillée et botaniquement correcte de ce processus ont fait d'elle une pionnière de l' entomologie . Elle a participé à des voyages de recherche, notamment au Suriname .

La portraitiste rococo Anna Dorothea Therbusch (1721–1782) a travaillé comme peintre de cour dans les cours princières du sud de l'Allemagne à partir de 1761 et est devenue membre honoraire de l' Académie des beaux-arts de Stuttgart . Lors d' un séjour à Paris , elle est admise à l' Académie Royale et est la seule femme autorisée à apparaître en public au Salon de Paris en 1767 . Elle a également été la première femme à rejoindre l' Académie des Beaux-Arts de Vienne . Pour le compte de Frédéric II , elle réalisa des portraits, ce qui la rendit très appréciée en Prusse. Catherine II passe une commande de tableaux de la famille royale à Berlin. En outre, Therbusch avait, entre autres, à Paris. dépeint le pionnier des Lumières Denis Diderot . Diderot appréciait son travail, également publiquement. Beaucoup de ses œuvres marquent le passage du portrait traditionnel de la cour à la conception individuelle de la grandeur personnelle au sens des arts visuels des Lumières , en particulier de l'absolutisme éclairé .

Sa sœur aînée Anna Rosina Lisiewska, sa seconde épouse Anna Rosina de Gasc (1713-1783), était une portraitiste qui, comme Anna Dorothea , avait appris à peindre de son père Georg Lisiewski et Antoine Pesne . À partir de 1757, elle est peintre de la cour du prince Friedrich August von Zerbst . En 1767, elle se rend à la cour des ducs de Brunswick , où elle est nommée peintre de la cour dix ans plus tard. Depuis 1769, elle était membre honoraire de l' Académie des beaux-arts de Dresde .

classicisme

La peintre suisse Angelika Kauffmann (1741-1807) s'est fait connaître pour ses portraits et ses tableaux historiques. L'un de leurs modèles était Goethe . La fille d'un peintre était surtout connue comme la muse du prince poète. Cependant, elle était une personnalité artistique centrale du classicisme à Rome à la fin du XVIIIe siècle. Angelika Kauffmann était, avec Mary Moser (1744-1819), la seule femme membre fondatrice de la Royal Academy of Arts de Londres (1768).

La portraitiste parisienne Adélaïde Labille-Guiard (1749-1803), dite Madame Vincent, peint principalement des nobles, des membres de la famille royale et, pendant la Révolution française, également des membres de l'Assemblée nationale. Sa concurrente encore plus réussie Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842) est surtout connue comme la peintre de la cour royale de la reine française Marie-Antoinette . Pendant la révolution, elle voyage à travers l'Europe, où elle reçoit de nombreuses commandes de la noblesse. Leur période d'activité s'étend des années 1760 aux années 1830.

Marie-Gabrielle Capet (1761-1818) apprend le portrait à l'école de peinture féminine du réputé Labille-Guiard . Au début, elle a pu montrer quelques-uns de ses plus petits pastels et dessins dans l'exposition de la Jeunesse , suivie de ses grandes peintures à l'huile en 1785; un an plus tard, elle a reçu des commentaires positifs pour un pastel qui a été exposé au Salon de la Correspondance. Désormais, la peintre sans le sou reçoit des commandes rémunérées, dont certaines de la famille royale, et peut vivre de son art. Comme son professeur Madame Vincent, elle fait la promotion d'autres artistes. Dans son travail ancien, il y a des œuvres de peinture d'histoire .

Un autre peintre classique était Ludovike Simanowiz (1759-1827). Née dans le Wurtemberg, elle séjourne à Paris pendant la Révolution française. Bien qu'elle ne puisse temporairement pas fréquenter une académie d'art, elle apprend - avec le soutien de sa famille - la peinture à l'huile et le dessin auprès de Nicolas Guibal . La plupart de ses images non signées sont entre des mains privées. Seules certaines de ses œuvres sont ouvertes au public. Par exemple, elle a dépeint Charlotte et Friedrich Schiller .

Marie-Denise Villers (1774-1821), également connue sous le nom de Nissa Villers, est originaire de Paris. Jusqu'à son mariage avec l'étudiant en architecture Michel-Jean-Maximilien Villers, elle utilise son nom de jeune fille Marie-Denise Lemoine comme artiste. Elle a suivi une formation de peintre auprès d' Anne-Louis Girodet-Trioson , qui avait étudié avec Jacques-Louis David à l' École des Beaux-Arts , et a également été enseignée par François Gérard et Jacques-Louis David. Lors de sa formation chez Girodet, elle expose trois tableaux au Salon de Paris en 1799 . Ses œuvres ont souvent été attribuées à ces derniers professeurs. Sa peinture à l'huile Jeune femme au dessin est clairement et à tort attribuée à Jacques-Louis David à partir de 1897, malgré une exposition au Salon de Paris de 1801 et une interprétation contemporaine en autoportrait. À partir de 1951, l'historien de l'art Charles Sterling douta de la justesse de cette attribution. A partir de 1955, il soupçonne Mme Charpentier, l'une des élèves de Jacques-Louis David, d'être l'auteur possible du tableau, dite aussi « Jeune femme dessinant ». En 1981, dans Old Mistress: Women, Art and Ideology , Rozsika Parker et Griselda Pollock ont présenté le tableau , qui était parfois considéré comme une « icône de l'ère de l'art masculin », comme un exemple de la façon dont l'art est perçu selon le sexe de l'artiste. Margaret A. Oppenheimer fut la première à prouver en 1996 que Marie-Denise Villers en était l'auteur.

D'autres peintres du classicisme étaient entre autres. Marie-Geneviève Bouliar (1762-1825), Marie-Guillemine Benoist (1768-1826), Marguerite Gérard (1761-1837) et Hortense Haudebourt-Lescot (1784-1845).

romance

Marie Ellenrieder (1791-1863), dont le grand-père était peintre, a eu la chance d'être la première femme à être admise à l'Académie des beaux-arts de Munich en 1813. Elle était proche du style romano-religieux des Nazaréens et fut nommée peintre de la cour à Baden en 1829. Elle a également créé des œuvres sacrées catholiques.

Amalie Bensinger (1809-1889), étudiante à l' École de peinture de Düsseldorf, peint des tableaux quelque part entre romantisme et réalisme, également influencés par les Nazaréens. Les convertis au catholicisme créèrent de plus en plus d'œuvres d'art sacré.

Marie Wiegmann (1820-1893) était une peintre allemande de scènes mythologiques , de genres et de portraits d'enfants et de femmes. Sa formation s'est déroulée principalement auprès de Karl Ferdinand Sohn . À l'âge de 23 ans, il la dépeint comme une femme belle et distinctive qui était considérée par les contemporains comme son « élève la plus talentueuse ». En 1841, elle épouse le peintre, architecte et professeur de Düsseldorf Rudolf Wiegmann . A partir de 1851, Marie Wiegmann travaille de plus en plus sur des portraits d'enfants et de femmes. Entre autres, elle a participé à de nombreuses expositions à Berlin ; le tableau Deux grands-mères qui y était exposé en 1852 est entré en possession de la reine Victoria . Le Düsseldorfer Kunstverein a acquis la peinture de genre Ein Wiedersehen en 1857 . En 1859, Marie Wiegmann a reçu la « petite » médaille d'or à l'exposition de l'Académie de Berlin.

naturalisme

Elisabeth Jerichau-Baumann (1819-1881) était une peintre de l'école de peinture de Düsseldorf. Ses peintures sur le soulèvement des tisserands de Silésie en 1844 ont d'abord attiré l'intérêt d'un public intéressé par l'art. Avec son mari, le sculpteur danois Jens Adolf Jerichau , et plus tard aussi seule et avec son fils Harald , elle entreprend de nombreux voyages éducatifs, notamment en Orient. Au Danemark, où le couple vivait depuis 1849, ils ne pouvaient pas faire publiquement ce qu'ils voulaient en raison de leur origine allemande, malgré de nombreuses œuvres de cette période et la protection du couple royal. Sur le plan international, cependant, elle était présente dans plusieurs expositions d'art importantes. Ses œuvres sont en partie romantiques, en partie naturalistes.

Née dans une famille aristocratique russe, la peintre naturaliste Marie Bashkirtseff (1858 ou 1860-1884) a vécu et travaillé en France à partir de 1872 environ. Influencée par son professeur et ami Jules Bastien-Lepage , elle laisse derrière elle un nombre relativement important de tableaux après une courte période de création. Son œuvre Das Treffen , exposée au Salon de Paris en 1884, a reçu une couverture médiatique positive. Il appartient actuellement au musée d'Orsay à Paris .

L'une des rares femmes qui, au-delà des attributions de rôles traditionnelles, a pratiqué la peinture en tant que profession au 19ème siècle était la peintre animalière naturaliste ou réaliste Rosa Bonheur (1822-1899), qui était non seulement artistiquement mais aussi économiquement très réussie.

impressionnisme

Parmi les peintres les plus importants de l' impressionnisme dont Berthe Morisot (1841-1895), Mary Cassatt (1844-1926), Eva Gonzalès (1847-1883) et Marie Bracquemond (1840-1916).

Avec Claude Monet , Édouard Manet , Paul Signac , Pierre-Auguste Renoir , Edgar Degas et Paul Cézanne, ils appartiennent au petit cercle des impressionnistes qui participent au Salon officiel de Paris et organisent conjointement des contre-expositions. Ces collègues artistes étaient considérés comme artistiquement égaux. La recherche historique de l'art a évalué les différences entre les œuvres des artistes et l'artiste comme marginales.

Les erreurs de jugement et les mensonges flagrants des critiques d'art de l'époque ont contribué au fait que les femmes artistes ont été oubliées et que les hommes sont devenus célèbres. La critique d'art a rejeté les artistes comme des dilettantes limités aux problèmes typiques des femmes . Si l'on ne pouvait éviter de reconnaître leur qualité, le masculin restait la norme : « (...) Mlle Cassatt (...) a (...) une liberté d'exécution digne d'un homme, d'un homme de grande Talent".

Berthe Morisot, quant à elle, écrit : "Je ne pense pas qu'il y ait jamais eu un homme qui ait traité une femme comme absolument égale, et c'est tout ce que j'ai toujours demandé - parce que je sais que je suis aussi bon que les hommes ". L'historienne de l'art américaine Linda Nochlin mentionne le tableau de Morisot de l' infirmière allaitant sa fille à l'enfant (1879/80) comme un « sujet extraordinaire ».

Berthe Morisot était représentée par Paul Durand-Ruel , grand galeriste impressionniste. Les salons de Morisot, la belle-sœur de Manet, étaient le point de rencontre des peintres impressionnistes ; dont Eva Gonzalès, seule élève de Manet, et Marie Bracquemond, mariée au peintre Félix Bracquemond .

Mary Cassatt, issue d'une famille aisée, a étudié à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie , qui a permis aux femmes d'étudier et d'enseigner, ce qui en fait l'une des écoles d'art les plus progressistes de la seconde moitié du XIXe siècle. Elle poursuit ses études à Paris. En 1868, une photo d'elle est acceptée pour la première fois au Salon de Paris.

Bertha Wegmann (1847-1926) était un peintre danois qui a créé des œuvres naturalistes et impressionnistes. L'impressionniste Maria Slavona (1865-1931) a vécu et travaillé en Allemagne . L'artiste américaine Lilla Cabot Perry (1848-1933), restée longtemps au Japon, et la paysagiste belge Juliette Wytsman (1866-1925) sont également des peintres impressionnistes. La peintre canadienne Elizabeth Adela Forbes , née Armstrong (1859-1912), est affectée au post-impressionnisme en tant que membre de la Newlyn School . La peintre polonaise Olga Boznańska (1865-1940), qui a enseigné la peinture à Paris à l' Académie de la Grande Chaumière , à l' Académie Colarossi et à l' Académie Vitti, appartient également à ce courant . Un représentant de l'impressionnisme russe est Sinaida Evgenjewna Serebrjakowa (1884-1967).

La française Suzanne Valadon (1865-1938), issue d'un milieu modeste, était connue des bohèmes parisiens de Montmartre comme modèle, muse puis comme peintre. Pour la belle femme sans le sou, il était d'abord difficile de se faire reconnaître en tant qu'artiste. Mais alors Valadon a connu le succès avec ses œuvres post-impressionnistes dans la transition vers la modernité . Elle avait acquis des techniques de peinture et de dessin comme modèle auprès de peintres tels que Chavannes , Renoir et Toulouse Lautrec . Artiste parrainée par Degas, elle est la première femme à être admise à la Société nationale des beaux-arts en 1894 et réalise ses premières expositions à la même époque.

Moderne

L'Art Nouveau au tournant des XIXe et XXe siècles marque le passage à la modernité . L'écossaise Margaret MacDonald Mackintosh (1864-1933) est une peintre et artisane, avec sa sœur Frances MacDonald McNair (1873-1921), l'une des artistes de l'Art Nouveau, ou Modern Style , terme anglais désignant l'Art Nouveau.

Dans les œuvres complètes de Paula Modersohn-Becker (1876-1907) montre leur relation avec les nouveaux courants de la peinture au début du 20e siècle. Inspirée par le travail d' artistes français d' avant-garde , avec qui elle a traité à Paris, elle a développé un langage visuel indépendant dans lequel des éléments de l' expressionnisme , du fauvisme et du cubisme sont montrés ainsi que des références à l'art d'époques révolues. Ceci est confirmé par le catalogue raisonné de peintures préparé par Günter Busch et Wolfgang Werner en 1998, avec des portraits, des portraits d'enfants, des représentations de la vie rurale à Worpswede , des paysages, des natures mortes et des autoportraits . Ce dernier l'a accompagnée tout au long de son travail. Ses portraits d'enfants sont inhabituels pour la fin du XIXe siècle. Libérés du sentimental, du ludique ou de l'anecdotique, ils témoignent d'une perception sérieuse et sans fioritures de l'enfant (voir en revanche Hans Thoma ou Ferdinand Waldmüller ). Avec ce mode de représentation, elle suscitait la plus grande incompréhension de l'époque. L'historienne de l'art Christa Murken-Altroge a attiré l'attention sur la similitude stylistique des portraits d'enfants avec les peintures du jeune Pablo Picasso , qui ont été créées à peu près à la même époque et qui sont attribuées au bleu et au début de la période rose . Les portraits de 1906 et 1907 montrent également des éléments du cubisme géométrique-constructif. Julia Voss écrivait à son sujet en 2007 : « Le Picasso d'Allemagne est une femme. »

La peintre et sculpteur Clara Rilke-Westhoff (1878-1954) n'a été reconnue comme artiste que dans les années 1980 et a été libérée de l'existence ténébreuse, pour être considérée comme l' épouse de Rainer Maria Rilke et l'amie de Paula Modersohn-Becker.

Marianne von Werefkin (1860-1938), peintre expressionniste russe , a travaillé à Munich et en Suisse et faisait partie du cercle du Blue Rider . Elle a également soutenu artistiquement son partenaire Alexej von Jawlensky . Le Prix ​​Marianne Werefkin , fondé en 1990 par l' Association des femmes artistes berlinoises , porte son nom. Le prix est décerné tous les deux ans pour promouvoir les femmes artistes contemporaines pour un montant de 5 000 euros.

La peintre allemande Clara Porges (1879-1963) a vécu comme Marianne von Werefkin en Suisse. La peintre suisse Helene Pflugshaupt (1894-1991) était un représentant typique de l' expressionnisme . À son époque, les femmes en Suisse étaient discriminées lors d'expositions. La citation de Ferdinand Hodler Mir wei känner Wiiber est devenue célèbre après que les membres féminins de la GSMBA (Société suisse des peintres, sculpteurs et architectes) ont réclamé des droits égaux pour les expositions. La GSMBA n'a autorisé l'adhésion active des femmes qu'en 1972.

La peintre suédoise Hilma af Klint (1862-1944) a peint le premier tableau abstrait en 1906. L'artiste avait décrété que son travail ne pourrait être exposé que 20 ans après sa mort. Le fait que Wassily Kandinsky aurait créé la première œuvre abstraite en 1910 est ainsi remis en cause. Après l'exposition 2013 au Moderna Museet de Stockholm, consacrée à l'artiste, ses œuvres ont été présentées de juin à octobre de la même année au Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart à Berlin.

Le peintre d' avant-garde russe Lyubow Popowa (1889-1924) a également créé des œuvres abstraites . Influencée par le futurisme , elle a travaillé dans le style du cubisme et du constructivisme . Comme Olga Rosanowa (1886-1918), Nadeschda Udalzowa (1885 / 1886-1961), Alexandra Alexandrovna Exter (1882-1949) et Marie Vassilieff (1884-1957), elle a assisté à la 0,10 exposition de la suprématistes à la fin de 1915 Petrograd impliqué. La peintre franco-russe Sonia Delaunay-Terk (1885-1979) était, avec son mari Robert Delaunay, une représentante de l' orphisme ou du cubisme orphique et la première femme à aider à développer le nouveau courant artistique de l'abstraction géométrique . Elle a ensuite conçu des équipements et des costumes de théâtre artistique .

Natalja Goncharova (1881-1962) était une artiste qui était avec confiance à l'avant-garde de l'avant-garde russe . Inspirée du folklore russe, elle a d'abord façonné le style néo-primitif puis a joué un rôle de premier plan dans le développement du cubofuturisme et du rayonisme . En 1913, elle montra plus de 800 œuvres lors de la première exposition personnelle d'une femme en Russie. Elle avait un réseau international et a passé la seconde moitié de sa vie en France. Entre autres, elle appartenait au Blue Rider . Elle a fait une apparition publique provocante en 1913 lors d'une première représentation de peinture faciale abstraite et en 1914 est entrée en conflit avec le clergé russe et les autorités parce que - surtout en tant que femme - elle combinait la peinture d'icônes avec des éléments profanes. En tant qu'artiste, elle se caractérise par une attitude intransigeante. Elle a également travaillé comme illustratrice et comme scénographe et costumière.

La peintre, sculpteur, designer textile, décoratrice d'intérieur et danseuse Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), co-fondatrice du dadaïsme et représentante de la peinture géométrique, constructive et concrète , n'est devenue célèbre et reconnue qu'après sa mort . Elle a travaillé par intermittence avec Sonia Delaunay. Comme Taeuber-Arp, Hannah Höch (1889-1978) était une graphiste et une artiste du collage qui était une représentante du dadaïsme. Le prix Hannah Höch , qui porte son nom , est décerné par l'État de Berlin depuis 1996 pour récompenser l'œuvre d'une vie artistique exceptionnelle.

Lil Picard (1899-1994), née Lilli Elisabeth Benedick de Landau dans le Palatinat, a été mariée à Fritz Picard jusqu'en 1926 . En 1936, elle émigre à New York avec le banquier Hans Felix Jüdell en raison de l'antisémitisme croissant en Allemagne. Lil Picard y a connu du succès en tant que peintre, sculpteur, critique d'art, photographe, artiste de la performance et du happening. Son développement artistique en tant que peintre a commencé vers 1939. Vers la fin des années 1950, elle anticipe les développements de son travail qui, des années plus tard, seront formulés dans le pop art . Leur utilisation de combinaisons de lettres rappelle les travaux ultérieurs de Robert Indiana . Comme dans une prémonition des canettes de Coca de Jasper Johns et des boîtes Brillo d' Andy Warhol , elle utilise comme motif des cosmétiques commerciaux. Vers 1960, Lil Picard travaillait sur des reliefs et des tableaux qui montraient des références autobiographiques et féministes. Elle a tenu son premier happening , The Bed , en 1964 à l'âge de 65 ans, au Café Au Go Go . Le travail consistait en une sorte de strip-tease sur un lit réglable électriquement, avec Meredith Monk assistant en tant que danseuse. En 1965, Lil Picard rencontre Andy Warhol et entretient des relations étroites avec d'autres artistes de la Warhol Factory . Son art Construction-Destruction-Construction in the Factory a été filmé par Warhol et publié dans son film expérimental underground **** (Four Stars) en 1968.

Camille Claudel (1864-1943) était un sculpteur et peintre français, dont le parcours de vie montre le débat tragique sur l'indépendance d' Auguste Rodin et d'autres conditions typiques des femmes artistes.

La graphiste et sculpteure allemande socialement critique Käthe Kollwitz (1867-1945) est devenue la première femme à devenir membre de l' Académie prussienne des arts en 1919 . Influencée par l'expressionnisme et le réalisme , la pacifiste et socialiste a créé des œuvres obsédantes qui ont fait d'elle l'une des artistes les plus connues du XXe siècle après la Seconde Guerre mondiale. Après l'arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes, elle dut quitter l'académie en 1933. Ses œuvres ont été retirées de l'exposition de l'académie en 1936 et ont donc été considérées comme de l'art dégénéré . Le Käthe Kollwitz Museum Cologne possède une vaste collection de ses sculptures, feuilles graphiques, dessins et affiches.

La peintre canadienne Emily Carr (1871-1945), qui a grandement contribué à la percée de l'art moderne au Canada, a emprunté un chemin inhabituel . Elle a étudié à Londres, en Cornouailles, à San Francisco de 1899 à 1905 et à nouveau à Paris en 1910/11, notamment à l' Académie Colarossi . Là, elle fait la connaissance des œuvres d' Henri Matisse , de Pablo Picasso et du post-impressionnisme . Les thèmes principaux de son travail sont la culture amérindienne et le paysage de sa province natale de la Colombie-Britannique . À partir de 1907, elle visita encore et encore les colonies indiennes et documenta la vie et la culture des peuples autochtones de l' Alaska et de la Colombie-Britannique par la peinture, l'aquarelle et le dessin, en particulier les mâts totémiques indiens encore existants . Ses dernières images impressionnistes de l'été 1912 ont rencontré si peu d'approbation que Carr a abandonné la peinture sérieuse pendant longtemps. Il a fallu attendre 1927 qu'elle se retourna vers son art, avec la participation à une exposition à la Galerie nationale du Canada et de la reconnaissance du Groupe des Sept peintres . Formellement, elle n'est jamais devenue membre du groupe, mais quelques années plus tard, elle était considérée comme la « mère de l'art moderne ». Son travail tardif étendu est souvent compris comme sa véritable réussite artistique.

Dans sa première phase naturaliste, la peintre finlandaise Helene Schjerfbeck (1862-1946) se distingue par son choix de sujets audacieux à l'époque pour les femmes (par exemple les soldats blessés et morts). Avec son virage vers la modernité picturale, elle a réalisé la représentation implacable de la vulnérabilité, en particulier dans ses nombreux autoportraits, avec une réduction de plus en plus radicale des détails tout en utilisant simultanément des lignes et des couleurs expressives.

Gabriele Münter (1877-1962), élève et compagne de Wassily Kandinsky , était membre du Blue Rider et transforma sa maison de Murnau en un centre d'art moderne. Elle doit son nom au Prix ​​Gabriele Münter , décerné tous les trois ans depuis 1994 à des artistes plasticiennes de 40 ans et plus.

Dorothea Maetzel-Johannsen (1886-1930) fait partie des peintres modernes qui sont largement tombés dans l'oubli .

Frida Kahlo (1907-1954), de loin la peintre la plus connue au Mexique , sinon en Amérique latine, a maintenu son indépendance artistique dans des conditions défavorables aux côtés de Diego Rivera . Elle est considérée comme la représentante la plus importante d'un développement populaire du surréalisme , bien que son travail montre parfois des éléments de la nouvelle objectivité .

La peintre surréaliste Jacqueline Lamba (1910-1993), qui fut mariée à André Breton de 1923 à 1944, est citée dans la biographie de Breton par Mark Polizotti :

Meret Oppenheim (1913-1985) a su se développer artistiquement malgré les crises créatives et a influencé des artistes tels que Jean Tinguely , Franz Eggenschwiler et Daniel Spoerri . Elle a résisté à l'appropriation de son travail comme surréaliste ou féministe et a représenté les vues du psychanalyste C. G. Jung .

D'autres peintres surréalistes étaient, par exemple, Leonora Carrington (1917-2011), Kay Sage (1898-1963), Dorothea Tanning (1910-2012) et Remedios Varo (1908-1963).

Influence du national-socialisme

En Allemagne et plus tard en Autriche, après leur arrivée au pouvoir , les nationaux-socialistes ont fait pression sur les femmes artistes qui ne correspondaient pas à l'idéal national-socialiste de l'art dit allemand . Ils ont diffamé le travail d'artistes tels que Maria Caspar-Filser , Paula Modersohn-Becker et Elfriede Lohse-Wächtler comme « dégénéré ». Elfriede Lohse-Wächtler a également été stigmatisée comme une personne handicapée et assassinée dans le sanatorium de Pirna-Sonnenstein . La peintre autrichienne Helene von Taussig a été assassinée dans le ghetto d'Izbica en 1942 , son œuvre a été oubliée.

Même avant cela, vers 1930, le NSDAP harcelait des artistes comme Anita Rée (1885-1933), une peintre allemande d'origine juive née à Hambourg et baptisée luthérienne évangélique. Durant l'hiver 1912/1913, elle avait participé au dessin d'après nature de Fernand Léger à Paris . A cette époque, participer à un studio allemand aurait encore été accusé de comportement scandaleux . Dans son travail, on peut voir des influences de Léger, Picasso , Matisse et Cézanne . En 1919, Rée est membre fondateur de l'association des artistes de la Sécession de Hambourg . Après que le NSDAP l'a accusée d'être d'origine juive en 1930 , elle a quitté Hambourg en 1932 et s'est installée à Sylt . Le 25 avril 1933, elle est diffamée et exclue de la communauté des artistes de Hambourg . Rée se suicida le 12 décembre 1933 à Kampen .

A partir de 1933, les artistes qui ne répondaient pas aux diktats nazis étaient, des associations d'artistes désormais conformistes, exclus et interdits d'exposition comme Alice Hair Burger (1891-1942). Les femmes artistes qui ont pu fuir n'ont généralement pas eu la possibilité de poursuivre leur travail artistique en exil. Beaucoup de ceux qui n'ont pas fui, comme Maria Luiko (1904-1941), ont ensuite été déportés dans des camps de concentration . Aussi Alma del Banco (1863-1943) était à l' ère du national-socialisme persécuté en tant que juif, vilipendé comme « dégénéré » et son meurtre est venu dans un camp de la mort du suicide avant.

L'encore très jeune Ursula Benser (1915-2001), l'une des rares étudiantes de l' Académie des beaux-arts de Düsseldorf depuis 1931 , reçoit le prix en tant qu'étudiante en master class en 1935 . Cependant, elle n'a pas été admise à une exposition organisée par l'Académie, car ses images ont été décrites comme « inappropriées » et « pas féminines » pour un peintre dans une petite exposition d' Art dégénéré . Dans son curriculum vitae ultérieur en tant que peintre active, elle refusa également d'étendre son engagement artistique au loin, prise dans le rôle autolimitant d'épouse et la réticence à être mesurée par les noms de ses ancêtres masculins, Sohn-Rethel et père Heuser .

La Seconde Guerre mondiale a rendu le travail artistique gratuit de plus en plus difficile pour les femmes à travers l'Europe. Seuls quelques-uns des artistes persécutés ou endommagés par la guerre ont pu continuer leur travail sans interruption après la fin de la guerre. Ainsi, beaucoup d'entre eux, comme la peintre russo-allemande Alexandra Povòrina , font partie de la « génération perdue ».

Après 1945

Alice Neel (1900-1984), une peintre réaliste américaine , a redéfini l'image de la femme dans l'art. Son œuvre, en particulier son portrait , est un point de référence pour de nombreux artistes importants qui travaillent de manière figurative.

Germaine Richier (1902-1959) est devenue l' une des sculpteurs modernes les plus importantes de l'après-guerre ; son travail montre des figures en bronze qui représentent des hybrides abstraits d'humains et d'animaux. Comme Alberto Giacometti, elle étudie avec Émile-Antoine Bourdelle à Paris, et comme lui, elle côtoie les surréalistes . La sculpture de 1946, Mante religieuse ( mante ), dont les femelles mangent parfois les mâles pendant ou après l'acte d'accouplement, une adresse sexualité féminine particulièrement agressif pour l'instant.

Les œuvres d'art de la sculptrice franco-américaine Louise Bourgeois (1911-2010) ont été inspirées en partie par des discussions avec ses parents. Le commerce international de l'art en a pris connaissance tardivement, d'abord exclusivement aux États-Unis. Après que le New York Museum of Modern Art consacre une rétrospective à Louise Bourgeois en 1982, d'autres musées américains suivent. Elle a également obtenu une reconnaissance internationale avec d'autres grandes rétrospectives. La Japan Art Association a reconnu l'œuvre de la vie de Louise Bourgeois en 1999 en lui décernant le Praemium Imperiale , le prix le plus important de l'art contemporain .

Les principaux artistes expressionnistes abstraits à New York étaient Lee Krasner (1908-1984) et Elaine de Kooning (1918-1989). Joan Mitchell (1925-1992) a été influencée par l' œuvre tardive de Claude Monet en France . Agnes Martin (1912-2004) a vécu au Nouveau-Mexique . Lee Krasner et son partenaire Jackson Pollock se sont influencés artistiquement. Elaine de Kooning poursuit la démarche, difficilement concevable dans l'art de son époque, de représenter les hommes comme des objets sexuels.

Maria Lassnig (1919-2014) est acceptée à l'Académie des beaux-arts de Vienne et étudie d'abord avec Wilhelm Dachauer , après des différends avec Ferdinand Andri et Herbert Boeckl . Influencé par le surréalisme , Lassnig crée des œuvres après la fin de la guerre dans le sens de l' art tachiste , et un peu plus tard, de l'art informel . Elle rompt avec les écoles d'art conventionnelles et peint des "images de sensation corporelle", qui reflètent également sa subjectivité en termes de couleur. Ces œuvres sont au cœur de l'œuvre de sa vie. Elle a également réalisé un certain nombre de films artistiques tels que 1976 Art Education , une interprétation féministe de tableaux célèbres de Michel - Ange et de Vermeer, entre autres . Maria Lassnig a reçu de nombreux prix artistiques.

Lygia Clark (1920-1988) a commencé sa carrière dans le néo-concrétisme brésilien et a été une pionnière de l'art interactif. Les œuvres postérieures à 1963 ne peuvent être vécues sensuellement que par des participants qui les manipulent. Les musées d'art n'étaient pas adaptés à un tel travail, de sorte que la réception était limitée à cet égard.

L' artiste conceptuel et philosophe Adrian Piper (* 1948) a 20 ans lorsqu'elle expose pour la première fois son art au niveau international. En 1969, elle est diplômée de l' École des arts visuels dans le domaine des beaux-arts avec une spécialisation en peinture et sculpture. Tout en continuant à produire et à exposer de l'art, elle a obtenu un doctorat de l'Université Harvard en 1981 . De 1977 à 1978, elle a également étudié Immanuel Kant et Georg Wilhelm Friedrich Hegel avec Dieter Henrich à l' Université de Heidelberg .

Niki de Saint Phalle (1930-2002) était un peintre et sculpteur franco-suisse. En Allemagne, elle est surtout connue pour ses Nanas , créées à partir de 1965 : sculptures surdimensionnées, ironiques et amusantes, parfois grotesques, de corps féminins aux formes luxuriantes. Elle appartenait au groupe d'artistes des Nouveaux Réalistes , fondé en 1960 , avec Arman , César , Daniel Spoerri , Jean Tinguely et d'autres.

Jeanne-Claude (1935-2009), mariée à l'artiste Christo depuis 1958 , n'apparaît dans son auto-mise en scène que dans les années 1990, bien qu'elle ait travaillé avec lui pendant des décennies. Depuis lors, tous deux ont utilisé la lecture selon laquelle, dès le début, ils étaient un couple d'artistes indépendants symbiotiquement connectés et égaux: comme Christo et Jeanne-Claude .

Le américain sculpteur , peintre et cinéaste Nancy Graves (1940-1995) est surtout connu pour ses répliques précises de chameaux et de son occupation avec des cartes lunaires. En 1969, Graves a été la première artiste féminine à avoir une exposition solo au célèbre Whitney Museum of American Art à New York.

Dimensions sociales de l'art contemporain des femmes

À l'heure actuelle, les femmes sont majoritaires dans les cours d'art avancés, dans les académies et les petites expositions. Elles reçoivent à peu près le même nombre de prix de parrainage que les hommes. Pour la documenta, 12 artistes étaient invités, « dont l'importance et l'influence n'avaient pas encore été suffisamment appréciées aux yeux des organisateurs d'expositions ». La moitié de ces artistes étaient des femmes. En revanche, les femmes artistes sont encore sous-représentées dans les musées, les galeries importantes et les magazines d'art. Une étude de la présence des femmes dans les institutions artistiques de Düsseldorf en 1999, par exemple, a révélé 167 expositions personnelles d'hommes et 8 expositions personnelles (4,6%) de femmes dans la Kunsthalle au cours des 30 dernières années. Le Musée Frieder Burda , fondé en 2004, nomme 77 artistes sur sa liste d'artistes. La galerie municipale de la Lenbachhaus à Munich possède 28 000 œuvres d'art (en 2016). Parmi ceux qui ont été créés jusqu'en 1900, seulement 1% provenaient de femmes. Si vous prenez en compte tous les travaux jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale, vous obtenez une part de 6%, de 1946 à 2015, elle n'a augmenté qu'à 11%. La relation n'est pas seulement déséquilibrée en Allemagne : le Turner Prize avant-gardiste de la Tate Gallery , décerné chaque année, a été remporté par trois femmes et vingt-deux hommes (jusqu'en 2009). Avec une campagne d'affichage « Les femmes doivent-elles être nues pour aller dans les musées américains ? », The Guerrilla Girls reprenait en 1989 que, selon leurs recherches, moins de 5 % des artistes du Museum of Modern Art de New York étaient femmes, tandis que 85 % de tous les nus étaient des femmes.

L'artiste conceptuelle Lee Lozano (1930-1999) traite dans son travail de l'identité culturelle, de la construction de la féminité et du business de l'art lui-même. En 1970, elle est l'une des premières femmes artistes à avoir une exposition personnelle au Whitney Museum. de l'Art américain . Néanmoins, comme de nombreux artistes conceptuels, elle critique les pratiques du monde de l'art et remet également en question sa propre position sur la scène artistique. L'une de ses œuvres conceptuelles les plus connues est la General Strike Piece :

Au début des années 1970, Lozano a rompu son lien avec la scène artistique new-yorkaise avec son action BOYCOTT WOMEN (1971). Lozano est décédé à Dallas en 1999 à l'âge de 68 ans. Après une exposition personnelle dans P, p.1 en 2004, Lozano a été redécouvert dans de nombreuses expositions individuelles et collectives.

Yoko Ono (*1933), l'une des premières artistes conceptuelles et performeuses et pionnière du mouvement Fluxus , publie le manifeste La féminisation de la société en 1971 . Elle a fait des déclarations sur la tâche et le rôle de l'artiste et est considérée comme attachée au féminisme.

Avec le projet The Dinner Party, Judy Chicago (* 1939) réussit à décoder les réalisations artistiques refoulées des femmes dans l'histoire. En coopération avec des groupes de femmes et d'artistes aux États-Unis et dans le monde, des réalisations artistiques et culturelles extraordinaires de femmes ont été redécouvertes, mises en avant et présentées dans une grande installation artistique.

Dans leur œuvre, les artistes de performance à succès Marina Abramović , Lynda Benglis , Ana Mendieta et Carolee Schneemann traitent visiblement de la position de l'artiste dans la société et dans le monde de l'art. Carolee Schneemann fait plusieurs références dans son travail aux femmes en tant qu'artistes et modèles (voir Carolee Schneemann : Interior Scroll ).

Ulrike Rosenbach (* 1943) a enseigné l'art féministe et l'art médiatique au California Institute of Arts de Valence (Californie) / LA en 1975/1976. Après son retour en Allemagne, elle a d'abord vécu et travaillé comme artiste indépendante à Cologne , où elle a fondé une école de féminisme créatif. En 1977 et 1987, elle participe à la documenta . En 1989, Rosenbach a reçu une chaire de nouveaux médias artistiques à l'École supérieure des beaux-arts de la Sarre à Sarrebruck , où elle a été recteur de 1990 à 1993.

Dans les années 1970, les femmes apparaissent pour la première fois au premier rang d'un nouveau mouvement artistique, l' art d' appropriation , dont les plus importantes représentantes sont Cindy Sherman , Sherrie Levine , Louise Lawler , Barbara Kruger et Jenny Holzer .

Le film Women Art Revolution de Lynn Hersman Leeson , récompensé par le Museum of Modern Art en 2011, donne un aperçu des contributions des femmes artistes aux changements culturels aux États-Unis et dans l'art d'importance internationale depuis les années 1960.

Académies, institutions, groupes d'intérêt

• Société des femmes artistes (SWA), Londres 1855
• Association des femmes artistes de Berlin , 1867
• Association des artistes féminines de Munich , Munich, 1882-1967
• Association nationale des femmes artistes (NAWA), États-Unis 1889
• Württembergischer Malerinnenverein , 1893-1945, ainsi que l'organisation successeur de la Fédération des artistes féminines du Wurtemberg , 1945
• Association des femmes artistes autrichiennes , 1910
• Association d'art des femmes , 1913
• Hiddensoer Künstlerinnenbund , Hiddensee 1919-1933
• GEDOK , Association des artistes et partisans de l'art, Hambourg 1926

Lieux d'exposition et expositions

Musées et galeries

• Musée de la Femme Berlin
• Musée de la femme Bonn
• Galerie Alpha , Vienne
• Musée de la femme Hittisau
• Le Musée national des femmes dans les arts , Washington
• Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art (Musée en ligne)
• Le musée caché , Berlin

Expositions (sélection)

• 1943: Exposition de 31 femmes dans Peggy Guggenheim Art of This Century Gallery , New York
• 1945 : Les femmes , l'art de ce siècle, New York
• 1972 : Womanhouse , Hollywood , avec Judy Chicago et Miriam Schapiro
• The Dinner Party a été créé par Judy Chicago de 1974 à 1979 et est exposé en permanence au Brooklyn Museum de New York depuis 2007
• 1975 : Artistes féminines allemandes de l'époque de Goethe à nos jours , National Gallery , Berlin-Est , RDA
• 1976 : Women Artists : 1550–1950 , Los Angeles Country Museum of Art, organisée par Ann Sutherland Harris et Linda Nochlin. L'exposition avec 150 peintures de 83 femmes artistes de 400 ans a voyagé à travers les musées de Californie, Texas, Pennsylvanie, Brooklyn / New York. Catalogue de l'histoire de l'art significative (voir liste de la littérature, cf. Gislind Nabakowski 1980, Frauen in der Kunst).
• 1977 : Femmes artistes internationales : 1877-1977. Château de Charlottenburg , Berlin Ouest ; puis : Frankfurter Kunstverein , Francfort-sur-le-Main. Cette exposition était la première en Allemagne de l'Ouest à être exclusivement consacrée aux femmes.
• 1995/96 : pouvoirs de compréhension. Les femmes artistes d'aujourd'hui. Badischer Kunstverein, Stadthaus Ulm / Ulmer Museum (19 artistes : Katharina Büche, Simone Demandt, Sinje Dillenkofer, Margret Eicher, Ulrike Flaig, Sabine Groß, Gabriele Heidecker, Viola Kiefner, Ursula Kraft, Petra Messerz, Agnes Lörinckel, Agnes Märmid , Bernadette Rottler, Ulrike Sautner, Barbara Steppe, Patricia Waller, Simone Westerwinter, Andrea Zaumseil)
• 1996/97 : Women's Garden , exposition au Sprengel Museum , Hanovre, puis au Von der Heydt Museum , Wuppertal. Il montrait des œuvres de sept artistes classés comme « pionniers du modernisme en Allemagne » : Erma Bossi , Käte Lassen , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Ottilie Reylaender , Clara Rilke-Westhoff et Marianne von Werefkin
• 2007 : WACK ! L'art et la révolution féministe , Museum of Contemporary Art, Los Angeles
• 2008 : Impressionnistes , Schirn Kunsthalle , Francfort-sur-le-Main
• 2008 : Femmes seulement ! Musée d'art de Saint-Gall
• 2009 : elles @ centrepompidou , Centre Pompidou , Paris
• 2010 : Donna. Avanguardia femminista negli anni '70 dalla. Galleria Nazionale d'Arte Moderna , Rome. Catalogue : Électa. 200 photographies et vidéos de 17 artistes : Helena Almeida , Eleanor Antin , Renate Bertlmann , Valie Export , Birgit Jürgenssen , Ketty La Rocca , Suzanne Lacy et Leslie Labowitz-Starus , Suzy Lake , Ana Mendieta , Ulrike Rosenbach , Martha Rosler , Cindy Sherman , Annegret Soltau , Hannah Wilke , Francesca Woodman , Nil Yalter . De la collection « Verbund » Vienne (accent sur l'art féministe des années 1970).
• 2010/2011 WomenArtists @ NewBritainMuseum , New Britain Museum of American Art
• 2013 : des peintres en mouvement. Les femmes ont conquis l'art vers 1900 , exposé dans quatre musées de Worpswede
• 2015 : La classe des femmes - les artistes féminines conquièrent le moderne , Städtische Galerie Böblingen
• 2015/2016 : empathie et abstraction. L'ère moderne des femmes en Allemagne , Kunsthalle Bielefeld , œuvres picturales d'artistes femmes de la fin du 19ème siècle à des positions contemporaines sélectionnées. Artistes: Ella Bergmann-Michel , Maria Caspar-Filser , Dodo , Helene Funke , Ida Gerhardi , Lily Hildebrandt , Dora Hitz , Hannah Höch , Leiko Ikemura , Ida Kerkovius , Karin Kneffel , Käthe Kollwitz , Frieda Kretschmann-Winckelmann (1870-1933) , Maria Lassnig , Elfriede Lohse-Wächtler , Jeanne Mammen , Dorothea Maetzel-Johannsen , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Christa Näher , Meret Oppenheim , Anita Rée , Clara Siewert , Maria Slavona , Sophie von Hellermann (* 1975), Marie von Malachowski-Nauen , Julie Wolfthorn
• 2015/2016 : Sturm-Frauen. Artistes d'avant-garde à Berlin 1910-1932 , Schirn Kunsthalle Frankfurt , Frankfurt am Main
• 2015/2016 : Les peintres de Paris. Musée Edwin Scharff, Neu-Ulm ; après Kunsthalle Jesuitenkirche , Aschaffenburg, du 20 février au 29 mai 2016
• 2016/2017 : entêtement. Artistes GEDOK dans la Sécession de Hambourg, Musée des Arts et Métiers de Hambourg , du 21 octobre 2016 au 1er octobre 2017
• 2016/2017 : Lutte des genres. Franz von Stuck à Frida Kahlo au Städel Museum , Francfort-sur-le-Main, du 24 novembre 2016 au 19 mars 2017
• 2019/2020 : lutte pour la visibilité. Artistes de la Nationalgalerie avant 1919. Alte Nationalgalerie Berlin, jusqu'au 8 mars 2020.
• 2020 : je ne suis pas une gentille fille ! Eleanor Antin , Lee Lozano , Adrian Piper , Mierle Laderman Ukeles , K21 im Ständehaus , Düsseldorf, jusqu'au 17 mai 2020
• 2020 : Femmes fantastiques. Des mondes surréalistes de Meret Oppenheim à Frida Kahlo. Schirn Kunsthalle Frankfurt, Francfort-sur-le-Main, du 13 février au 24 mai 2020
• 2020 : Les femmes peuvent... 100 ans de femmes artistes à l'Académie , Museum Fürstenfeldbruck, Fürstenfeldbruck, 20 novembre 2020 au 25 avril 2021

Récompenses

• Prix ​​Marianne Werefkin , décerné depuis 1990
• Prix ​​Gabriele Münter , décerné depuis 1994

Marché de l'art

La peinture de 1932 de Georgia O'Keeffe Jimson Weed / White Flower No. 1 a été vendue aux enchères chez Sotheby's , New York, en novembre 2014 pour 44,4 millions de dollars (35,5 millions d'euros) - ce qui en fait l'œuvre la plus chère d'un peintre d'histoire de l'art à ce jour. La photo a battu deux records. Pour une œuvre d'O'Keeffes, la recette s'élevait à 6,2 millions de dollars, réalisée il y a 13 ans chez Christie's à New York. Le record de l'œuvre la plus chère d'un artiste a été battu à plusieurs reprises. Jusqu'à présent, l' œuvre Untitled de Joan Mitchell , qui avait été vendue aux enchères pour 11,9 millions de dollars en mai 2014, était en tête. La photo d'O'Keeffe a battu le record près de quatre fois. Les artistes de la Beat Generation comme Jay DeFeo , Joanne Kyger ou Deborah Remington et leurs œuvres n'ont été remarqués par les musées, les galeries et le marché de l'art aux USA et en Europe que depuis 2013 environ .

Littérature

• Edith Almhofer : L'art de la performance, l'art de vivre. Böhlau, Vienne 1986, ISBN 3-205-07290-1 .
• Renate Berger : Femmes peintres sur le chemin du XXe siècle. L'histoire de l'art comme histoire sociale. Dumont, Cologne 1982, ISBN 3-7701-1395-0 (également thèse, Université de Hambourg 1980).
• Karla Bilang : Artistes du premier salon d'automne allemand. Dans : meurt. : Femmes dans STURM. Artistes modernes. Aviva, Berlin 2013, ISBN 978-3-932338-57-1 , p. 23-86.
• Frances Borzello : Votre propre monde. Les femmes dans l'histoire de l'art (« Un monde à vous »). Gerstenberg, Hildesheim 2000, ISBN 3-8067-2872-0 .
• Gisela Breitling (arr.) : Le musée caché. Documentation de l'art féminin dans les collections publiques. Edition Hentrich, Berlin 1987, ISBN 3-926175-38-9 (catalogue de l'exposition du même nom, Akademie der Künste (Berlin) , 18 décembre 1987 au 7 février 1988).
• Hedwig Brenner : Femmes juives dans les beaux-arts V Hartung-Gorre, 2013, ISBN 978-3-86628-473-9
• Whitney Chadwick : Femmes, Art et Société. Deutscher Kunstverlag, Berlin 2013, ISBN 978-3-422-07180-3 .
• Judy Chicago , Edward Lucie-Smith : L'autre regard. La femme modèle et peintre ("Femmes et art. Territoire contesté"). Knesebeck, Munich 2000, ISBN 3-89660-062-1 .
• Ingrid von der Dollen : Peintres au XXe siècle. Art visuel de la "génération perdue". Hirmer, Munich 2000, ISBN 3-7774-8700-7 (également thèse, Université de Francfort-sur-le-Main 1999).
• Bibliographie féministe sur les études féministes en histoire de l'art. Centaurus, Pfaffenweiler 1993, ISBN 3-89085-400-1 (Les femmes dans l'histoire et la société ; 20).
• Gabriele Ecker (éd.) : Image de femmes. L'image de la femme dans l'art et la littérature. Édition littéraire Niederösterreichisches Landesmuseum, St. Pölten 2003, ISBN 3-901117-69-5 .
• Katrin Hassler : Art et genre. Sur l'importance du genre pour occuper des postes de direction dans le domaine de l'art. transcription, Bielefeld 2017, ISBN 978-3-8376-3990-2 .
• Anne-Kathrin Herber : Les femmes dans les académies d'art allemandes au XXe siècle : Possibilités de formation pour les femmes artistes à partir de 1919 avec une attention particulière aux académies d'art du sud de l'Allemagne. Thèse de doctorat, Heidelberg 2009 ( PDF at uni-heidelberg.de ).
• Karoline Hille : Jeux de femmes. Femmes artistes dans le surréalisme. Belser, Stuttgart 2009, ISBN 978-3-7630-2534-3 .
• Edith Krull : Art par les femmes. Le profil professionnel des femmes plasticiennes en quatre siècles. Weidlich, Francfort-sur-le-Main 1984, ISBN 3-8035-1227-1 .
• Janine Mackenroth et Bianca Kennedy (Eds.): J'aime les femmes dans l'art, ISBN 978-3-9821741-1-2
• Debra N. Mancoff : Les femmes qui ont changé l' art. Allemand par Mechthild Barth. Prestel, Munich 2012, ISBN 978-3-7913-4732-5
• Carola Muysers (Ed.) : Métier sans tradition. 125 ans de l'Association des femmes artistes de Berlin. Un projet de recherche et d'exposition de la Berlinische Galerie en collaboration avec l'Association des femmes artistes de Berlin. Kupfergraben VG, Berlin 1992, ISBN 3-89181-410-0 (catalogue de l'exposition du même nom, 11 septembre au 1er novembre 1992).
• Carola Muysers (Ed.) : L'artiste plasticienne. Évaluation et modification des textes sources allemands 1855-1945. Verlag der Kunst, Amsterdam 1999, ISBN 90-5705-074-9 .
• Gislind Nabakowski, Helke Sander , Peter Gorsen : Women in Art , Volumes 1 et 2, Edition Suhrkamp, ​​​​1980 ISBN 978-3-518-10952-6
• Linda Nochlin : Pourquoi n'y avait-il pas de grandes femmes artistes ? 1971. Dans : Beate Söntgen (Ed.) : Changement de cadre. L'histoire de l'art en tant qu'études culturelles dans une perspective féministe. Akademie, Berlin 1996, ISBN 3-05-002855-6 , p. 27-56.
• Renate Petzinger, Ingrid Koszinowski : artistes, cinéastes, designers. Possibilités de travailler et de travailler dans les anciens États fédéraux. Ministère fédéral de l'éducation et des sciences, Bonn 1992 (Education Wissenschaft aktuell; 92/3).
• Gottfried Sello : peintres de cinq siècles. Nouvelle édition Ellert et Richter, Hambourg 2004, ISBN 3-89234-525-2 .
• Gabriele Schor (éd.) : Donna. Avantguardia Feminista Negli Anni '70, dalla Collection Verbund di Vienna. Electa, Rome 2010, ISBN 978-88-370-7414-2 (catalogue de l'exposition du même nom, 16 février au 16 mars 2010 ; texte en anglais et italien).
• Ann Sutherland Harris, Linda Nochlin (Eds.): Femmes Artistes. 1550-1950. Alfred A. Knopf, New York 1976, ISBN 0-87587-073-2 (catalogue de l'exposition du même nom, Los Angeles Country Museum of Art, 21 décembre 1976 au 13 mars 1977).
• Beate Talmon de Cardozo : Cuba - Art : La femme au centre de la création artistique de la fin de l'ère coloniale à nos jours. Tectum, Marburg 2010, ISBN 978-3-8288-2272-6 .
• Jens-Henning Ullner : Considérez également que vous êtes une femme (...). Redécouvrir et réévaluer l'avant-garde féminine dans les musées et les marchands d'art. Une enquête utilisant l'exemple d'artistes munichois sélectionnés du début du 20e siècle , thèse, Université de Düsseldorf 2017 ( publication en ligne (PDF))
• Dorothee Wimmer, Christina Feilchenfeldt, Stephanie Tasch (dir.) : Collectionneurs d'art. Reimer, Berlin 2009, ISBN 978-3-496-01367-9
• Peggy Zeglin Brand, Carolyn Korsmeyer (éd.) : Féminisme et tradition en esthétique. Pennsylvania State University Press, University Park 1995, ISBN 0-271-01340-0 .

Films

• Documentaire de Marieke Schroeder : Les femmes dans l'art. BR TV , 10 mars 2021 (75 minutes; disponible jusqu'au 10 juin 2021 ).

liens web

• Elizabeth A Sackler Center for Feminist Art (Brooklyn Museum) masque de recherche des artistes féminines dans la Feminist Art Base (anglais).
• Site Web du Musée national des femmes dans les arts .
  • CLARA : Base de données des femmes artistes Musée national des femmes dans les arts.
• forum-kuenstlerinnen.de.
• Livre en anglais sur 500 femmes artistes dans le blog du livre d'art.

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