Arts

Sebastiano Ricci : Allégorie des Arts 1690-1694

Le mot art (latin ars , grec téchne ) décrit au sens le plus large toute activité développée par des personnes qui se fonde sur la connaissance , la pratique , la perception , l' imagination et l' intuition (art de la guérison, art de la liberté d'expression). Dans un sens plus étroit, les résultats de l'activité humaine ciblée sont nommés qui ne sont pas clairement définis par les fonctions. Selon Tasos Zembylas , le processus de formation du concept d'art est soumis à un changement constant qui se déroule au fil des discours dynamiques, des pratiques et des instances institutionnelles.

L'art est un produit humain de la culture , le résultat d'un processus créatif . L' œuvre d'art est généralement à la fin de ce processus, mais elle peut aussi être le processus ou la procédure elle-même. Comme l'art dans son ensemble, l'œuvre d'art elle-même se caractérise par l'interaction du contenu et de la forme. Ceux qui pratiquent l'art au sens étroit sont appelés artistes .

Le sens originel du terme art , qui, par opposition à la nature , pouvait désigner tous les produits du travail humain , a été conservé (comme dans le plastique ). Cependant, depuis le siècle des Lumières , l'art a été avant tout entendu comme les formes d'expression des beaux-arts :

Les formes d'expression et les techniques de l'art se sont considérablement développées depuis le début de la modernité , par exemple avec la photographie dans les arts visuels ou avec la mise en place de la bande dessinée comme lien entre l'art visuel et le récit de la littérature. Dans les arts du spectacle, la musique et la littérature, on peut aussi compter aujourd'hui des formes d'expression issues des nouveaux médias comme la radio, la télévision, la publicité et Internet. La classification classique perd de son importance depuis les dernières décennies du 20e siècle au plus tard. Les genres artistiques tels que l' installation ou le domaine des arts médiatiques ne connaissent plus la classification de base classique.

Étymologie et usage des mots

Portrait de momie égyptienne , IIe siècle après JC

L'art est un mot allemand. Déjà en vieux haut allemand c'était kunst (pluriel kunsti ), en moyen haut allemand kunst (pluriel künste ). À l'origine, art a Substantivabstraktum au verbe peut signifier « ce que vous avez maîtrisé ; Connaissance, connaissance, maîtrise ». L'expression « l' art vient de la capacité » est donc étymologiquement correcte (selon l'origine du mot). De plus, « art » a été utilisé dans le sens d'emprunt pour le terme latin ars , par ex. B. dans le canon pédagogique des sept arts libéraux , dans l' art de vivre , l' art d'aimer , etc. En ce sens, l'art se réfère fondamentalement à tout ce que les gens peuvent faire et à ce qui est fait par les gens. Le contre-concept correspondant est la nature , comme dans le couple quotidien d'opposés naturel/artificiel .

Depuis l'époque des Lumières , l' art a principalement été utilisé dans un sens plus étroit comme un terme générique pour l' esthétique , qui résume les genres artistiques ( arts visuels , arts du spectacle , musique et littérature ) et leurs différents styles et courants. Les termes associés sont par ex. B. Oeuvre d'art , artiste , artistique . Cet article traite plus en détail de ce terme.

Le terme art était et est donc utilisé :

En contraste avec la nature
Déjà chez Aristote, mais surtout dans le sillage des Lumières et de leur nouvelle conception de la nature, l' art (gr. Τέχνη, tecnē ) est compris comme l'opposé de la nature (gr. Φύσις, physis ), comme artificiel au lieu de naturel. Aujourd'hui , l'art du préfixe est utilisé comme terme pour « non naturel », à savoir « artificiel », des objets et des matériaux: fourrure artificielle, plastique , fleurs artificielles , coeur artificiel , oeil artificiel, etc.
En ce sens, toutes les techniques qui apprivoisaient, contrôlaient et rendaient utilisables les éléments naturels eau, feu, vapeur et terre étaient appelées arts.
Ainsi, l'art de l'eau décrit d'abord les systèmes d' approvisionnement en eau et de drainage et plus tard également les systèmes de fontaines . L' art de la vapeur décrit l'utilisation de la pression de vapeur pour toutes sortes de techniques industrielles telles que la machine à vapeur . L' art minier est utilisé pour exploiter les ressources minérales et les dispositifs pour déplacer des charges sont appelés art de la conduite dans l' exploitation minière .
Au sens de la connaissance, de la cognition, de la perspicacité, de la perspicacité
Basé sur la philosophie de l'antiquité , illustrée par la "sage-femme" de Socrate , le terme art n'est pas seulement utilisé pour décrire un savoir depuis le XVIe siècle, le terme est également utilisé comme synonyme de philosophie , mais aussi de sciences (naturelles) .
En termes d' habileté , de dextérité , d' art et d' artisanat
Il s'agissait de compétences (« à terminer » au sens « d'être appris ») dans un domaine ainsi que la totalité d'une compétence ( escrime , équitation , cuisine , guérison , calcul , écriture , art de vivre ) ou activité ( tressage , poterie ), l' art de mourir comme synonyme du travail d'un croque- mort , obtenu comme un « artisanat ». Ces arts ont une connotation négative lorsqu'ils désignent de savantes tromperies (vol, embellissement, art noir , art de la séduction ou art de la magie ). L'adjectif « artificiel » vient aussi du champ de sens des faux-semblants.
Au niveau de l' artisanat et de l' artisanat
Jusqu'au 18ème siècle, l' art , sur la base du grec ancien Techne , a également été utilisé comme synonyme pour l'exercice d'un métier (technique) qui a eu cette connaissance particulière ( par exemple faire feu art pour feux d' artifice , l' art de l' eau , l' art minier , l' art du jardin ) ou ces arts en tant que maîtres Les artistes interprètes ou exécutants avaient le titre de maître d' art . Cet usage a été conservé dans le dicton "fabriqué selon toutes les règles de l'art " et dans le terme architecture . Dans le mot artisanat d' aujourd'hui, c'est encore l'artisanat produit par les métiers manuels . Avec Kant , la séparation des termes peut enfin s'établir : « Au sens étroit, l'artisanat et l'art sont exactement différenciés, bien que les contacts étroits ne manquent pas, voire le mélange des deux (cf. arts et métiers ) : l'art est différencié de l'artisanat, le premier est appelé art libre, l'autre peut aussi être appelé art contractuel ».
Sur le plan scientifique
Depuis les temps anciens, les fondements de la science ont été appelés les sept arts libéraux , constitués du trivium (avec la grammaire , la rhétorique , la logique ) et le quadrivium avec l' arithmétique , la géométrie , la musique , l' astronomie .
Depuis Leibniz, on connaît la désignation de disciplines scientifiques comme l'art du langage (Grammatica), l'art de la parole (Rhetorica), l'art des foires (Geometria), l'art de la preuve (Logica), l'art de la morale (Ethica), l'art de vision (Optica), art de la dissection (Anatomia), art du découpage (Chymia) et autres « Bientôt, cependant, l'art se distingue de la science . Goethe dit : « L'art et la science sont des mots qui sont si souvent utilisés et dont la différence exacte est rarement comprise, on utilise souvent l'un pour l'autre, puis suggère contre d'autres définitions : je pense que la science pourrait être la connaissance de l'appel général la connaissance retirée, l'art, par contre, serait la science utilisée pour l'action. La science serait la raison et l'art son mécanisme , c'est pourquoi on pourrait aussi l'appeler science pratique. Et donc finalement la science serait le théorème , l'art le problème ."
Au niveau des beaux-arts
L'art dans le sens le plus fréquemment utilisé aujourd'hui a été conceptuellement façonné principalement par Winckelmann , Lessing , Herder , Goethe et Schiller . Dans leurs écrits esthétiques, ils qualifient d' art les productions humaines à des fins d' édification , que ce soit dans le théâtre , la littérature , la musique ou les œuvres des « artistes visuels », auxquels le terme se rétrécit finalement. Ainsi, l'art est également apparu comme un préfixe pour des formations de mots telles que exposition d'art , œuvre d'art , vente aux enchères d'art , etc.

Histoire du concept d'art

préhistoire

Vénus de Willendorf , environ 25 000 av. Chr.

A son origine, l'art est un phénomène cultuel qui s'est développé en même temps ou en lien avec des cultes ou des religions préhistoriques . La peinture et la sculpture ainsi que la musique et la danse sont déjà apparues au Paléolithique. Parmi les premiers témoignages de l'art, on peut citer les figures en ivoire de près de 40 000 ans provenant de la Vallée Solitaire , les flûtes de la Geißenklösterle ou les peintures rupestres de la grotte Chauvet . Historiquement, les arts se sont développés à partir de leur contribution à l'organisation matérielle des cultes et des rituels . Aux premiers jours du développement humain, l'apparition de l'art est l'un des nombreux indicateurs de la formation de la conscience et de la pensée humaine . Dans ce contexte, l' art fait référence à des activités ou des représentations (par exemple, faire de la musique , peindre ) qui ne montrent aucune utilité directe pour soutenir la vie .

Chez les peuples indigènes d'aujourd'hui , la fonction cultuelle précoce des formes d'expression artistique peut être étudiée ainsi qu'une constante anthropologique : le besoin (d'orner), qui s'est d'abord développé dans l' ornement . Les fonctions sociales seront discutées en plus des objets façonnés artistiques et ornementaux tels que des bracelets, des broches , des armes, etc. dans les sociétés communautaires de la Préhistoire et de l'Histoire ancienne . L'art a donc également fonctionné comme un trait distinctif depuis les temps les plus reculés, comme l'ont discuté la théorie de l'art et la sociologie plus récentes. Anthropologiquement, la production artistique il y a environ 40 000 ans (en Aurignacie ) a marqué le passage de l'Homo sapiens à l'Homo sapiens intellectus. La préhistoire étant par définition une époque sans écriture, il n'y a pas de traditions d'une conception contemporaine de l'art.

antiquité

Égypte , environ 1422-1411 av. Chr.

Du début à la fin des cultures antiques , de l' Ancien Empire égyptien à la Grèce classique en passant par la Rome tardive , une abondance d'œuvres d'art a été préservée : architecture, sculptures, fresques et cabaret. Le fait qu'elles soient désignées comme telles est un anachronisme , car à l'époque où elles ont été créées, la peinture et la sculpture n'étaient pas considérées comme de l' art mais plutôt de l' artisanat , leurs produits étant des produits de l'artisanat, mais pas des artistes. Le théâtre était déjà bien développé et respecté, mais c'était une partie essentielle des activités rituelles.

En tant qu'arts libres ( artes libérales ), ces connaissances et compétences étaient appelées dans l'antiquité, qui devraient être accessibles à un homme libre - mais pas à un esclave . Martianus Capella (vers 400 après JC) a divisé un total de sept arts en deux groupes : le trivium comprenait la grammaire , la dialectique et la rhétorique ; le quadrivium comprenait la géométrie , l' arithmétique , l' astronomie et la musique . Des beaux-arts au sens moderne, la musique était le seul art reconnu dans l'antiquité. L'artisanat inférieur était les arts mécaniques ("artesmechaniae"), qui devaient être exécutés à la main, ce qui comprenait également la peinture et la sculpture . Peinture et sculpture, ainsi que l'art de guérir (dans les aphorismes de Hippocrate ) ont également été considéré dans l' Antiquité comme l' art ( Techné ou ars Mechanica ) et non pas comme pure technologie ( épistémè ).

Le contraste (antagonisme) de l' art , qui provient principalement de l' esprit , et de l' art qui doit être fait manuellement, se manifestera différemment dans les arts visuels sur 2000 ans, du Paragone à la Renaissance (la compétition entre les genres d'art, qui le plus noble de tous) à l'idéalisme allemand du XVIIIe siècle et sa part dans le concept moderne de l'art (qui ne comprend la capacité technique que comme un outil banal de l'artiste pour exprimer son idée) à l' art conceptuel des années 1960, que l'art idée complètement découplée de l'objet exécuté.

Moyen-Âge

Avec les bouleversements de la période des migrations , la vie artistique ancienne en Europe s'est presque dissoute. Le médiéval concept d'art adopte le schéma des arts mécaniques , ainsi que les artes liberales , les arts libéraux de la (philosophiques) études de premier cycle , qui ont été nécessaires dans les trois grandes facultés de théologie , le droit et la médecine .

Le plasticien reste un artisan et s'organise en guildes comme tous les autres métiers. En tant qu'individu, il apparaît rarement, la signature d' une œuvre est inhabituelle. Le client de la quasi-totalité de la production artistique - peinture, sculpture, musique, théâtre - est l' Église . Dans une moindre mesure, l' aristocratie féodale a également commandé des travaux . Des formes d'expression profanes et sacrées , des types d'images, des formes de musique et d'autres choses émergent .

Si dans l'antiquité on représentait encore une image naturaliste de l'homme et on essayait d'imiter au mieux la nature, alors au Moyen Âge la beauté se définissait par le contenu spirituel (religieux) d'une représentation, telle qu'elle était reconnue par les scolastiques comme la beauté de Dieu, qui est dans l'art doit refléter.

Début de l'ère moderne

L'importance des beaux-arts et du travail de l'artiste change dans les temps modernes avec la transition vers une société bourgeoise : là où auparavant les œuvres étaient généralement créées au nom de l' église et de la noblesse , un nouveau type de destinataire grandit avec les personnes instruites. collectionneur d'art .

Ce processus a commencé en Italie au début de la Renaissance et s'est poursuivi dans toute l'Europe à partir du milieu du XVe siècle. Les villes se renforcent et avec elles les marchands qui démontrent leur nouvelle position dans la société féodale avec l'art. L'artiste s'émancipe, se découvre comme sujet , et crée des oeuvres dont la finalité principale l'idée de ne plus la foi ou le pouvoir d'un prince n'est que le débat d'experts sur l' ébauche , l'exécution et la maîtrise, et l' artiste est un métier. C'est ainsi qu'émergent des programmes iconographiques et architecturaux d'une grande complexité , que le public artistique doit démêler. Un nouveau genre littéraire émerge : Ekphrasis , littérature d'art, écriture sur les artistes et l'art, et contemplation (« jouissance de l'art ») dans le cadre de l'intention artistique. L' artiste désormais autonome réfléchit à son rôle, qui est rendu public dans les arts visuels au Paragone .

La « renaissance » évoquée dans le terme Renaissance renvoie au lien renouvelé avec l'Antiquité classique , sur l'image de l'homme et de la nature dont se fonde la production de l'art. Les œuvres profanes fleurissent en musique et en littérature. La Réforme a accéléré l'affaiblissement de l'Église catholique romaine en tant que client le plus important des artistes, ce qui a été répondu au Concile de Trente par un contre-concept détaillé. La nécessité d'une Contre-Réforme catholique jette les bases de l'explosion de la production artistique dans la musique et les arts visuels à l' époque baroque .

Alors que l'œuvre d'art était encore utilisée au début des temps modernes pour mémoriser des choses « étranges », elle a perdu cette fonction avec la diffusion croissante de l' impression de livres . Dans la période qui a suivi, le problème de la «perte constante de nouveauté» dans l'art se pose: depuis lors, il a dû surprendre encore et encore avec des innovations. Il devient ainsi un sous-système social autonome.

éclaircissement

Dans la seconde moitié du XVIIIe et au début du XIXe siècle, au siècle des Lumières , les cercles instruits ont commencé à discuter de la peinture , de la sculpture et de l' architecture ainsi que de la littérature et de la musique en tant qu'art au sens moderne du terme. Thèmes conjonctifs qui étaient des raisons esthétiques par opposition au laid en tant que catégorie pour la qualification des œuvres d'art. La liberté devint un idéal pour la politique, la science et pour les genres littéraire et artistique, qui émergeaient progressivement comme des domaines indépendants. L'aspect technique de la création artistique perd de son importance. Avec l'idéalisme allemand, l'idée était au-dessus de l'artefact. L'une des conditions préalables les plus importantes à ce processus a été la sécularisation accélérée par le début de la révolution industrielle .

La différenciation entre littérature et art était le résultat de la discussion littéraire qui avait commencé peu de temps auparavant , qui ne traitait plus de toutes les œuvres intellectuelles, mais résumait les romans, les drames et les poèmes en tant que littérature dans un sens modifié du terme. Dans un effort pour attirer un public plus large, le terme art a d' abord été restreint aux peintures et aux sculptures, aux objets présentés et évalués dans les journaux et les magazines - les journaux qui existaient depuis le début du XVIIIe siècle. Un système d' examen généralisé a vu le jour . Les termes travail , original et génie comme expressions de l'individualité de l' artiste ont été inventés par Kant . Une distinction a été faite entre les images intérieures et extérieures . Les images intérieures étaient, par exemple, le langage , les idées et les idées , tandis que les images extérieures étaient des meubles, des bâtiments ou des produits artisanaux.

Conformément à l'idée de liberté, l'artiste plasticien n'est plus obligé à un client , mais produit de manière indépendante pour un marché de l'art naissant . D'une part, cela modifie les thèmes qui, au lieu des motifs religieux et mythologiques , des portraits et des allégories , incluent désormais également, par exemple, des descriptions du monde du travail du capitalisme industriel émergent. D'autre part, des styles individuels se développent, qui servent notamment de marques de commerce , en termes modernes d' instrument de marketing pour les artistes concurrents. Des compositeurs comme Mozart font également leurs adieux aux postes permanents auprès de princes séculiers ou ecclésiastiques. Cette nouvelle liberté est associée à des risques correspondants, l' image romantique de l' artiste appauvri , conjuguée à la notion de génie, en sont les conséquences.

Moderne

Beaux-arts : Paul Cézanne : autoportrait (1898-1900)

Les Lumières ont préparé le concept moderne de l' art . Alors qu'à la fin du Moyen Âge l'artiste s'émancipe en sujet autonome, à la fin de la féodalité baroque l' œuvre d'art s'émancipe et devient autonome. A l'ère des machines, de la division du travail et de l'automatisation, le statut de l'activité artisanale dans l'art a changé. L'art n'existe plus dans des contextes fonctionnels, mais hors de lui-même, devient L'art pour l'art . Les formes d'art qui restent dans des contextes fonctionnels sont constituées sous le nouveau terme générique d' arts appliqués pour les arts et l'artisanat.

Alors qu'en stylistique les époques stylistiques ont ensuite été annexées à la création artistique respective, les artistes eux-mêmes façonnent désormais leurs catégories en interaction avec la critique d'art naissante . Les nombreux ismes , dont certains apparaissent en parallèle, sont désormais des termes de style plus à court terme que des concepts d'époque.

L'importance des femmes dans l'art augmente.

Avec le début de la modernité, l'antagonisme du contre- modernisme commence en même temps . Ont été au siècle des Lumières, les destinataires de l'Art n'étant qu'un cercle très restreint (le clergé, la noblesse, la riche bourgeoisie), puis le public s'est élargi avec l'émergence du marché de l'art en libre accès, l'organisé pour le promouvoir des expositions publiques ( salons ) et Les débats dans la presse sur l'art, la littérature de masse, etc., s'ouvrirent considérablement. Dans le même temps, le débat artistique, tant dans les beaux-arts que dans la musique et la littérature, s'est de plus en plus concentré sur l'examen des conditions dans lesquelles il a été créé. Dans la mesure où l'art lui-même est devenu le thème ( méta-art ), il a perdu l'intérêt des classes larges, qu'il voulait en fait mener en tant qu'avant-garde .

Si les conflits autour de l'art restaient auparavant internes et étaient, par exemple, de nature patriotique (Florentine Disegno contre Venetian Colore ) ou de goût (Rubénistes contre Poussinistes, controverse entre Anciens et Modernes , etc.), des pans entiers de la société refuser d'accepter l'art de leur temps. Un contre- modernisme se développe , qui cherche ses formes d'expression dans divers styles qui s'opposent à l'art moderne - e. B. à travers l' art néoclassique , autre historique ou délibérément anachronique . Cela peut être compris comme une protestation contre les principes de l'art moderne ou contemporain.

A propos de cette protestation bien au-delà de la diffamation de l'art moderne allait le nazisme , l' Art Dégénéré tagué , l' Art Moderne essayait de faire un tout et l' art dit allemand avec des moyens brutaux l'a emporté : par des interdictions ricanant des présentations dans l' exposition « Art dégénéré » , Jusqu'au meurtre d' artistes juifs pendant l' Holocauste . A partir de novembre 1936, le régime nazi dissout progressivement tous les départements de l'art du début du XXe siècle dans les musées allemands. En Union soviétique , le constructivisme et le suprématisme d' avant-garde , qui étaient encore perçus comme révolutionnaires , ont émergé dans les années 1920. Avec l'avènement du stalinisme , le réflexe anti-moderne a pris le dessus et a conduit au réalisme socialiste dans la littérature, les arts visuels. et musique.

Correspondant aux contradictions politiques consécutives à la phase de totalitarisme depuis les années 1930, différents courants se sont développés au sein de l'ère moderne de la fin des années 1950 en tant que mouvement de résistance contemporain ou post-avant-garde dans les années 1960, à la fois dans les cercles d'Europe occidentale et orientale tournés contre et nié la normalisation en raison de la guerre froide et du stalinisme en Union soviétique. Ils s'inscrivaient dans la tradition des salons de l'époque moderne des métropoles, mais avaient une fonction médiatrice continue et communicante. Lorsque les guerres ont éclaté en Europe et en Asie dans les années 1930 et 1940, elles n'ont pris qu'un élan limité en raison de la réorganisation de l'État dans les années 1950.

Cette suppression forcée des formes d'art moderne, provoquée par l'État, ne doit pas être assimilée à l'insatisfaction de certaines parties de la population à l'égard des formes contemporaines d'expression artistique (en particulier en architecture). Une juxtaposition de styles différents est largement acceptée aujourd'hui et crée un large éventail artistique dans la culture mondiale d'aujourd'hui , qui est souvent comprise comme libérale, et le paradigme de la simultanéité, causée par la numérisation technique de la vie quotidienne.

Postmoderne

Art Conceptuel : Art & Langage : Pièce Miroir (1965)

La vision postmoderne de l'art questionne en partie les idées de liberté, d'originalité et d'authenticité, utilise consciemment des citations d'autres artistes et combine styles, matériaux et méthodes historiques et contemporains et différents genres d'art . Les commerces d'art et les lieux d' exposition sont interrogés à partir d'un méta-niveau ( cube blanc ) . Les frontières entre le design , la culture pop et la sous - culture d'une part et la haute culture d'autre part s'estompent.

L'art contemporain , l'art contemporain et les termes collectifs similaires n'appréhendent l'art contemporain que de manière très générale. Le terme d' avant-garde artistique est devenu obsolète pour l'art qui a émergé depuis le début du postmodernisme, car dans les sociétés et les cultures ouvertes, il ne peut très probablement y avoir aucune direction généralement contraignante pour une avant-garde ou pour des pionniers. Par conséquent, le terme «art contemporain» est également utilisé pour décrire des œuvres artistiques, des installations de salle ou des actions basées sur des processus qui rendent quelque chose si perceptible dans le présent qu'il aura un effet culturellement significatif dans le futur. L'art libre et contemporain dans ce sens ignore apparemment toutes les conditions, règles et classifications académiques, tous les styles artistiques, domaines artistiques et frontières culturelles, tout en prenant la liberté de réfléchir, de traiter et d'utiliser les citations en fonction des besoins artistiques. .

Un tel art représente un système d'art qui résulte de l'interaction de plusieurs instances, discours, acteurs institutionnels et pratiques établies. L'art contemporain en tant que système fonctionnant globalement et de manière interculturelle combine les origines de différentes cultures, l'histoire de l' art en tant que fondement théorique de l'art, la philosophie ancienne restant particulièrement importante en tant que base historique de la tradition artistique occidentale . L'art contemporain laisse également transparaître des classifications conventionnelles telles que la peinture, la sculpture, la danse, la musique, le théâtre, etc., mais se caractérise par sa thématisation, son questionnement, son dépassement, son expansion, son intégration interdisciplinaire et son ironisation. Aujourd'hui, la photographie , la projection vidéo et l' installation vidéo , l' environnement , les installations en salle, les happenings et les performances côtoient la peinture et le théâtre, tandis que les arts médiatiques , y compris la cinétique et l'art de la lumière , se situent d'une manière qui semble appropriée aux médias et pertinente.

Parallèlement à cette évolution, l'interface entre les médias, qui étaient en grande partie séparés à l'époque, dans la compréhension étroite du concept d'art, entre la peinture et la photographie est devenue pertinente sur le plan de l'histoire de l'art à travers le travail des artistes photographes Pierre Cordier ( chimigrams ) , Paolo Monti ( chimiogrammes ) et Josef H. . Neumann ( chimiogrammes ) clos. En 1974, les chimiogrammes de Josef H. Neumann ont fermé la séparation du fond pictural et de la couche photographique, en ce que, dans une symbiose sans précédent jusque-là, ils étaient incontestablement uniques dans une perspective simultanément picturale et photographique réelle dans un couche photographique en couleurs et formes unies.

Comme en science, une compréhension globale des significations possibles des œuvres et des œuvres ne peut souvent être acquise que par une étude approfondie de l'objet artistique. Il est interprété dans des contextes différents qui changent et diffèrent selon le spectateur et le lecteur, selon le public et les personnes impliquées dans l'événement, ainsi que selon les intérêts des critiques et autres médiateurs professionnels. Le concept contemporain d'art est discuté intensivement dans la théorie de l'art . Elle place les pratiques artistiques, les processus, les institutions et les acteurs (artistes, récipiendaires , gestionnaires, investisseurs/acheteurs, ...) ainsi que les œuvres d'art elles-mêmes au centre de l'enquête.

Exigences et fonctions

Avec la question de la base biologique de la demande artistique de l'homme, ou quelles fonctions psychologiques, sociologiques, économiques et politiques de l'art pour le peuple et la société , ont traité la biologie , la sociologie de l'art , la psychologie , le droit et la Études culturelles en général.

la biologie

Une image du chimpanzé du Congo

Le développement rapide des biosciences a conduit au fait que des performances cognitives humaines plus élevées sont également étudiées dans les disciplines biologiques. Le besoin de design artistique et de sensations esthétiques n'en sont pas exclus. Les études biologiques liées à l'art se déroulent notamment en théorie de l'évolution et en neurosciences .

En biologie évolutive, les comportements sont généralement expliqués au moyen d'un avantage de sélection . Concrètement, cela signifie que les créateurs et les amateurs d'art devraient produire plus de descendants que les autres. Un tel schéma explicatif ne semble pas immédiatement évident par rapport à l'art. Néanmoins, les formes d'art peuvent être trouvées dans toutes les époques historiques et dans toutes les aires culturelles, ce qui indique qu'un besoin d'art est biologiquement donné et pas uniquement le résultat d'une empreinte sociale. Plusieurs explications peuvent être avancées à l'ancrage biologique de la nécessité de l'art. Très probablement, l'art est le critère de sélection pour choisir un partenaire. L' évolution humaine est due à une augmentation des volumes et des capacités cognitives du cerveau affecté. La capacité de produire de l'art est une indication extérieurement reconnaissable de la créativité , qui peut également conduire à des solutions créatives dans d'autres domaines. Les personnes qui avaient du temps pour l'art n'avaient aucun problème à satisfaire leurs besoins quotidiens en matière de nourriture et de sécurité, car quiconque a des réserves pour des activités principalement dénuées de sens telles que l'art en plus de la vie quotidienne montre sa capacité à survivre. ses communautés sociales. En tant que donateur de traditions et de valeurs propres à un groupe, l'art peut également soutenir les communautés humaines.

Une autre hypothèse suppose que le besoin d'art est un sous-produit ( épiphénomène ) du développement d'autres performances cognitives pertinentes pour la survie. Les avantages de ces capacités cognitives devraient donc l'emporter sur les inconvénients du besoin d'art (temps, matériel).

Une confirmation des théories sociobiologiques par des expériences n'est pas possible, car les expériences de croisement avec des humains ne sont pas éthiquement justifiables. Les théories doivent donc rester spéculatives. En particulier, la démarcation avec le besoin de l'art en tant que produit de l'évolution culturelle est difficile.

Psychologie et neurosciences

En psychologie, l'aspect créatif de l'art est examiné à travers la recherche sur la créativité, l'aspect perception et évaluation à travers l'esthétique expérimentale .

La valeur de l'art se voit au moins en grande partie dans l'expression des sentiments.

L'évaluation d'une œuvre artistique est soumise à différents facteurs. Par exemple, les caractéristiques de l'individu évaluateur (telles que la personnalité et le goût ) conduisent à des préférences différentes. Une étude portant sur plus de 90 000 personnes a montré que les traits de personnalité , tels que l' ouverture à l'expérience , sont de forts corrélats de préférences pour des peintures particulières et pour apprécier les visites de galeries d'art .

L'évaluation de l'art à travers les différentes époques n'est ni totalement cohérente ni totalement indépendante les unes des autres : lors de l'évaluation de l'œuvre de toute une vie de peintres de la Renaissance par des historiens de l'art de plus de 450 ans, le degré de concordance entre les évaluations est d' environ W = 0,5 (valeurs possibles : 0 à 1).

Il s'est avéré que l' air du temps ainsi que les caractéristiques objectives d'une œuvre qui ne sont pas soumises à l'air du temps jouent un rôle dans l'évaluation. Dans une étude de 15 618 sujets de musique classique, l'importance des caractéristiques objectives et de l'air du temps a été examinée. L'originalité musicale d'un sujet par rapport à ses œuvres contemporaines (l'air du temps) et son originalité « absolue » ont contribué dans une mesure similaire à la popularité d'un sujet. Des résultats similaires pourraient également être montrés pour l'originalité linguistique.

Les neurosciences sont basées sur des principes biologiques dans la recherche du besoin de l'art. L'objectif est d'assigner la création artistique à des processus neuronaux ou à différentes aires neuronales . A cela s'ajoute l'énorme hétérogénéité de l'activité artistique. Cela conduit au fait que différentes réalisations artistiques peuvent être corrélées avec différents processus neuronaux .

Psychanalyse

Sigmund Freud a vu dans l'art - comme dans toute activité créatrice - une possibilité de sublimer la pulsion de la libido de manière non sexuelle .

Le concept d'art au sens large

Il y a les beaux-arts, mais aussi l'ingénierie, l'art de la parole ou de la diplomatie, l'artiste du bal, et dans de très nombreux domaines l'artiste dans son domaine. Qu'est-ce qui est commun à tout art dans ce sens global - et qu'est-ce qui distingue alors les artistes dans les sujets respectifs les uns des autres ? L'art dans ce sens très large est une activité créatrice (et son résultat) qui s'exerce avec la plus grande efficacité ; Cela signifie que, mesuré par rapport aux ressources utilisées, le résultat est aussi efficace que possible. A effet comparable, ce n'est pas l'effort le plus élevé, mais l'effort comparativement plus modéré qui est plus valorisé que l'art. Cela ne signifie pas pour autant que les outils doivent seulement être simples et modestes, ou qu'il est toujours facile pour l'artiste d'arriver à la solution la plus simple à un problème ou au moyen d'expression le plus efficace.

Les différentes formes d'art diffèrent cependant par le type d'effet, et cela dépend du sujet. Le but de l'ingénierie est z. B. le pont stable et solide, l'essence de l'essai est l'analyse astucieuse, l'accent des beaux-arts est principalement sur l'éveil et la stimulation d'expériences émotionnelles. Il existe de nombreuses activités qui peuvent être menées en tant qu'art au sens le plus large ; les critères pour cela sont la créativité et l'efficacité.

Statut légal

L'art est un phénomène dans chaque culture, l'objet de conventions sociales et - si une société développe un système juridique - un objet de législation . Dans les pays démocratiques, le droit à la liberté artistique est soit inscrit dans la constitution, soit garanti dans le cadre de la liberté d'expression . Dans les pays d'organisation politique différente, la pratique de l'art est souvent réglementée et/ou utilisée à des fins de propagande . Les dictatures utilisent souvent l'art spécifiquement pour stabiliser le régime respectif. La libre expression artistique est soumise à la censure et menacée de répression, ou en fait exposée à celle-ci. À la suite d'une telle répression, les artistes ne produisent alors pas d'œuvres critiques ( ciseaux dans la tête ), ne les publient pas, ou entrent dans l'émigration intérieure . Certains artistes intériorisent les exigences étatiques, sociales et/ou religieuses et produisent - par conviction ou contraintes économiques - des œuvres affirmatives .

Le plagiat , les imitations et les œuvres fortement influencées par d'autres artistes ont existé et ont existé à chaque phase de l'histoire de l'art. Si le producteur cache ses originaux, cela est tout aussi punissable qu'une contrefaçon d'art , qu'une violation du droit d' auteur . Afin de rendre juridiquement compréhensible une telle violation, des critères sont introduits par le législateur qui ne jouent aucun rôle dans le monde de l'art lui-même. Du point de vue du droit d'auteur, par exemple, un artiste ne peut désigner une œuvre comme sienne que lorsqu'elle a atteint un niveau de créativité suffisant . Cela présuppose une création personnelle, individuelle et spirituelle (humaine), qui a une forme qui peut être perçue par les sens humains ( voir terme de travail de la loi sur le droit d'auteur en ce qui concerne la hauteur de la création ).

En Allemagne, la liberté artistique est un droit fondamental protégé par l' article 5, paragraphe 3 de la Loi fondamentale . Les œuvres d'art elles-mêmes peuvent d'une part bénéficier d' une protection juridique en tant que biens culturels par le biais de réglementations et d'organisations nationales et internationales ( UNESCO , Bouclier bleu, etc.) ou d'autre part également être soumises à des restrictions légales (interdictions d'exportation, etc.).

Voir également

Portail : Art et Culture  - Aperçu du contenu de Wikipédia sur le thème de l'art et de la culture
Portail : Beaux-Arts  - Aperçu du contenu de Wikipédia sur le thème des beaux-arts

Littérature

Art et arts visuels en général

  • Ernst H. Gombrich : L'histoire de l'art . Phaidon, Berlin 2002.
  • Georg W. Bertram : Art. Une introduction philosophique. Reclam, Ditzingen 2005.
  • Georg W. Bertram : L' art comme pratique humaine. Une esthétique. Suhrkamp, ​​​​Berlin 2014.
  • Fondation Beyeler (éd.) : Qu'est-ce que l'art ? Hatje Cantz, Ostfildern 2012, ISBN 978-3-7757-3526-1 ( hatjecantz.de ).
  • Broder Christiansen : Philosophie de l'art . Clauss et Feddersen, Hanau 1909.
  • Karlheinz Deschner : Kitsch, Convention et Art. Une brochure littéraire . Liste, Munich 1957; Ullstein, Francfort-sur-le-Main 1991, ISBN 3-548-34825-4 .
  • John Dewey : L' art comme expérience . Maison d'édition, Francfort-sur-le-Main 1998.
  • Umberto Eco : L'œuvre d'art ouverte. Francfort-sur-le-Main 2002.
  • Stephen Farthing (éd.) : Art. Toute l'histoire. DuMont, Cologne 2011, ISBN 978-3-8321-9385-0 .
  • Daniel M. Feige : L' art comme auto-compréhension. Mentis, Munster 2012.
  • Hans-Georg Gadamer : L'actualité du beau. L'art comme jeu, symbole et festival . Reclam, Ditzingen 1977.
  • Nelson Goodman : Chemins de la création du monde . Suhrkamp, ​​Francfort-sur-le-Main 1990, ISBN 3-518-57615-1 .
  • Nelson Goodman : Langues de l'art. Ébauche d'une théorie des symboles . Maison d'édition, Francfort-sur-le-Main 1997.
  • Peter Hacks : Les standards de l'art. Eulenspiegel-Verlag entre autres
  • Michael Hauskeller : Qu'est-ce que l'art ? Positions de l'esthétique de Platon à Danto . Beck, Munich 2002, ISBN 3-406-45999-4 .
  • Dieter Henrich , Wolfgang Iser (éd.) : Théories de l'art . Francfort-sur-le-Main 1999.
  • Emmanuel Kant : Observations sur le sentiment du beau et du sublime . Maison d'édition scientifique, Schutterwald / Baden 2002, ISBN 3-928640-51-8 .
  • Harry Lehmann : La vérité éphémère de l'art. Esthétique selon Luhmann. Fink, Munich 2006, ISBN 3-7705-4193-6 .
  • Heinrich Lützeler : Expérience de l'art et histoire de l'art. Présentation et documentation systématiques de la façon dont les arts visuels sont traités en termes d'histoire du développement . (= Orbis Academicus I/15, 1-3). 3 tomes. Alber, Fribourg/Munich 1975, ISBN 3-495-47309-2 .
  • Andreas Mäckler : 1460 réponses à la question : Qu'est-ce que l'art ? DuMont Buchverlag, Cologne 2000, ISBN 3-7701-5420-7 . (Anciennement : Qu'est-ce que l'art ? 1987)
  • Hanno Rauterberg : Et c'est ça l'art ?! - Un contrôle qualité. S. Fischer Verlag, Francfort-sur-le-Main 2007, ISBN 978-3-10-062810-7 .
  • Brigitte Riese : Seemanns Lexikon der Kunst. Architecture, graphisme, artisanat, peinture, sculpture, écoles, styles, tendances . EA Seemann Verlag , Leipzig 2009, ISBN 978-3-86502-018-5 .
  • Christian Saehrendt , Steen T. Kittl : Je peux le faire aussi - des instructions d'utilisation pour l'art moderne. DuMont Literature and Art Publishing, Cologne 2007, ISBN 978-3-8321-7759-1 .
  • Martin Seel : Esthétique de l'apparence. Francfort-sur-le-Main 2003.
  • Léon Comte Tolstoï : Qu'est-ce que l'Art ? Une étude. Maison d'édition scientifique, Schutterwald / Baden 1998, ISBN 3-928640-33-X .
  • Wolfgang Ullrich : Qu'est - ce que l'art ? Biographies d'un terme. S. Fischer, Francfort-sur-le-Main 2005.
  • Wolfram Völker (Ed.) : Qu'est-ce que le bon art ? Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-1976-6 , page 167.
  • Tasos Zembylas : art ou non-art. À propos des conditions et des instances de jugement esthétique. WUV-Univ.-Verlag, Vienne 1997.

romance

L'art et le monde du travail

  • Friedrich Schnack : Le monde du travail dans l'art. Schuler Verlagsgesellschaft, Stuttgart 1965, DNB 454419473 . (Art de 38 musées et collections en Europe, en Russie et aux États-Unis - avec un accent du mercantilisme à l' ère industrielle )

Art non européen

  • Clifford Geertz : Description de la densité. Contributions à la compréhension des systèmes culturels. Francfort-sur-le-Main 2002.

Art et politique

Esthétique philosophique et pratique artistique

  • Hans Robert Jauss (éd.) : Les beaux-arts ne sont plus. Munich 1968.
  • Theodor W. Adorno : Écrits rassemblés. Tome 7 : Théorie esthétique. Suhrkamp, ​​Francfort-sur-le-Main 1970, ISBN 3-518-57083-8 .
  • Annemarie Gethmann-Siefert : Introduction à l'esthétique. Wilhelm Fink Verlag, Munich 1995, ISBN 3-7705-3059-4 .
  • Nina Zschocke : Le regard irrité : réception de l'art et attention. 1ère édition. 2005, ISBN 3-7705-4157-X .
  • Harry Lehmann : Esthétique salariale. Une philosophie de l'art. W. Fink, Paderborn 2015, ISBN 978-3-7705-5983-1 .

liens web

Commons :  Album d' art avec photos, vidéos et fichiers audio
Wikibooks: Art  - Matériel d'apprentissage et d'enseignement
Catégorie de fichier Fichiers : Art  - collection locale d'images et de fichiers multimédias
Wikiquote: Art  - Citations
Wikisource : Art  - Sources et textes complets
Wiktionnaire : Art  - explications de sens, origines des mots, synonymes, traductions

Preuve individuelle

  1. ^ Klaus Bergdolt : Beaux-arts et médecine. Dans : Werner E. Gerabek , Bernhard D. Haage, Gundolf Keil , Wolfgang Wegner (dir.) : Enzyklopädie Medizingeschichte. De Gruyter, Berlin / New York 2005, ISBN 3-11-015714-4 , p.177 s .
  2. ^ Sönke Drewsen : Médecine - Science ou Art ? Dans : Rapports sur les antécédents médicaux de Würzburg. 7, 1989, p. 45-54.
  3. ^ Niklas Luhmann : L'art de la société. Suhrkamp, ​​Francfort-sur-le-Main 1995.
  4. Tasos Zembylas : Art ou non-art : À propos des conditions et des instances de l'évaluation esthétique. Vienne, 1997, ISBN 3-85114-315-9
  5. Stephen Farthing (éd.) : Art. Toute l'histoire . DuMont, Cologne 2011, ISBN 978-3-8321-9385-0 (Anglais : Art. Toute l'histoire . Traduit par Jens Asthoff).
  6. Art , article dans l'encyclopédie en ligne wissen.de , Konradin Publishing Group , Leinfelden-Echterdingen.
  7. Encyclopédie Brockhaus . 21e édition. Volume 16, Brockhaus, Leipzig 2006, ISBN 3-7653-4116-9 , pp. 93-94.
  8. Art Lexique Styles Art, Époques et événements. Hatje Cantz.
  9. Art. Dans : Brockhaus. 21e édition. Tome 16, 2006, p. 93-94.
  10. Jutta Kollesch , Diethard Nickel : Art de guérison ancien. Textes choisis des écrits médicaux des Grecs et des Romains. Philipp Reclam jun., Leipzig 1979 (= Bibliothèque universelle de Reclams. Volume 771) ; 6e édition ibid 1989, ISBN 3-379-00411-1 , p. 187, note 1 (sur la médecine comme art au sens du grec technique avec l'aspect artistique, la maîtrise technique d'un sujet).
  11. Johann Paul Wolf: L'art du feu comme un portrait de l'art de mourir: Bey chrétien et l' enterrement considérable. 1693. Google Livres
  12. Wolffgang Augustin Mayer : Lust- Lufft- und Feuer Kunst : à partir duquel obtenir sans frais et sans effort, comment obtenir des tourbillons, des ragettes grandes et petites, des pompes et des bâtons masculins, grands et petits, également des rageten lançant des boules d'eau, avec Les paragraphes et les passages doivent être préparés et préparés. : Sambt auquel toutes sortes de matériaux sont attachés, et leurs doses, poids et masses ordonnés combinés. : Comment voir et tout apprendre ponctualiter à partir de ces 38e chiffres ci-joints et préimprimés. : Tous les amoureux, et les fils très utiles. publié par Mattheus Schultes, 1680 (Google Books)
  13. ^ Klaus Bergdolt : Beaux-arts et médecine. 2005, page 177.
  14. Caractère de l'ère du début de la période moderne : Faculté d'histoire et d'art - Université de Leipzig
  15. ^ Niklas Luhmann : L'art de la société. Francfort a. M. 1995.
  16. ^ Informations sur l'art contemporain, Académie X : Leçons d'Art + Vie dans le catalogue de la Bibliothèque nationale allemande .
  17. Peter Bürger : Théorie de l'Avant-garde (1974) . Wallstein Verlag, Göttingen 2017, ISBN 978-3-8353-3119-8 .
  18. Il est controversé dans quelle mesure il s'agit d'un système « autodéterminé » ou si le commerce de l'art et donc le « système de l'art » sont principalement soumis à des critères économiques. Voir par ex. B. Piroschka Dossi : Hype ! Art et argent. dtv, Munich 2007.
  19. Tasos Zembylas : Art ou non-art : À propos des conditions et des instances de l'évaluation esthétique. Vienne, 1997, p.15.
  20. Hannes Schmidt : Commentaires sur les chimiogrammes par Josef Neumann. Exposition dans la galerie du studio de photographie du Prof. Pan Walther. Dans : Presse photo. Numéro 22, 1976, page 6.
  21. Tasos Zembylas : « Part II : Art Concepts », in : Kulturbetriebslehre. Les bases d'une interdiscipline. Wiesbaden, 2004, pp. 117-219, et Tasos Zembylas (éd.) : Pratiques artistiques. Interactions sociales et dynamiques culturelles. Londres, 2014.
  22. Neill, A:. Art et Emotion . Dans : Levinson, J. (Ed.) : The Oxford Handbook of Aesthetics . Oxford University Press, Oxford 2003, p. 421-435 .
  23. Tomas Chamorro-Premuzic, Stian Reimers, Anne Hsu, Gorkan Ahmetoglu : Qui es-tu ? Prédicteurs de personnalité des préférences artistiques dans un large échantillon britannique : l'importance de l'ouverture . Dans : British Journal of Psychology . ruban 100 , non. 3 , août 2009, ISSN  0007-1269 , p. 501-516 , doi : 10.1348 / 000712608x366867 ( wiley.com [consulté le 3 mai 2018]).
  24. ^ Victor Ginsburgh, Sheila Weyers: Persistance et mode dans l'art Renaissance italienne de Vasari à Berenson et au-delà . Dans : Poétique . ruban 34 , non. 1 , février 2006, ISSN  0304-422X , p. 24-44 , doi : 10.1016 / j.poetic.2005.07.001 ( elsevier.com [consulté le 21 septembre 2018]).
  25. ^ Dean K. Simonton : renommée thématique, originalité mélodique et zeitgeist musical : une analyse de contenu biographique et transhistorique. Dans : Journal de la personnalité et de la psychologie sociale . ruban 38 , non. 6 , p. 972-983 , doi : 10.1037 / 0022-3514.38.6.972 ( apa.org [consulté le 5 février 2018]).
  26. ^ Sven Form : Atteindre les sommets de Wuthering avec de nouveaux mots courageux : L'influence de l'originalité des mots sur le succès des best-sellers exceptionnels . Dans : Le Journal du Comportement Créatif . ISSN  2162-6057 , p. n / a – n / a , doi : 10.1002 / jocb.230 ( wiley.com [consulté le 5 février 2018]).
  27. Les droits fondamentaux (art. 1 - 19) dejure.org
  28. Cf. Arnold Nesselrath "Sans Art No Identity" en SZ du 26 juillet 2015.