Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg, 1999

Robert Milton Ernest Rauschenberg (né le 22 Octobre, 1925 à Port Arthur , au Texas , † 12 mai, 2008 sur Captiva Island , Floride ) était un Américain peintre , graveur , photographe et artiste objet et un pionnier de la Pop Art au 20e siècle, bien que son travail multicouche ne peut pas être utilisé pour ce style.

Rauschenberg croyait que la réunification de la réalité visuelle artistique avec la réalité de la vie à laquelle il s'efforçait pouvait être mieux réalisée en apportant des parties du monde réel inchangées dans l'art.

Dans ses œuvres, par exemple, il associe de manière subtile balles de tennis , pneus de voiture , vélos et chèvres en peluche . Contrairement à d'autres artistes matériels, cependant, il n'a pas modifié ces vestiges matériels du «monde réel», mais les a laissés tels quels.

Influences artistiques

Pour Rauschenberg, les modèles et parents artistiques étaient principalement des artistes allemands tels que le dadaïste Kurt Schwitters , le peintre et théoricien de l'art Josef Albers , mais aussi l' artiste Fluxus Joseph Beuys . Willem de Kooning également représenté un point de référence dans le développement artistique de Rauschenberg qui ne devrait pas être sous - estimée . En tant que représentant principal de l' expressionnisme abstrait , l'approche non-figuratif à la peinture qui a ouvert la voie à l'ère post-guerre américaine, il et Albers a déclenché une rébellion personnelle pour Rauschenberg.

Après des études au Kansas City Art Institute et à l' Académie Julian à Paris, le color field painting de son professeur Josef Albers au Black Mountain College North Carolina, qu'il fréquentait depuis 1948, et les œuvres abstraites de de Kooning - pour faire simple - ont été trop peu pour sa compréhension du monde réel et malléable, qu'il cherche de plus en plus à intégrer dans son équation art-vie. La discipline requise par Albers et l'approche méthodologique et théorique requise de la création artistique ont séduit Rauschenberg - comme il l'a dit lui-même - à toujours faire "exactement le contraire" de ce qu'enseignait Albers. Au lieu d'appliquer la théorie des couleurs d'Alber sur toile, le jeune Rauschenberg a découpé des carrés noirs dans du bois et peint des images monochromes en noir et blanc en signe de protestation. La percée a suivi 15 ans plus tard à la Biennale de Venise, où il a reçu le prix international de peinture en 1964.

Le dessin au graphite effacé par Rauschenberg avec l'accord de de Kooning est l'icône de ce changement de paradigme dans l'art des années 1950 au Pop Art.

Peintures blanches, noires et rouges

Rauschenberg fait le pas vers l'indépendance artistique en 1951 avec les tableaux blancs , les sept panneaux monochromes-blancs de sa Peinture blanche , qu'il expose lors de sa première exposition personnelle à la Betty Parsons Gallery , New York, et qui a pour objectif de « peindre éteindre ". Ici, le thème du "silence" a également été abordé, tout comme l'inclusion active des conditions d'éclairage diurnes ou des formes d'ombre du spectateur dans l'image. Avec les peintures blanches réalisées à partir de peintures murales conventionnelles, Rauschenberg a thématisé la norme de son œuvre pour combiner l'art et la vie. En 1951, il efface un dessin de son collègue new-yorkais Willem de Kooning, geste non moins radical pour trancher avec la puissance écrasante de l'expressionnisme abstrait américain.

Les tableaux noirs ont également été réalisés vers 1951. Ici, Rauschenberg a procédé de la manière suivante : il a peint les toiles avec de la peinture noire brillante puis les a peintes avec de la peinture noire mate. Robert Rauschenberg a utilisé la couleur noire pour faire disparaître en dessous les traces de la tradition et de son propre conditionnement et réinventer leur vocabulaire de base. Pour Rauschenberg, le noir représentait l'autolimitation au quasi-rien qui lui a servi de point de départ dans sa recherche de lui-même. Pour Rauschenberg, le noir signifiait aussi ne pas savoir comment les choses se passeraient artistiquement pour lui. La couleur noire semble associée à un processus de transformation. Elle peut être interprétée comme un moyen de franchir les frontières - comme franchir la frontière du visible à l'invisible, du matériel au spirituel, du conscient à l'inconscient. Le fait que les images noires, de toutes choses, soient une expression de changement pourrait s'expliquer par leurs propriétés nocturnes. La nuit est synonyme de changement dans le mysticisme, la mythologie, l'art et la littérature. Voir dans le noir change la perception. Plus vous restez longtemps dans l'obscurité, plus vous vous impliquez, plus l'environnement est clairement défini. Le processus de la vision se déplace vers le centre - une vision consciente, peut-être plus précise. On peut même laisser derrière soi le souhait de vouloir reconnaître l'environnement. Car alors la nuit permet la qualité particulière de ne pas voir, ce qui équivaut à ne pas savoir. Ce manque de connaissances en tant que forme de purification, à son tour, est une condition préalable au changement.

À la lumière de l'histoire du développement de l'expressionnisme abstrait, on a l'impression que les artistes américains, en particulier dans les années 1950-1965, étaient également portés par l'idée de se libérer de l'influence formatrice de la tradition européenne et avec New York - aux côtés de Paris - un nouveau centre de l'avant-garde. Dans ce contexte, les Black Paintings apparaissent comme l'expression d'un effort collectif d'affirmation de soi artistique. Regarder une image noire avec les yeux ouverts, c'est comme voir la nuit. L'artiste qui opte pour le noir exige une vision de l'œil habitué à l'obscurité : l'œil rencontre le noir ; le supposé ne pas pouvoir voir(s) provoque un être capable de voir différemment, une manière de voir plus différenciée : par exemple la reconnaissance de nuances de structure et de couleur. La vision plus difficile augmente la concentration sur le visible et l'invisible, peut-être même sur l'essence des choses et sur soi-même. Cela s'applique d'abord au spectateur de l'image, mais sur le plan existentiel, cela peut aussi s'appliquer à l'artiste. (voir Peintures Noires )

Les images rouges sont nées de la réaction de Rauschenberg au manque de compréhension des images blanches et noires précédentes. Son professeur Albers lui avait appris l'humilité envers la couleur et il essaya donc d'oser essayer la couleur qui était la plus difficile à ses yeux : le rouge.

À ce jour, cette série d'images de blancs, noirs et rouges est considérée comme la plus radicale par Rauschenberg.

Happenings, musique et théâtre

En insistant sur la tension entre l'œuvre d'art et le cadre de vie, Rauschenberg se rattache directement au travail de son ami John Cage , qui intègre des bruits du quotidien dans ses compositions afin d'ouvrir de nouveaux domaines sonores . Avec Cage et le danseur Merce Cunningham , Rauschenberg a été à plusieurs reprises l'initiateur de happenings et de représentations théâtrales. Il était principalement responsable de la scénographie, des costumes et des accessoires, mais aussi du développement de la chorégraphie et est apparu lui-même en tant que membre de l'ensemble. Entre 1964 et 1968, il met en scène 11 chorégraphies.

Combinez la peinture et combinez

La plupart de ses œuvres représentant ce style ont été réalisées entre 1953 et le début des années 1960. Il s'agit de collages néodadaïstes , consistant en une combinaison d'expressionnisme abstrait et de Pop Art, exprimés à travers des peintures en rapport avec des objets de la vie quotidienne qui y sont attachés (par exemple des ampoules, des ustensiles de cuisine, des cartes postales, des bandes dessinées, des impressions graphiques, des restes de papier peint, des peluches , radios, etc.), dont certains ont été repeints. La peinture est "combinée" avec des objets et s'étend ainsi dans un espace tridimensionnel. C'est pourquoi la frontière traditionnelle entre peinture et sculpture a été abolie.

Rauschenberg a dit à propos de ses œuvres qu'elles sont caractérisées par la réalité. À ses yeux, la peinture était à la croisée des chemins entre l'art et la vie et il tentait de combler le fossé qui la séparait.

Le souci des objets trouvés, des matériaux du quotidien, l'avait influencé lors d'une phase de travail au cours de laquelle il ouvrait son atelier en plein New York. Les soi-disant « sculptures élémentaires » ont été créées, des œuvres expérimentales faites de pavés et d'autres matériaux trouvés qu'il a trouvés à proximité immédiate de son atelier. Les sculptures se situent entre les « ready mades » et les assemblages dadaïstes, où Rauschenberg a souligné la particularité de ces objets trouvés et n'a pas voulu les réévaluer dans un changement de contexte. Dans ces œuvres, d'une part, le développement du Pop Art est largement basé, d'autre part, c'est le point de départ du développement ultérieur du travail de Rauschenberg, dans la mesure où l'image et la sculpture sont poursuivies en tant que domaines indépendants. Dans les "Combines", Rauschenberg distinguait les " Combine Paintings " et les "Combines" autonomes tels que "Odalisque" de 1955/58 ou l'un de ses plus célèbres avec le titre "Monogram" (1959). Les Combines révèlent souvent une intention satirique et sont des paraphrases ironiques des rêves de la société de consommation et des figures typiques de notre temps.

L'une des "Combine Paintings" les plus impressionnantes est "First Time Painting" (1961), qui s'appelait à l'origine "Happening Theatre of the American Embassy". Il a été créé lors d'un happening organisé par Darthea Speyer en juin 1961 dans le théâtre de l'ambassade américaine à Paris. David Tudor a joué la composition Variations II du compositeur américain John Cage pour l'action au piano . Outre Rauschenberg, Niki de Saint-Phalle , Jean Tinguely et Jasper Johns ont également participé. La séquence photographique documentaire de la création de l'image montre le développement pictural de Rauschenberg de l'expressionnisme abstrait à l'adoption successive d'éléments Pop Art de la réalité quotidienne dans une synthèse expressive.

Photographie et sérigraphie

Robert Rauschenberg (1968)

En 1962, Rauschenberg découvre le procédé de sérigraphie pour lui-même en même temps que les premières sérigraphies reproduites photomécaniquement d' Andy Warhol . Mais contrairement à Warhol, il a évité la répétition stéréotypée et l'isolement du motif en faveur d'une déclaration complexe liée au contenu qui fait directement appel à la conscience politique et sociale du spectateur : « Je veux secouer les gens », dit Rauschenberg, « Je veux que les gens pour ce faire Regardez le matériel et réagissez-y. Je souhaite leur faire prendre conscience de leur responsabilité individuelle, tant pour eux-mêmes que pour le reste de l'humanité. Comme il est facile d'être complaisant envers le monde. Le fait que vous dépensiez quelques centimes pour un journal apaise presque votre conscience. En le lisant, vous pensez avoir déjà fait votre part. Et tu enveloppes ta conscience dans le journal comme tu y enveloppes tes ordures."

À l'automne, il commence à utiliser la technique de la sérigraphie sur ses toiles. Il a développé une méthode de transfert de documents imprimés (images et textes) à l'aide de solvants. Rauschenberg a réalisé le transfert d'objets tridimensionnels, de textiles et de tissus sur la surface à l'aide de pierres lithographiques sensibles à la lumière. Cela lui a permis de combiner des pièces librement exécutées avec des photographies et des objets et donc tous les modèles disponibles. D'autres avantages du procédé offset photomécanique étaient son agrandissement et l'intensité des couleurs.

Toujours en 1962, Rauschenberg a commencé avec ses premières lithographies . Après avoir travaillé avec diverses imprimeries, il a transféré une grande partie de ses connaissances au médium du dessin .

Dans des techniques combinées de sérigraphie et de lithographie, des œuvres grandioses ont été créées avec le thème fréquent de l'interaction entre l'homme et la technologie, comme Booster (1967). Ils font partie des plus grandes estampes que Rauschenberg ait produites.

MANGER

À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Rauschenberg a commencé à expérimenter l'électronique et, avec Billy Klüver, a fondé le projet « Experiences in Art and Technology » (EAT). Des objets-images et des sculptures ont été créés qui intégraient des sons et de la musique ou réagissaient aux bruits. L'objectif était de fonder une société non commerciale qui encouragerait la collaboration entre artistes et ingénieurs et espérerait un avenir heureux pour la société mondiale. Cela a abouti à quatre œuvres multimédia complexes conçues pour l'interaction, telles que Oracle (1965), Soundings (1968), Solstice (1968) et Mud-Muse (1971).

années 1970 et 1980 ainsi que ROCI

Dans les années 1970, Rauschenberg a essayé différents matériaux tels que le carton (carton et cardbirs) et les tissus transparents (givre) et il a essayé d'augmenter l'effet par une disposition symétrique d'éléments structurellement très similaires (bifocaux). Ses œuvres sont légères, elles sont placées dans la pièce et parfois le sol et le plafond sont liés les uns aux autres et recouverts de tissu semi-transparent. En 1973/74, par exemple, Sant'Agnese, Untitled (Venetian) a été créé.

Il y avait une ouverture hésitante vers la couleur. Ici vous pouvez voir l'influence de Josef Albers - le professeur de Rauschenberg au Black Mountain College. Cela lui imposait une utilisation prudente de la couleur.

À la fin des années 1970, Rauschenberg débute avec The ¼ Mile ou 2 Furlong Piece : L'œuvre se veut une réponse aux confusions de l'époque comme le désespoir à propos du Cambodge ou du Vietnam. L'œuvre mesure plus de 400 mètres de long et se compose de collages, de peintures et d'objets. C'est une réflexion directe de l'artiste sur son temps - une chronique de ses imaginations, expériences, peurs et obsessions.

En 1983, Rauschenberg se souvient des techniques qu'il avait utilisées 20 ans plus tôt. Il se souciait de capturer, récupérer et préserver des images qui étaient à l'origine destinées à un contexte différent. Rauschenberg reprend à plus grande échelle la technique de la sérigraphie pour les toiles grand format. Maintenant, il n'a plus pris ses motifs dans les médias de masse, mais a basé ses propres photos.

Pour Rauschenberg, les années 1970 et 1980 sont généralement une période de grands projets, de voyages et de collaborations. En 1971, il a déménagé de New York à Captiva Island, en Floride, et a créé sa propre maison d'édition et son studio, ainsi que Change Inc. , une organisation à but non lucratif qui finance des artistes dans le besoin.

En 1984, le projet global Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) a commencé , une exposition itinérante avec un inventaire changeant d'environ 200 œuvres d'art créées en coopération avec des artistes et des artisans des pays respectifs. L'artiste a voyagé dans dix pays de 1984 à 1991 afin de traiter artistiquement chaque culture spécifique - en collaboration avec les artistes locaux. Les stations étaient Cuba et le Chili, le Venezuela, le Tibet et la Russie, le Venezuela, le Mexique, la Malaisie, le Japon et Berlin - en 1990 encore la capitale de la RDA. « Le ROCI a commencé avec ma décision de faire quelque chose contre la crise mondiale », a-t-il déclaré. "Au lieu d'une crise de la quarantaine, j'ai fait un tour du monde."

Faire du vélo , Berlin, 1998

Le New York Guggenheim Museum a ouvert le tour du monde de Rauschenberg en 1998 avec 400 œuvres - dont les plus récentes -. Le deuxième arrêt était Houston dans la construction du Musée des Beaux-Arts . On parlait d'une renaissance de Rauschenberg. L'artiste de 72 ans était présent avec sa mère de 94 ans et a dansé au son de la planche à laver d'un groupe de Tejano après le vernissage au Bayou Club. Cela rappelait la séquence musicale du talent polyvalent et lauréat du prix Grammy, qui a travaillé pour la compagnie de danse de Merce Cunningham de 1951 à 1965 , créé, chorégraphié et composé des décors de scène. L'exposition de l'usine, au moins, s'est ensuite rendue au musée Ludwig de Cologne avec 300 œuvres . Avec 80 œuvres de Rauschenberg, c'est la collection la plus importante et la plus importante d'Europe. Grâce au collectionneur Peter Ludwig , le découvreur et partisan de Rauschenberg, vous pouvez encore suivre la carrière de Rauschenberg ici jusqu'au tout début.

La Fondation Robert Rauschenberg, fondée en 1990, est une organisation à but non lucratif dédiée aux projets de recherche scientifique et d'éducation socio-politique.

En plus de ces activités, l'artiste Rauschenberg est toujours resté présent - les tableaux et sculptures des années 1990 le montrent comme une continuation inventive du concept de « Combine » développé dans les années 1950, c'est-à-dire sa prétention à traduire la réalité en art avec comme peu de perte possible.

Position dans la critique d'art et la classification historique de l'art

La première reconnaissance majeure de Rauschenberg fut la médaille d'or à la Biennale de Venise en 1964. Il remporta un Grammy Award pour sa reprise de l' album Talking Heads Speaking in Tongues . En 1998, il a reçu le Praemium Imperiale , une sorte de « prix Nobel d'art » de la famille impériale japonaise . Robert Rauschenberg a participé à la documenta II (1959), à la documenta III (1964), à la 4e documenta (1968) et également à la documenta 6 en 1977 à Kassel . En 1978, il a été accepté à l' Académie américaine des arts et des sciences et à l' Académie américaine des arts et des lettres .

En termes d'histoire de l'art, Rauschenberg est considéré comme un pionnier du Pop Art américain, bien que son travail multicouche puisse être attribué à plus d'un style. "Il n'y a pas d'autre artiste du 20e siècle qui ait franchi autant de frontières de genre et de style que Robert Rauschenberg."

Son utilisation d'objets du quotidien dans les peintures Combine était un exemple important de la méthode d' assemblage , d' objet trouvé et d' arte povera . Rauschenberg est un artiste postmoderne. Rauschenberg a constamment posé les questions suivantes dans son travail : Comment quelque chose est-il perçu par qui ? Qu'est-ce que la mémoire et qu'est-ce que le temps, qu'est-ce qu'une image et qu'est-ce qu'un objet ? Comment se comportent la production et la réception ? Le sujet principal de Rauschenberg était la communication et la perception. Il s'intéressait également au problème épistémologique - la question de savoir comment la continuité et le changement sont liés les uns aux autres.

L'approche picturale de Rauschenberg était basée sur deux principes de base du modernisme : le collage et le ready-made, et il était avant tout un artiste graphique et peintre. Il a pensé en termes de surfaces et a compris l'espace comme un espace de mouvement - cela confirme son engagement pour la danse. Il s'intéressait à la matière, la forme, la fonction et la motricité ; Objectif plus que spatial et signe plus que volume tridimensionnel.

Pour Rauschenberg, tout peut être de l'art - il y a égalité entre les choses. Tout peut servir l'art, tout a sa beauté et sa justification. Cela a été montré formellement dans ses œuvres : dans ses œuvres complexes, vous rencontrez à peine un centre proéminent. Il rejette les structures hiérarchiques et préfère une répartition démocratique des motifs - une coexistence égale des motifs.

Son art recherche le contact direct avec le spectateur. Il n'exclut d'emblée aucune solution formelle et ignore les frontières culturelles, géographiques et financières.

Parmi les artistes visuels, Rauschenberg était le protagoniste le plus important et le plus actif d'une synthèse de l'art et de la technologie, et ses représentations sont dans une large mesure une expression des réalités culturelles et socio-politiques de la phase dans laquelle elles ont été conçues et créées. .

Biographique

Le peintre, qui d'un clin d'œil se présentait comme un « mélange de chiens des rues », avait des racines allemandes et indiennes : son grand-père, originaire de Berlin , avait épousé une Cherokee . Rauschenberg a vécu et travaillé sur l'île de Captiva . Depuis 1998, il avait un problème de hanche; depuis 2002, il est en fauteuil roulant après un accident vasculaire cérébral avec des symptômes de paralysie. Le travail qu'il a conçu a été mis en œuvre avec l'aide d'assistants. Robert Rauschenberg était dyslexique .

Il est décédé en 2008 à l'âge de 82 ans sur l'île de Captiva, en Floride.

Devis

  • "Pour moi, l'art a à voir avec tout."
  • "Je crois qu'une œuvre d'art est plus réelle lorsqu'elle est fabriquée à partir de parties du monde réel."
  • "Je déteste les idées, si j'en ai une, je vais me promener pour les oublier."
  • "L'art ne devrait pas avoir de concept... C'est le seul concept qui s'applique systématiquement à moi."
  • "Il n'y a pas d'œuvre d'art finie pour moi."

Expositions personnelles importantes

Littérature

  • J. Wissmann : Robert Rauschenberg - Marché noir . Reclam-Verlag, Stuttgart 1970
  • G. Adrien : Robert Rauschenberg . R. Piper & Co. Verlag, Munich 1979
  • Galerie d'art d'État de Berlin : Robert Rauschenberg . Berlin 1980
  • H. Bastian : Beuys, Rauschenberg, Twombly, Warhol . Prestel Verlag, Munich 1982
  • B. Rose : Robert Rauschenberg . Art Aujourd'hui n°3 ; Kiepenheuer & Witsch, 1989
  • R. Rauschenberg en conversation avec Barbara Rose. Traduit de l'américain par L. Gorris. Cologne 1989.
  • Leo Steinberg : Rencontres avec Rauschenberg (une conférence richement illustrée) . Houston / Chicago / Londres 2000.
  • A. Deuxièmement : Robert Rauschenberg . DuMont Buchverlag, Cologne 2004
  • J. Tesch, E. Holland (Ed.) : Art du XXe siècle . Prestel Verlag, Munich 2005
  • art - le magazine d'art ; N°12/2006, p. 42-53
  • Hanno Rauterberg : Entretien avec RR : « J'ai mon paradis ». Dans : DIE ZEIT 12 janvier 2006 N°3. L'artiste du siècle Robert Rauschenberg a 80 ans et est malade, le temps qui lui reste est pour ses tableaux. Il ne veut plus donner d'interviews. Mais ensuite, il parle - de ses origines allemandes, de son amour de l'art des ordures et de la peur de mourir
  • Sara Sinclair, Peter Bearman, Mary Marshall Clark (Eds.): Robert Rauschenberg: An Oral History. Columbia University Press, New York 2021, ISBN 978-0-231-19277-4 .

liens web

Commons : Robert Rauschenberg  - Collection d'images, de vidéos et de fichiers audio

Preuve individuelle

  1. ^ Helmut Schneider : Dessins de Robert Rauschenberg à Tübingen : Quelque part entre l'art et la vie . Dans : Le temps . 25 mai 1979, ISSN  0044-2070 ( zeit.de [consulté le 23 février 2020]).
  2. ↑ First Time Painting a été acquis par Karl Ströher dans les années 1960 , puis en 1981 a été prêté au MMK avec le lot de la collection Ströher acquis par la Ville de Francfort pour le Musée d' Art Moderne et a finalement été transféré à la Collection Marx par les héritiers Ströher vendus.
  3. ↑ Peter Iden , Rolf Lauter : Photos de Francfort. Catalogue d'inventaire du Musée d'Art Moderne. Munich 1985, p.191f. ISBN 978-3-7913-0702-2
  4. ^ Première peinture. 27 août 2014, consulté le 23 février 2020 .
  5. ↑ [1] dans : Focus, n°26 du 22 juin 1998, p.104
  6. ↑ [2] dans : Focus, n°26 du 22 juin 1998, p.102
  7. ^ Membres : Robert Rauschenberg. American Academy of Arts and Letters, consulté le 21 avril 2019 .
  8. ↑ Hanno Rauterberg, dans : Die Zeit du 14 mai 2008.
données personnelles
NOM DE FAMILLE Rauschenberg, Robert
NOMS ALTERNATIFS Rauschenberg, Robert Milton Ernest (nom de jeune fille) ; Rauschenberg, Bob
BRÈVE DESCRIPTION peintre et artiste contractuel américain
DATE DE NAISSANCE 22 octobre 1925
LIEU DE NAISSANCE Port-Arthur (Texas)
DATE DE DÉCÈS 12 mai 2008
LIEU DU DÉCÈS Île de Captiva , Floride