La peinture

En plus de l' architecture , la sculpture , les graphiques et le dessin, la peinture est l' un des genres classiques des arts visuels . Alors que la sculpture et l'architecture produisent des œuvres en trois dimensions, la peinture, le graphisme et le dessin sont généralement des œuvres en deux dimensions. Ceux qui font de la peinture sont appelés peintres ou artistes . Contrairement au dessin, cela se fait en appliquant des couleurs humides sur une surface de peinture à l'aide d'un pinceau, d'une spatule ou d'autres outils. Ces techniques sont appelées techniques de peinturerésumé. En règle générale, les techniques d' impression ne sont pas comptées comme techniques de peinture , même si de la peinture humide est utilisée.

En plus de la peinture sur panneau et murale, une distinction est également faite entre la peinture sur verre et la peinture sur livre ainsi que la peinture sur argile, sur céramique (par exemple la peinture sur vase grec ) ou sur d'autres supports (papier, plastique).

La peinture peut se prévaloir d'une longue histoire dans le monde entier. Les plus anciens exemples de peinture comprennent les peintures rupestres et rupestres d' Europe , d' Amérique , d' Asie et d' Australie .

histoire

L'Europe 

préhistoire

Peinture rupestre de Lascaux

Les plus anciennes preuves de la peinture sont les peintures rupestres avec des représentations d'animaux de la dernière période glaciaire et du Paléolithique supérieur . Ces peintures et dessins, ainsi que des reliefs et des sculptures , sont connus comme des formes d'expression artistiques datant d'il y a entre 35 000 et 10 000 ans. Les peintures rupestres européennes ont été principalement découvertes en Espagne et en France , comme les peintures murales de la grotte de Lascaux dans le sud de la France en 1940, qui montrent principalement des motifs animaliers. Les bovins , les cerfs et les chevaux ont été représentés de manière impressionnante et comptent parmi les plus anciens motifs picturaux connus de l'humanité.

Au début roche peintures et grottes sont également connus de l' Afrique , l' Asie et l' Australie . Au Moyen-Orient, il existe de nombreuses preuves de peintures anciennes dès le néolithique . Il faut surtout évoquer ici l'émergence de la céramique peinte et de la peinture murale. De nombreux vestiges de peintures murales préhistoriques ont été trouvés à Çatalhöyük en Asie Mineure et datent d'environ 6000 av. Chr.

antiquité

Peinture égyptienne vers 1500 av. Chr.

Dans les cultures du Proche-Orient ancien , la peinture, et probablement la peinture murale en particulier , était populaire à partir de 10 000 av. Largement répandu, mais relativement peu a survécu. Certains exemples proviennent du palais de Mari , alors que seuls des fragments existent des palais des Hittites , mais ceux-ci permettent difficilement une image de la peinture qui existait autrefois. Enfin, d'autres exemples sont connus chez les Assyriens , surtout des peintures murales. Les peintures murales de l'Egypte ancienne (à partir de 3000 avant JC) et les fresques minoennes en Crète (à partir de 2000 avant JC ) sont d'une date ultérieure . La peinture des anciens Égyptiens est principalement connue des peintures murales des chapelles funéraires, des cercueils et de la peinture des livres des morts .

Au IIIe siècle de notre ère, l'écrivain grec Philostrate décrit la peinture comme une invention des dieux ( Eikones 1 ). Ces déclarations et d'autres d'auteurs anciens témoignent que la peinture était particulièrement appréciée, voire supérieure à la sculpture . Dans la Grèce antique, le bois était principalement utilisé comme support d'image , ainsi que la pierre, l'argile et le stuc. L'utilisation de l'ivoire, du verre et de la toile est rare, mais seuls quelques vestiges de la peinture grecque antique ont survécu. Après la chute de la culture minoenne - mycénienne avec ses fresques de grande qualité (par exemple à Knossos ), la peinture murale grecque ne reprend qu'au VIIIe siècle av. UNE.

Le nombre et le type de preuves archéologiques de la peinture romaine diffèrent considérablement de ceux de la peinture grecque. De nombreuses preuves de la peinture murale romaine ont survécu , bien qu'il s'agisse évidemment d'un phénomène romain et pas seulement d'une coïncidence de la situation traditionnelle. Dans son Naturalis historia (35 118), Pline l'Ancien déplore le changement considérable entre la peinture sur panneau et la peinture murale. Beaucoup de ces fresques proviennent des villes de Pompéi et d' Herculanum, qui ont été enterrées en 79 après JC .

Moyen-Âge

La peinture du monde antique a survécu principalement dans les peintures murales des églises et les vignettes des livres. La peinture a atteint son premier âge d'or avec l'art byzantin , notamment la peinture d'icônes , qui a également été adoptée dans l'art russe. Au Moyen Âge était aussi l' Illumination d'une importance primordiale. La peinture sur panneau en tant que peinture sur une surface indépendante à peindre - c'est-à-dire sur la plaque de bois, puis sur toile  - n'a évolué que progressivement de nouveau.

Dans le gothique à partir du XIIe siècle, un naturalisme croissant se développe par rapport à l'imagerie byzantine et romane. Parmi les artistes importants de la peinture à l'époque gothique, citons Giotto , dont les fresques étaient également révolutionnaires pour la Renaissance tardive , Simone Martini , Robert Campin , Jan van Eyck , Hieronymus Bosch et Matthias Grünewald .

Jusqu'à l'époque moderne, la peinture européenne était presque exclusivement façonnée religieusement par les mécènes de l'église. Les églises et les monastères ont été peints et les chœurs des églises et les chapelles de dévotion ont été décorés de retables. D'autres sujets tels que la peinture de portrait , la peinture de genre , la peinture de paysage ou la nature morte n'ont été ajoutés qu'à la fin du Moyen Âge et dans la peinture de la Renaissance .

Michelangelo Buonarroti , Le Jugement dernier , Chapelle Sixtine , 1536-1541

Renaissance

La peinture a pris un développement important à la Renaissance avec le développement soutenu des techniques de la peinture à l'huile , la perspective centrale , la représentation de motifs allégoriques de l'antiquité et l'accent mis sur les personnages individuels dans la représentation des personnes à l'aide de la connaissance de l' anatomie .

Jan van Eyck (vers 1390-1441) a d'abord créé des autoportraits et des portraits ; Albrecht Dürer (1471-1528) a peint le premier autoportrait autonome connu en Europe en 1493 ; Albrecht Altdorfer (vers 1480-1538) fut le premier peintre à se concentrer sur le paysage .

Surtout, la peinture italienne de la Haute Renaissance dans les villes de Florence , Venise et Rome a produit des œuvres importantes des peintres Léonard de Vinci (1452-1519), Michel - Ange (1475-1564), Raphaël (1483-1520) et Titien ( 1477-1576) qui sont exemplaires dans la perspective, la forme, la couleur, l'expressivité et l'éclat pictural et ont eu une influence durable sur les arts visuels de l'Europe à ce jour.

Baroque

La peinture baroque a commencé en Italie à la fin du XVIe siècle. La peinture est de plus en plus fonctionnalisée au cours du XVIIe siècle : elle est soit mise au service de la Contre-Réforme par l'église, soit utilisée par les cours absolutistes pour glorifier le régent. Le tableau est devenu un objet de collection convoité pour les nobles, les rois et la bourgeoisie montante. Peintres importants en Italie Michelangelo da Caravaggio , en Espagne Diego Velázquez et Bartolomé Esteban Murillo et aux Pays-Bas Peter Paul Rubens et Rembrandt , qui en tant que maître du clair - obscur ( lumière et ombre s'applique).

Aux Pays - Bas à cette époque, avec l'indépendance et la Réforme, un nouvel ordre social s'est établi, caractérisé par la rigueur intellectuelle. En peinture, l'accent était mis sur les scènes de tous les jours. Cette période est propice aux natures mortes , par exemple de Pieter Claesz . Le peintre Jan Vermeer véhicule un silence calme et pieux dans ses tableaux. Cependant, le temps était aussi le grand temps de Rembrandt , qui a créé un grand drame dans ses images telles que The Blinding Simsons .

En France, dominent les idéaux de l'Antiquité classique, qui jouent un rôle surtout dans la peinture de paysage. Les peintres français Nicolas Poussin et Claude Lorrain , qui ont tous deux vécu en Italie pendant des années, s'en sont inspirés dans leurs paysages.

Rococo

Le style rococo s'est développé comme une variante très ludique du baroque, pour laquelle les motifs de coquillages et autres éléments ornementaux étaient typiques. Un des premiers représentants français de ce style est le peintre Antoine Watteau , dont les motifs principaux étaient des scènes avec des amateurs de chant et de danse et des acteurs . François Boucher est un autre représentant typique du rococo, et ses tableaux se caractérisent également par leur caractère ludique, qui évite autant que possible les sujets sérieux. Le plus grand représentant du Rococo italien est Giambattista Tiepolo , qui est le mieux connu pour ses fresques , comme le mariage allégorie dans le Palazzo Rezzonico à Venise . À Venise, le Rococo tardif avec Francesco Guardi a continué même après que ce style était déjà démodé dans le reste de l'Europe.

Classicisme et romantisme

Vers le milieu du XVIIIe siècle, le classicisme apparaît comme une réaction négative à la fin des périodes baroque et rococo. Le classicisme s'est efforcé de véhiculer des valeurs telles que la justice , l' honneur et le patriotisme de manière artistique. L'antiquité classique était le modèle des peintres. Le classicisme a pris fin à nouveau au début du 19ème siècle. Presque en même temps émerge le mouvement du romantisme , qui trouve ses origines à la fin du XVIIIe siècle, mais n'est devenu le mouvement artistique dominant que dans la première moitié du XIXe siècle.

Les peintres classiques en France ont repris des motifs de l'antiquité ou, comme Jacques-Louis David avec son Marat assassiné , ont peint des événements de la Révolution française . Le classicisme atteint son paroxysme avec les œuvres de Jean-Auguste-Dominique Ingres . Un autre peintre de l'époque, dont le style de peinture reprenait également des éléments du baroque, était Marie Elisabeth Louise Vigée-Lebrun.

Les peintres de l'école britannique du XVIIIe siècle ne pouvaient être clairement attribués ni au classicisme ni au romantisme. Un représentant important de cette époque était Thomas Gainsborough , dont les images se caractérisaient par une combinaison réussie d'éléments de portrait et de paysage. Un autre portraitiste important de l'époque était Joshua Reynolds . Le peintre espagnol Francisco Goya occupe une position unique . S'il fait partie des classiques au départ, il développe par la suite son propre style.

Le romantisme formait un contrepoint au classicisme en ce qu'il ne se concentrait pas sur l'antiquité, mais sur le monde moderne. De plus, le romantisme a fait une place au sauvage, à l'incontrôlable dans l'homme et la nature, contrairement au classicisme, qui avait des vues strictes sur l' esthétique et le choix des sujets. Un représentant important du romantisme en France est Théodore Géricault , dont le radeau la Méduse était très important comme symbole pour les romantiques. D'autres représentants du romantisme sont l'Allemand Caspar David Friedrich et l'Anglais William Turner , tous deux connus pour leurs peintures de paysages.

Avec les Préraphaélites et le mysticisme de William Blake , un type de peinture émerge qui se concentre sur le sentiment. La peinture symboliste se détourne de la représentation réaliste et tente de créer une réalité qui ne peut exister qu'en peinture. Les développements ultérieurs de l'histoire de la peinture, tels que l' Art nouveau , l' expressionnisme et le surréalisme , suivent cette tradition .

Moderne

Tableau cubiste de Juan Gris , Les raisins , 1916

Avec l'avènement de la photographie , la peinture a dû faire face à de nouveaux défis et tâches qui ne sont pas restés sans influence sur son développement au XIXe siècle . Jusqu'au milieu du XIXe siècle, les tableaux étaient principalement réalisés dans des ateliers d'artistes. Le musée Braith Mali à Biberach an der Riss abrite de tels studios originaux.

La peinture en plein air commence avec les peintres impressionnistes français . Camille Pissarro (1830-1903), Édouard Manet (1832-1883), Edgar Degas (1834-1917), Paul Cézanne (1839-1906), Alfred Sisley (1839-1899), Claude Monet (1840-1926 ) en font partie. direction ), Berthe Morisot (1841-1895) et Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Paul Cézanne, comme Vincent van Gogh , Paul Gauguin et Edvard Munch dans une certaine mesure , peut être décrit comme un pionnier de la modernité. Les œuvres de Cézanne en particulier marquent la transition, car il se détache de plus en plus de la reproduction du réel et se tourne vers les moyens de la peinture, vers la forme et la couleur pures.

Les tendances modernes importantes de la première moitié du 20e siècle sont le fauvisme , le cubisme , le dadaïsme , le surréalisme et l' avant-garde russe . Les particularités nationales sont l' expressionnisme et la nouvelle objectivité (Allemagne), le futurisme (Italie), le cubo-futurisme , le constructivisme et le suprématisme (Russie) et le vorticisme (Angleterre). Un autre développement de l'art moderne est la peinture abstraite , qui à son tour prend la forme de différents styles. D'autres styles importants du 20e siècle sont le tachisme et, dans une large mesure, après 1950, l' informel . Des peintres légendaires tels que Piet Mondrian (1872-1944), Kasimir Malewitsch (1879-1935) et Pablo Picasso (1881-1973) ont eu une influence artistique décisive sur la peinture du XXe siècle .

Amérique

Art précolombien

Peinture de bataille (détail), Cacaxtla , Mexique

Les artefacts les plus anciens d'Amérique du Sud sont des peintures rupestres de la Caverna da Pedra Pintada au Brésil datant du 12ème millénaire avant JC. En Amérique du Nord, un crâne de bison avec une ligne en zigzag appliquée de couleur rouge date du 11e millénaire av. La plus ancienne peinture connue en Amérique du Nord provenant d'un terrain de chasse de la culture Folsom en Oklahoma .

L' architecture , la céramique et les sculptures , l' orfèvrerie et autres objets artisanaux sont principalement issus des cultures précolombiennes . Les peintures murales du site archéologique de Cacaxtla dans l' état de Tlaxcala au Mexique font partie des peintures conservées importantes . Les origines de la Navajo images de sable dans ce qui est maintenant aux Etats-Unis remontent un long chemin.

États-Unis et Canada

Les premiers immigrants d'Europe ont largement ignoré l'art indigène. Cependant, les indigènes sont devenus des motifs de peinture, par exemple dans les portraits indiens et inuits de John White (vers 1540 à environ 1593). Au Canada du début du 20e siècle, le Groupe des Sept crée sa propre peinture canadienne en rupture avec ses modèles européens. Un représentant important de la peinture canadienne qui a été associé au Groupe des Sept est Emily Carr .

La première école de peinture connue sur le sol américain voit le jour en 1820, la Hudson River School , un groupe de peintres paysagistes américains . Ce n'est qu'au XXe siècle que l'art aux États-Unis rompt avec ses modèles européens. L'un des premiers mouvements artistiques indépendants originaires des États-Unis était le réalisme américain , dont les représentants comprennent Robert Henri , George Bellows , Edward Hopper et Diego Rivera . Le réalisme américain a été remplacé en tant que mouvement artistique de premier plan aux États-Unis dans les années 1940 et 1950 par l'expressionnisme abstrait , dont les figures de proue incluent Jackson Pollock , Willem de Kooning et Mark Rothko . Il convient également de mentionner le Pop Art , qui a commencé au Royaume-Uni dans les années 1950, mais à partir des années 1960, de jeunes artistes américains ont également créé des œuvres de Pop Art, notamment Andy Warhol et Roy Lichtenstein .

La peinture américaine d'aujourd'hui ne peut plus être liée à un style ou à une école, car l'art du 21e siècle est souvent le produit d'un monde globalisé.

l'Amérique latine

Frida Kahlo 1932

Dans les années 20 et 30 du 20e siècle, certains groupes intellectuels ont développé un intérêt pour les racines folkloriques de la culture latino-américaine. En plus des influences européennes, les parts africaines et amérindiennes de la culture étaient désormais reconnues. Dans de nombreux pays d'Amérique latine, cela a conduit à des mouvements d'avant-garde qui ont développé des formes d'expression artistique nouvelles et uniques.

Au Mexique z. B. le muralisme s'est développé , qui a placé la peinture murale au centre. Un représentant important de cette avant-garde était le peintre Diego Rivera . Au Brésil, Tarsila do Amaral a cherché à contribuer au développement d'une peinture brésilienne indépendante aux couleurs vives et à l'utilisation de la faune et de la flore tropicales comme motifs. En Uruguay, le peintre Joaquín Torres-García a introduit le modernisme dans la peinture en combinant des formes abstraites de base avec des motifs et des images de l'époque précolombienne et de la vie du présent industrialisé. À partir de la fin des années 1930, les artistes d'Amérique latine ont principalement traité de problèmes sociaux, notamment en réponse à la guerre civile espagnole, à la Seconde Guerre mondiale et à la guerre froide.

La peintre mexicaine Frida Kahlo a atteint une renommée internationale , dont les œuvres combinaient l'inspiration de l'ancienne culture mexicaine avec un aperçu de son propre monde émotionnel. A Cuba , Wifredo Lam combinait le surréalisme , son admiration pour Pablo Picasso et la religiosité afro-cubaine .

Les artistes latino-américains d'aujourd'hui sont confrontés à la question de savoir s'ils créent de l'art pour un public national ou s'ils servent plutôt le marché international de l'art.

Asie

La peinture en Asie a ses origines il y a plus de 9000 ans. Les peintures rupestres de l'âge de pierre de Bhimbetka , un site archéologique dans l' État indien du Madhya Pradesh et un site du patrimoine mondial de l'UNESCO, sont des preuves importantes des peintures des premiers jours de l'humanité . Les fresques des grottes d'Ajanta sur le sous-continent indien datant d'environ 450 à 500 appartiennent à d'autres témoignages anciens importants de la peinture asiatique .

La peinture chinoise , coréenne et japonaise peut se prévaloir d'une longue et grande histoire. Au Japon, les peintures à l' encre en particulier sont de classe mondiale. Il en va de même pour la peinture à l'encre en Chine et la calligraphie chinoise . La peinture chinoise atteint son apogée sous la dynastie Song .

D'autres styles de peinture importants du continent asiatique sont les mandalas de la tradition du bouddhisme , la peinture sur soie du Vietnam et l' enluminure de livres islamiques .

Mille kilomètres de rivières et de montagnes , par Wang Ximeng (en haut à droite), le point culminant de la peinture de paysage chinoise pendant la dynastie Song

Modèle : Panorama / Maintenance / Dir

Afrique

Peinture sous le règne d' Amenhotep III. , 1390-1352, Musée de Brooklyn

L'art africain englobe la production artistique de nombreux groupes ethniques très différents sur le continent africain. Une distinction est souvent faite entre l'art de l'Afrique subsaharienne et l'art des États d'influence berbère et arabe en Afrique du Nord.

La peinture est sous-représentée dans l'art traditionnel africain sub-saharien, car de nombreux groupes ethniques ont traditionnellement produit des sculptures , des moulages de métal , des gravures , des tissages , des bijoux et de la poterie . En raison des conditions climatiques et du fait que de nombreuses œuvres d'art sont faites de bois et d'autres matériaux naturels, relativement peu d'objets historiques de l'art africain traditionnel ont survécu. La situation est différente en Afrique du Nord, la peinture fait partie de l'art égyptien antique , dont la tradition remonte à des milliers d'années. La peinture en Nubie chrétienne , documentée dès le XVIIIe siècle , est influencée par les Byzantins .

Plusieurs facteurs ont contribué à l'émergence d'une peinture moderne en Afrique d'abord encore aux ateliers d'art colonial par les Européens dans l'administration coloniale , l' éducation ou la mission établie, d'autre part créé des écoles et académies d' art , mais le modèle d' enseignement artistique occidental s'imposait et le premier art africain non indépendant. Un autre facteur important pour le développement de l'art africain moderne a été une génération d' artistes autodidactes du début du 20e siècle qui ont utilisé des méthodes de travail modernes.

La percée de l'art moderne africain est intervenue à la fin des années 40 et dans les années 50, lorsque des artistes africains tels que Ben Enwonwu ( Nigéria ), Ibrahim e-Salahi ( Soudan ), Farid Belkahia ( Maroc ) ou Papa Ibra Tall ( Sénégal ) se sont établis. Ils ont rompu avec les exigences académiques étroites et ont jeté les bases du mouvement de l'art moderne en Afrique. Les œuvres d'artistes africains modernes vont de la mise en œuvre de motifs et de techniques traditionnels à l'adoption de styles et de tendances occidentaux en passant par une combinaison de méthodes de travail occidentales et traditionnelles.

Les artistes contemporains des pays africains reçoivent de plus en plus d'attention ces jours-ci : les foires d'art en Afrique telles que les biennales du Caire, de Johannesburg ou de Dakar sont devenues des événements de renommée internationale dans le monde de l'art. La mondialisation permet également aux artistes africains de se confronter ou de travailler plus facilement sur les dernières tendances de la scène artistique. L'intérêt de la recherche et des musées pour l'art contemporain africain s'est également fortement accru en Europe.

Australie et Nouvelle-Zélande

Australie

Coolamon avec dot painting

L' art aborigène peut se prévaloir de milliers d'années de tradition, de l' art rupestre à l'art contemporain. Les techniques et les styles de peinture traditionnels importants sont la peinture corporelle , avec laquelle les Aborigènes peignent leur corps avec des motifs traditionnels, par ex. B. Couvrir les cérémonies et les danses, la peinture sur écorce d'arbre et la peinture sur sable.

Les peintures aborigènes sur écorce d'arbre atteignent des prix importants sur les marchés de l'art internationaux. Ces peintures sont appliquées à l'intérieur lissé de l'écorce d'arbre provenant d'eucalyptus. Les origines de la peinture sur sable viennent des régions désertiques d'Australie. Les peintres d'aujourd'hui utilisent également la toile et la peinture, par exemple en dot painting, et remplacent ainsi les peintures de sable éphémères par une forme permanente.

Les premières peintures des colons européens étaient basées sur des modèles européens, utilisant principalement des animaux ou des aborigènes comme motifs. Avec l'appropriation de l' impressionnisme français par l'école Heidelberg de Melbourne vers la fin du XIXe siècle, l'art australien par les colons européens obtient pour la première fois une reconnaissance internationale.

Nouvelle-Zélande

À l'époque pré-européenne, le commerce de la peinture consistait principalement en la décoration ornée d'objets en bois tels que des pagaies ou des canoës , la peinture de monuments et les poutres de toit des maisons de réunion des Maoris ainsi que la peinture artistique de pierres et de rochers en pierre. dans des grottes ou des grottes .

Avec l'arrivée des Européens, la peinture en tant qu'art et artisanat est de plus en plus influencée par l'Europe. Il n'y a que quelques exemples et témoignages de peinture traditionnelle par le peuple indigène Maori. On pense que la peinture n'avait pas le même statut dans la culture maorie que, par exemple, la sculpture, la réalisation de sculptures ou le Tā moko, l'art du tatouage .

La peinture des colons européens en Nouvelle-Zélande était dominée par un style anglais conservateur aux XIXe et XXe siècles. De nombreux peintres se sont concentrés sur la représentation de paysages , mais certains peintres ont également gagné leur vie en représentant des Maoris. Entre 1900 et 1930, nombre des peintres néo-zélandais les plus ambitieux se sont rendus en Europe pour étudier l'art moderne. L'artiste Francis Hodges est l'un des peintres néo-zélandais les plus réussis de l'époque. Des années 30 et 40, on peut parler d'une peinture néo-zélandaise indépendante qui traitait principalement de thèmes et de paysages locaux.

Avec une plus grande mobilité et un accès plus facile aux magazines d'art, aux livres et aux expositions itinérantes d' art moderne, les Néo-Zélandais ont eu un accès de plus en plus amélioré à l'art d'avant-garde après la Seconde Guerre mondiale. En conséquence, des mouvements artistiques plus récents tels que l' expressionnisme , le cubisme ou l' abstraction ont également atteint la Nouvelle-Zélande tardivement et y ont été acceptés trop tard. Aujourd'hui, à travers la mondialisation, l'art néo-zélandais fait partie de l'art international. Parfois, il diffère peu de l'art produit à New York ou à Londres.

Dans les années 1960 et 1970, la communauté maorie a connu un renouveau culturel et nationaliste. En conséquence, les jeunes artistes maoris ont produit des œuvres qui représentent une synthèse de l'art traditionnel et des techniques européennes. D'une part, des motifs symboliques et des dessins géométriques de la tradition maorie ont coulé dans la peinture, d'autre part, des matériaux et des techniques de l'art occidental. Avec l'exposition Te Maori au Metropolitan Museum of Art de New York en 1984, l'art et la culture maoris ont également acquis une plus grande reconnaissance en Nouvelle-Zélande.

Tendances internationales de la peinture de la seconde moitié du XXe siècle à nos jours

Dans le monde bipolaire de la guerre froide , l'art, et avec lui la peinture, a emprunté deux voies. Dans la sphère d'influence soviétique, elle était principalement obligée de faire de la propagande d'État (y compris le réalisme socialiste ). Les peintres bien connus du socialisme étaient Willi Sitte , Bernhard Heisig , Werner Tübke . Le monde occidental, d'autre part, a continué à jouer les idées de la modernité dans les années 1980. Il y avait une expansion constante du concept d'art ( art conceptuel , Fluxus , happening ). Les catégories classiques de la peinture, de la sculpture et du graphisme perdent de plus en plus de poids.

Les années cinquante sont largement caractérisées par des tendances abstraites expressives ou constructives, que l' on peut résumer sous les termes Informel , Tachisme , « expressionnisme abstrait » américain et art concret , dans lequel la peinture joue encore un rôle essentiel. Avec la consolidation économique de l'hémisphère occidental et de son centre culturel New York, le monde de l'art s'est scindé à partir des années soixante en une branche formaliste, art minimal et finalement art conceptuel d' une part, et pop art de l'autre. Ce dernier fait référence au langage publicitaire et médiatique coloré et s'appuie ainsi également sur l'image peinte et représentative. (dont Andy Warhol , Robert Rauschenberg , Roy Lichtenstein , en Allemagne comme « réalisme capitaliste » avec Gerhard Richter , Sigmar Polke ).

Parallèlement à cette évolution, l'interface entre peinture et photographie, alors largement séparées, se referme au début des années 1970 avec les travaux des photographes Pierre Cordier ( chimigrams ) et Josef H. Neumann ( chemograms ). En 1974, les chimiogrammes de Josef H. Neumann ont fermé la séparation du fond pictural et de la couche photographique, en ce que, dans une symbiose sans précédent jusque-là, ils étaient incontestablement uniques dans une perspective simultanément picturale et photographique réelle dans un couche photographique en couleurs et formes unies.

Le changement rapide de divers styles ( action painting , Op Art , Photorealism , Hard Edge etc .; s. A. Styles in painting ) a eu lieu dans les années 80 avec l'annonce de la fin postmoderne , en même temps a assuré la " Neue Wilde (u". A. Jörg Immendorff , Walter Dahn , Kurt Schulzke , Albert Oehlen , Markus Oehlen , Salomé ; Georg Baselitz , AR Penck et Markus Lüpertz viennent d'une génération plus âgée, mais ont pris beaucoup de poids à cette époque) et le « Transavantgarde » (dont Sandro Chia , Enzo Cucchi , Francesco Clemente ) pour une renaissance de l'image peinte expressive.

La confrontation avec les nouveaux médias numériques a façonné les tendances des années 90, tandis que la chute du mur de Berlin en 1989 a également préparé le terrain au niveau international pour les jeunes peintres qui avaient reçu leur formation dans les universités de Leipzig, Berlin et Dresde et plus tard au tournant du millénaire ont été en partie résumés sous le terme de « Nouvelle école de Leipzig » (notamment Neo Rauch ). En peinture, la première décennie du 21ème siècle était principalement concernée par une réévaluation en partie mythologique du siècle passé (par exemple Jonathan Meese ou Andy Hope 1930 ). Le tableau peint devient de plus en plus un outil stylistique parmi tant d'autres pour transmettre le message de l'artiste. La discussion ne comptait plus ici, qu'elle soit figurative, expressive ou constructive . D'autres peintres importants après 1945 étaient Frank Stella , Barnett Newman , Jasper Johns , Asger Jorn , Martin Kippenberger , Jackson Pollock , Günther Förg , Wolf Vostell , Imi Knoebel et Anselm Kiefer .

D'un point de vue sociologique , la grande masse des peintres appartient particulièrement souvent aux travailleurs pauvres , c'est-à-dire aux personnes qui vivent dans la pauvreté malgré le travail.

Éléments de base de la peinture

Les éléments de base des peintures sont l'intensité, la couleur et la teinte et le rythme. Dans le cas des peintures d'art contemporain, des éléments de base non traditionnels sont également décrits. L'intensité d'une peinture est définie par l'ombrage, le contraste et l'utilisation d'éléments voisins avec des intensités de couleurs différentes. La juxtaposition d'éléments d'image ayant la même intensité de couleur ne peut qu'évoquer une différenciation symbolique. La perception de la couleur et de l'ombre est subjective, mais peut produire des effets psychologiques culturellement différents. La couleur noire est plus susceptible d'être associée au deuil à l'ouest, tandis que la couleur du deuil à l'est est le blanc. Il existe de nombreuses théories de la théorie des couleurs par des artistes, des scientifiques et des auteurs bien connus tels que Goethe , Kandinsky et Newton . Le rythme est défini de manière abstraite dans l'image comme une pause dans une séquence et décrit la distribution des formes, des couleurs et des nuances. Les éléments de base non traditionnels ont été introduits par des artistes modernes et comprennent des techniques qui ne sont pas couvertes par les éléments de base traditionnels. Ce sont par ex. B. des collages ou l'utilisation de matériaux tels que le sable, la paille ou le bois pour donner des textures.

Techniques de peinture

Les techniques de peinture préférées dans les temps anciens étaient la peinture à l' encaustique et à la détrempe . Il a été peint sur bois, argile ( peinture de vase ), pierre ou sur plâtre frais (voir peinture à fresque ). En raison du peu de preuves archéologiques, le spectre de couleurs de l'Antiquité ne peut être reconstitué que de manière très inadéquate. Cependant, il a été observé que les couleurs rouge et bleu ont conservé le mieux.

D' autres exemples de techniques de peinture qui ont été utilisés tout au long de l' histoire comprennent la peinture en plein air , peinture à la détrempe , peinture à l'huile , aquarelle peinture , et gouache peinture . Dans la peinture moderne, les liants nouvellement développés élargissent constamment les possibilités d'expression. Une alternative ou un complément à la peinture à l'huile est la peinture acrylique , introduite vers 1960 pour un usage artistique en Europe , qui sèche rapidement et conserve sa luminosité.

Saint patron

L'évangéliste Luc est le saint patron des peintres.

Voir également

Littérature

Général

antiquité

liens web

Wiktionnaire : Peinture  - explications de sens, origines des mots, synonymes, traductions
Commons : Paintings  - collection d'images, de vidéos et de fichiers audio

Preuve individuelle

  1. Maria Carla Prette: compréhension de l' art . Naumann & Göbel, Cologne 2008, ISBN 978-3-625-12650-8 , page 118.
  2. Wendy Beckett : L'histoire de la peinture. 8 siècles en 455 chefs-d'œuvre . DuMont, Cologne 1995, ISBN 3-7701-3560-1 , p. 24-28.
  3. Wendy Beckett : L'histoire de la peinture. 8 siècles en 455 chefs-d'œuvre . DuMont, Cologne 1995, ISBN 3-7701-3560-1 , p. 28-33.
  4. Wendy Beckett : L'histoire de la peinture. 8 siècles en 455 chefs-d'œuvre . DuMont, Cologne 1995, ISBN 3-7701-3560-1 , p. 37-39.
  5. Karin Hellwig, de Die Kunst des Barock , Könemann 1997, pp. 372-374
  6. a b Wendy Beckett : L'histoire de la peinture. 8 siècles en 455 chefs-d'œuvre . DuMont, Cologne 1995, ISBN 3-7701-3560-1 , page 200.
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