Peinture de vase grec
La peinture de vase grecque est le terme supérieur pour la décoration de la céramique grecque , généralement appliquée avec des couleurs de terre inflammables . Il englobe les décorations de vaisseaux peints de différentes périodes allant de la culture minoenne pré-grecque à l' hellénisme , c'est-à-dire d'environ 2500 avant JC. Jusqu'au siècle dernier avant JC.
Comme il n'y a pratiquement aucune preuve de peinture en dehors de la céramique, ces représentations sont des sources extrêmement importantes pour la culture visuelle, la mythologie et la vie quotidienne dans la Grèce antique. La céramique grecque est l'une des découvertes archéologiques les plus répandues de la Grèce antique et se trouve dans toute la zone de peuplement grecque. En plus de la patrie grecque, qui correspond en grande partie à la Grèce d'aujourd'hui, cela comprend de grandes parties de la côte ouest de l' Asie Mineure , les îles de la mer Égée , la Crète, des parties de Chypre, les zones à population grecque de la Grande Grèce , ainsi que la Grèce. colonies sur la Propontis et la mer Noire . En tant que produit d'exportation, la céramique grecque et donc la peinture de vase grecque ont également atteint l' Étrurie , la péninsule ibérique , le Moyen-Orient , l' Égypte et l'Afrique du Nord . On trouve même des céramiques grecques peintes dans les tombes aristocratiques celtiques .
Toutes sortes de récipients nécessaires au stockage, aux repas, aux cultes et aux célébrations ont été peints. Des récipients particulièrement somptueusement peints et conçus ont été donnés comme cadeaux de consécration dans des sanctuaires ou placés dans des tombes comme cadeaux. La céramique principalement cuite et résistante aux intempéries a été conservée par dizaines de milliers sous forme de récipients intacts ou en fragments. Pour la datation des découvertes archéologiques et le contexte des découvertes, la peinture de vase grecque - comme la céramique grecque en général - est un genre de premier plan.
De nombreux noms de potiers et de peintres sont connus depuis la période archaïque à travers les signatures . Lorsque ce n'est pas le cas, la recherche se contente de noms d'urgence afin de pouvoir attribuer des vaisseaux et des styles de peinture à des mains individuelles. Ils sont basés soit sur des motifs liés au contenu, des traits caractéristiques ou sur la recherche ou le stockage des emplacements de pièces exemplaires. La documentation centrale des vases antiques est fournie par le Corpus Vasorum Antiquorum .
Phases de la peinture de vase
La peinture de vase grec est divisée en différentes phases et sections en fonction de l'époque, de la culture et du style. La division suit les grandes périodes historiques et les différencie en fonction des niveaux de style. Les styles et les niveaux de temps ne doivent pas nécessairement correspondre. La classification commence par la peinture de vase créto-minoenne , suivie par la peinture de vase de la période mycénienne ou helladique tardive, avec laquelle elle coexiste en partie. La peinture de vase, qui est grecque au sens étroit et apparaît après la fin des empires mycéniens et de leur culture, se poursuit vers 1050 av. Avec la peinture de vase dans le style géométrique. Après une phase d'orientalisation au 7ème siècle avant JC BC, au début de la période archaïque, la peinture de vase à figures noires a été développée en premier, suivie par la peinture de vase à figures rouges dans la période archaïque. Cela reste pour la période classique aux 5ème et 4ème siècles avant JC. Chr. Détermination. Il existe également des styles d'autres couleurs, tels que les navires à fond blanc, et à partir du deuxième quart du 4ème siècle avant JC. Les vases Gnathia à fond noir avec leur décoration majoritairement blanche. À partir de la seconde moitié du 3ème siècle avant JC. La production de céramiques décorées de peintures est progressivement abandonnée, seuls les petits récipients décorés simplement et peints de manière éphémère sont encore en cours de fabrication. Ils sont de plus en plus remplacés par des vases décorés en relief.
Peinture de vase grec ancien
Tableau vase crétoiso-minoen
À partir de 2500 avant JC La production de vases peints commence dans la zone culturelle créto-minoenne. Les motifs géométriques initialement simples sont utilisés vers 2000 avant JC. Chr. Remplacé par des motifs floraux, des spirales et autres, qui ont été peints en blanc sur un fond noir mat, dans le soi-disant Kamaresstil . Avec le début de la nouvelle période du palais vers 1650 av. La peinture des vaisseaux a fondamentalement changé. Le style marin aujourd'hui utilisé met principalement en avant la vie marine : nautile et poulpe, coraux et dauphins sont appliqués en entrelacs denses avec des couleurs sombres sur fond clair. À partir de 1450 avant JC Chr. Une stylisation croissante s'installe, les représentations deviennent plus grossières.
Temps mycénien
Vers 1600 avant JC Au début de l' ère helladique tardive , la civilisation mycénienne, première haute culture du continent , émerge de l' Argolide et de la Laconie , dont la peinture en vase a été initialement fortement influencée par la culture minoenne. Les premiers exemples montrent des motifs de couleur foncée, principalement marron ou noir mat sur un fond clair. À partir de la période mycénienne moyenne (Helladique tardive II, environ 1500–1400 avant JC), lorsque la céramique mycénienne s'était établie dans tout le sud et certaines parties de la Grèce centrale, les motifs du monde animal et végétal sont devenus populaires. Peu de temps après 1200 avant JC, ils ont été rejoints par eux dans la phase tardive. La Colombie-Britannique représente également des personnes et des navires. Alors que les céramiques mycéniennes étaient très uniformes et ne révélaient que des différences régionales mineures pendant la période dite des palais mycéniens (Helladic tardif III A et B, environ 1400–1190 avant JC), elles ont commencé à émerger vers le dernier tiers avant JC. Différents styles locaux.
Peinture de vase grec
Style géométrique
Après la chute de la culture mycénienne vers 1050 av. BC et une brève phase sous-mycénienne , la céramique protogéométrique a commencé une nouvelle forme de design dans le monde grec. Dans cette phase précoce jusqu'à environ 900 avant JC Les vaisseaux étaient pour la plupart peints avec de grands motifs géométriques stricts. Les cercles et les demi-cercles dessinés avec une boussole sont typiques. Les séquences de motifs sont disposées dans différents registres, chacun décoré individuellement et séparé les uns des autres par des lignes circonférentielles. Dans le style géométrique développé, les motifs géométriques deviennent plus compliqués. Des méandres élaborés et imbriqués et des doubles méandres sont conçus. Il existe également des représentations stylisées de personnes, d'animaux et d'objets. Les voitures et les guerriers en processions en frise dominent les zones centrales des vaisseaux. Les représentations sont toujours noires, rarement rouges, sur un fond plus clair. Vers la fin du 8ème siècle avant JC Ce type de conception est abandonné.
Phase d'orientalisation
À partir d'environ 725 avant JC. Corinthe a dominé la production de céramique de la Grèce. Dans cette phase précoce, également connue sous le nom de style orientalisant ou protocolaire, de plus en plus de frises figuratives et de représentations mythologiques sont incorporées dans la peinture de vase. La posture, la séquence, les thèmes et la représentation ont été influencés par les modèles orientaux, en particulier les représentations répandues de griffons, de sphinx et de lions ont trouvé leur place dans la peinture de vase de ce style proto-corinthien. La technique de fabrication correspond tout à fait à celle du style à figures noires. Le feu triphasé requis pour cela doit donc avoir déjà été développé à ce moment-là.
Peinture de vase à figures noires
De la seconde moitié du 7e siècle au début du 5e siècle av. Un nouveau style est introduit avec la peinture de vase à figures noires. Les figures humaines sont de plus en plus représentées. Les schémas de composition changent. Les scènes de frénésie, les scènes de bataille, les scènes mythologiques d' Héraklès et la guerre de Troie sont des motifs populaires. Comme dans la phase d'orientalisation, les silhouettes des personnages sont peintes avec glissement ou brillant sur de l'argile non cuite sèche sur cuir. Les détails fins sont sculptés avec un graveur. La zone du cou ou le bas sont marqués par des motifs tels que: à travers des ornements de palmette vrille. Lors du tir, le sol devient rouge, tandis que le ton brillant devient noir. Pour la première fois, Corinthe a également utilisé le blanc comme couleur, principalement pour mettre en valeur la peau des figures féminines.
D'autres centres de production de céramique, comme Athènes , ont également adopté le style corinthien dans leurs produits. Athènes a même dépassé à partir d'environ 570 avant JC. Corinthe dans la qualité de ses vases et dans l'échelle de production. Les récipients correspondants sont appelés céramiques attiques à figures noires .
Pour la première fois, divers peintres et potiers peuvent maintenant être capturés qui commencent fièrement à signer leurs œuvres. L'un des artistes les plus célèbres de cette époque est Exekias . Les autres artistes importants sont Pasiades et Chares . À partir de 530 av. Avec le développement du style à figures rouges, le style à figures noires devient de plus en plus dénué de sens. Cependant, les soi-disant amphores de prix panathénaïques , qui ont été attribuées au vainqueur de compétitions sportives, les soi-disant Panathènes , ont également été utilisées au 5ème siècle avant JC. Chr. Poursuite de la technique des figures noires. À la fin du IVe siècle avant JC Le style a même connu un bref renouveau dans la production de vase étrusque .
Peinture de vase à figures rouges
Vers 530 avant JC Les vases BC ont d'abord été produits dans le style à figures rouges. Le peintre Andokides est généralement considéré comme l'inventeur de cette technique . À l'inverse de la palette de couleurs donnée précédemment, les silhouettes de figures noires n'étaient pas appliquées, mais l'arrière-plan était noirci, laissant de côté les figures à représenter. Les meilleurs dessins internes pourraient être dessinés dans les figures encastrées avec des poils individuels. Différentes consistances du slip permettaient des nuances de marron. Dans les premiers temps du style, ces contraires ont été joués avec la création de vases bilingues , dont certains ont été réalisés selon la technique des figures noires et d'autres selon la technique des figures rouges.
Tout le spectre des scènes mythologiques, mais aussi des représentations de la vie quotidienne, de la vie des femmes et des ateliers ont été montrés. Des représentations compliquées de chevaux et de charrettes, des architectures, des vues de trois quarts et des vues de derrière ont été évoquées afin d'apporter un réalisme jusqu'alors inconnu dans la représentation. Les signatures des peintres sont aujourd'hui souvent utilisées, même si les signatures de poterie prédominent encore. ἐποίησεν (epóiesen - es / il a fait ) se référait généralement au potier, tandis que les peintres signaient ἔγραψεν (égrapsen - es / il dessinait ). Si le potier était aussi le peintre, les deux phrases pourraient se produire. Grâce à ces inscriptions, de nombreux récipients ont pu être attribués à des peintres individuels, donnant un certain aperçu de leur travail et de leur développement.
Déjà au 5ème siècle avant JC D'importants ateliers ont vu le jour dans le sud de l'Italie, utilisant ce style et rivalisant avec les ateliers Attic. D'autres ont également essayé de copier ce style, mais la plupart n'avaient qu'une signification locale.
Peinture de vase à fond blanc
Les navires à fond blanc ont initialement reçu une couleur de base blanche, sur laquelle des scènes noires, à figures rouges ou multicolores ont été peintes. Cette technique était principalement utilisée avec les lekythae, les aryballoi et les alabastrons .
Vases Gnathia
Gnathiavases, du nom du premier site de Gnathia dans les Pouilles , est venu vers 370/360 av. Chr. On. Ce sont les seuls produits de la production de vases sous-italiens qui ont été largement utilisés en Grèce continentale et au-delà. Les vaisseaux sont caractérisés par l'utilisation de couleurs blanches, jaunes, oranges, rouges, brunes, vertes et autres sur un fond verni noir. Symboles de chance, dispositifs cultuels, motifs végétaux caractérisent les peintures réalisées à partir de la fin du IVe siècle avant JC. Surtout uniquement en blanc. La production a continué jusqu'au milieu du 3ème siècle avant JC. Soutenu.
Vases Canosiner
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Environ 300 avant JC Une production purement limitée localement de récipients appelés vases Canosiner, décorés de couleurs hydrosolubles et ininflammables sur fond blanc, a vu le jour dans la ville des Pouilles de Canosa . C'était un produit fabriqué uniquement pour le culte des morts et comme objet funéraire. En plus de la peinture, les navires sont caractérisés par de grandes figures sculpturales rondes qui ont été placées sur les corps des navires. Les marchandises ont été vendues au cours des 3e et 2e siècles avant JC. Fabriqué.
Vases Centuriper
Comme pour les vases Canosiner, le commerce des vases du Centuripe sicilien se limitait au marché purement local. Les navires étaient généralement composés de plusieurs parties et n'étaient pas utilisables. Ils n'étaient utilisés que comme objets funéraires. La peinture était dans des tons pastel, des fonds rose pâle, des personnages de grand format dans des vêtements de différentes couleurs décoraient les corps des vaisseaux, qui étaient pour la plupart richement décorés d'appliques en relief. Les scènes sacrificielles, les adieux et le culte des morts ont été les sujets de la présentation.
Centres de peinture de vase
Les centres les plus importants de la production de poterie grecque et de la peinture de vase se trouvent à côté de l' Attique avec son centre d'Athènes, en particulier de Corinthe . Des vases de Béotie et de Laconie sont également connus .
La poterie grecque et la peinture de vase sont également devenues connues dans le sud de l'Italie à travers les colonies grecques du sud de l'Italie. Depuis le 8ème siècle avant JC La poterie grecque a été imitée en Italie. Les potiers grecs et les peintres de vases peuvent également y avoir émigré. À partir du 4ème siècle avant JC Un style propre développé dans le sud de l'Italie, indépendant des modèles grecs. Les vases de la Basse-Italie se caractérisent souvent par leur taille et le riche décor, dans lequel des couleurs blanches et rouges ont également été utilisées.
Des scènes des sagas grecques des dieux et des héros, mais aussi des scènes de tous les jours, servaient de motifs. Les rites de mariage ou la vie des athlètes ont été transmis à travers de nombreuses représentations de vase. Il existe également un grand nombre de représentations érotiques. En tant que forme spéciale, les vases de l'Italie du Sud appliquent Naïskosvasen pour leur motif éponyme, qui fait référence au culte de la mort et de l'enterrement.
Fabrication et ateliers de vases grecs anciens
La production de céramiques anciennes remonte à des analyses d'argile, des fouilles d'ateliers d'antiquités, des comparaisons avec la poterie moderne et des évaluations d'images de vases. Un certain nombre de tablettes d'argile corinthiennes représentent des scènes de la vie de potiers et de peintres. Des ateliers de poterie sont également représentés sur un total de 16 vases attiques et un skyphos béotien .
Fabrication
Le ton
Pour le moment, l'extraction d'argile est d'une grande importance pour la production. C'est un rocher patiné. Cela a souvent été emporté du lieu d'origine et mélangé avec d'autres éléments. Les éléments ajoutés déterminent la couleur de l'argile après cuisson. L'argile corinthienne a pris un ton jaunâtre, le grenier un ton rougeâtre et le bas italien une couleur gris-brun. L'argile devait être nettoyée de ses impuretés avant le traitement. L'argile a été trempée ou mise en suspension dans un grand bassin de l'atelier. L'argile grossière a coulé au sol et les impuretés organiques restantes ont remonté à la surface. Les boues d'argile épaisses ont ensuite été détournées vers un second bassin, où l'excès d'eau s'est évaporé. Enfin, l'argile a été découpée et stockée humide pendant une longue période. Le processus de putréfaction (également appelé «vieillissement») pendant le stockage a rendu l'argile plus lisse. Les argiles trop grasses (molles) ont dû être rendues plus fermes (durcies) avec du sable ou de la céramique broyée avant le traitement. Les vases figurés d' Athènes ne présentant guère d' émaciation , ces récipients ont été fabriqués avec une argile particulièrement vieillie.
La mise en forme
Une fois que l'argile avait la bonne consistance, elle a été soigneusement pétrie avec les pieds ( Herodotus II 36) et divisée en morceaux individuels. L'argile a été placée sur le tour du potier et centrée de manière à ce qu'il n'y ait pas de fluctuations lorsqu'elle a été tournée. Le plateau tournant existe en Grèce depuis le 2ème millénaire avant notre ère. Chr. Une description littéraire fournit l' Iliade (XVIII 599-601). Le tour du potier était tourné par un assistant assis ou accroupi, ce qui est attesté par de nombreuses photos de vases.
Après avoir été centré sur le tour du potier, le corps du récipient a été détourné de l'argile. Si le récipient était plus haut que le bras du potier, il était composé de plusieurs parties. Les pièces finies ont été découpées dans le plateau tournant avec un cordon, ce qui peut être prouvé par des traces. Les pieds, les poignées et les appliqués (comme les masques en relief) ont été moulés séparément et collés avec de l'argile fine. Les récipients tournés finis ont été placés dans un endroit sec et ombragé pour sécher lentement afin d'éviter les fissures causées par un séchage trop rapide. Dès que l'argile était dure comme du cuir, le vaisseau était «éteint» sur le tour du potier. Le potier coupa l'excès d'argile et dota les bouches et les pieds des arêtes vives typiques des anciens récipients.
décoration
Les vaisseaux ont été peints avant d'être tirés. Le récipient a d'abord été essuyé avec un chiffon humide, puis recouvert d'une teinte brillante très diluée qui a donné à la base d'argile une couleur rougeâtre après la cuisson. Des feuillets d'argile ou d'autres couleurs de terre étaient souvent utilisés pour cela. Les vases étaient soit peints sur le tour du potier, soit le peintre de vases les tenait soigneusement sur ses genoux. Ce processus de peinture est confirmé par de nombreuses photos de vases, des cuissons d'essai et des pièces inachevées.
Dans le cas des vases géométriques, orientalisants et à figures noires, les figures ont probablement été appliquées au pinceau. À la fin de la période géométrique, la peinture de couverture blanche a été utilisée sur certains vases, qui est souvent décollée et révèle des détails que le peintre voulait cacher au spectateur. L'incision des vaisseaux était particulièrement caractéristique de la peinture à figures noires et était probablement copiée des méthodes de travail des artisans de gravure-métal. Les peintres ont utilisé des outils tels qu'un stylo en métal pointu pour gratter. Depuis l'ère protogéométrique, les boussoles ont également été utilisées pour construire des demi-cercles et des cercles concentriques. À partir de la période Protocorinthienne moyenne, des dessins préliminaires peuvent être tracés, qui ont été réalisés avec un morceau de bois pointu ou un instrument métallique pointu. Ces rayures étaient à peine visibles après le tir. Les peintres de vase à figures rouges ont souvent esquissé la représentation en premier. Avec certains navires, il peut être prouvé que les images finies ne correspondent pas aux croquis. Un bon exemple de ceci est une amphore à cou du peintre de Cléophrades , sur laquelle un satyre est représenté avec une lance et une lance, mais qui était à l'origine censée tenir une cuirasse. Les images de vase à figures rouges inachevées montrent que les peintres ont esquissé leurs dessins préliminaires avec une bande jusqu'à 4 millimètres de large. Cette bande peut également être détectée sur les vases finis. Le dessin intérieur a été réalisé avec des lignes différentes. Afin de souligner clairement le contour du corps, des membres et des cheveux, des lignes en relief (lignes en relief faites de ton noir brillant) ont été utilisées. Ces lignes en relief peuvent également être vues dans les vaisseaux à figures noires. Les autres détails ont été dessinés avec un noir profond ou dilués en argile brune. Enfin, l'arrière-plan et l'intérieur des récipients ouverts étaient colorés en noir avec un pinceau épais.
Il y a aussi des inscriptions sur les récipients: des signatures de poterie ou de peintre, des noms ajoutés pour expliquer ce qui est représenté et des inscriptions Kalos. Parfois, il y a aussi des signes rayés sur le fond du navire. Parfois, cela était utilisé pour ajouter le prix, comme une grande version bêta , ou l'incision servait de marque du fabricant.
Processus de gravure
Après séchage complet, les récipients pourraient être mis à feu. Les fours permanents et à court terme ont été utilisés dans les temps anciens. Les fours ont été construits par les potiers eux-mêmes à partir de pierres et de briques des champs et avaient des diamètres différents selon les besoins. Ils étaient partiellement enfouis dans la terre pour faciliter le chargement de la chambre de combustion et retenir la chaleur. Les fours avaient un plan d'étage rond ou rectangulaire et un dôme avec un trou de drainage au milieu. D'un côté se trouvait l'ouverture d'insert pour installer la céramique dans la chambre de cuisson. Cette ouverture a été maçonnée avant de brûler. De l'autre côté se trouvait le trou percutant avec le cou poussant. Au-dessus du Schürkammer (l'enfer) se trouvait le tennis perforé, un sol perforé, soutenu par des piliers. Un deuxième plafond perforé a été placé sous le dôme pour ralentir la montée de l'air chaud. Les récipients de la chambre de combustion étaient placés les uns à côté des autres et des cales d'argile ou des anneaux d'argile devaient empêcher la cargaison de glisser. Des récipients de même forme ont également été placés les uns à l'intérieur des autres, ce qui est mis en évidence par la décoloration en forme d'anneau à l'intérieur des vases antiques. La pièce en enfer était également utilisée pour cuire des céramiques non décorées. Le processus de cuisson étant dangereux et associé à de faux incendies , les potiers ont accroché des tablettes et des masques désastreux sur leurs poêles.
La céramique décorée de personnages devait être cuite dans des fours réglables à des températures allant jusqu'à 900 ° C en utilisant la technique dite de réduction du fer. La couleur a été créée par oxydation et réduction répétées du fer. La fine barbotine d'argile était riche en illite et agglomérée ou frittée plus facilement à haute température que l'argile sur la paroi du récipient. Le processus de cuisson dans la production de céramiques à figures noires et rouges se composait de trois phases et est appelé cuisson en trois phases ou cuisson en trois étapes.
Le feu triphasé
Première phase:
Les différents oxydes de fer présents dans l'argile sont transformés en oxyde de fer rouge (Fe 2 O 3 , oxyde de fer (III)) par un apport d'air suffisant lors de la cuisson à une température d'environ 900 ° C. Cette étape a duré jusqu'à 9 heures.
Seconde phase:
Cette phase n'a duré que 5 à 10 minutes. Du carburant humide a été jeté sur le feu pour créer de la fumée. Le trou de poussée et la sorbonne ont été fermés et l'oxyde ferrique a donc été privé d'oxygène. Cette réduction a conduit à la formation d' oxyde de fer noir (II, III) (Fe 3 O 4 ). Le pot entier est devenu noir.
Troisième phase:
Dans cette dernière phase , le trou de poussée et le conduit de fumée ont été ouverts à nouveau et l'oxyde de fer (Fe 3 O 4 ) des particules non frittées de l'argile de la cuve a été oxydé à nouveau à l' oxyde de fer rouge (III) (Fe 2 O 3 ). La fine barbotine d'argile noircie de la peinture, cependant, était déjà incrustée dans la chaleur comme une glaçure. En conséquence, l'oxygène ne pouvait pas se combiner avec l'oxyde de fer noir (II, III) piégé, et la peinture restait noire, tandis que le reste de l'argile dans le récipient redevenait rouge.
ateliers
Les poteries anciennes variaient considérablement en taille et en structure. Il y avait des potiers errants qui répondaient aux besoins des petites communautés rurales. La plupart du temps, tout ce dont ils avaient besoin était de l'argile utilisable, quelques outils et un tour de potier portable. Les marchandises grossières étaient souvent brûlées dans des feux ouverts. Le quartier de poterie le plus célèbre de Corinthe était à l'ouest de l' agora et à une certaine distance du centre-ville. Sur la base des déchets d'atelier, on peut attester l'existence de plusieurs ateliers, qui étaient situés en périphérie et sur le forum. Les potiers n'étaient généralement pas seulement spécialisés dans un type de produits et, en plus des vases, fabriquaient également des figurines en argile et des tuiles. Il y avait des dépôts d'argile dans les environs immédiats et sur les pentes du château d'Akrocorinthe. Le choix de l'emplacement des ateliers ne dépendait pas seulement des gisements d'argile, mais aussi de la disponibilité du combustible et de l'accessibilité du marché. Puisque les poteries corinthiennes étaient situées à proximité de bonnes terres agricoles, on pense qu'elles étaient également propriétaires terriens et cultivées.
À Athènes, le quartier de la poterie le plus célèbre était le Kerameikos , qui tire son nom du saint patron des potiers. Les potiers d'Athènes ne pouvaient pas toujours extraire eux-mêmes l'argile et étaient donc dépendants des fournisseurs. Des gisements d'argile aux alentours d'Athènes ont été trouvés au cap Kolias , à 15 km , dans la région d'Illissos et à Marousi. Des céramiques de moindre qualité ornées de personnages ont également été produites à l'extérieur du centre (académie, Odos Lenormant), comme en témoignent les déchets de poterie.
Construction des ateliers
Un atelier se composait d'une maison avec une cour spacieuse avec des pièces protégées contre la pluie, des étagères pour le séchage de la céramique, des outils, du combustible et de l'argile, des roues de poterie, des fours, des bassins pour boue l'argile et une bonne alimentation en eau. Il est probable que plusieurs ateliers aient partagé des fours, des puits et des citernes. On sait peu de choses sur le nombre de travailleurs dans un atelier. Platon (Politeia, 467A) mentionne que les potiers ont formé leurs enfants à leur métier. De là, on peut conclure que les poteries anciennes étaient des entreprises familiales.
Des signatures sur des vaisseaux antiques semblent le confirmer: les potiers Tleson et Ergoteles ont signé avec la formule: "Fils de Nearchus". Nearchus lui-même a signé en tant que peintre et potier. On trouve rarement des signatures sur des vases ornés de personnages. Environ 900 des quelque 70 000 vases connus sont signés. Les potiers que nous connaissons de nom sont z. B. Nicosthène et Exékias . Il arrive aussi que les vases soient signés deux fois. S'il ne s'agissait pas de la même personne, le potier et le peintre des vases étaient indiqués séparément.
Réception moderne
Les mécènes et humanistes de la Renaissance italienne connaissaient non seulement l'étrusque et l'italien, mais aussi l'origine grecque des vases, comme en témoigne la correspondance d'Angelo Poliziano. Néanmoins, même après les travaux de Johann Joachim Winckelmann , qui a souligné l'origine grecque des découvertes étrusques et italiques, le terme général étrusque est resté prédominant jusqu'au milieu du XIXe siècle. Ce n'est qu'avec les travaux de fouille qui ont commencé là-bas après la libération de la Grèce que l'origine et l'affectation des vases ont pu être clairement identifiées. Depuis le 19ème siècle, la peinture de vase grecque a été un sujet de recherche intensive de l'archéologie classique .
Le manque de réception de la peinture de vase antique dans l'art de la Renaissance est très étonnant, alors que les récipients en pierre et en métal étaient imités avec empressement et la peinture murale antique a fourni des impulsions décisives pour la peinture de la Haute Renaissance et du maniérisme ainsi que pour la peinture sur céramique. Une des raisons pourrait bien être le manque de couleur dans les vases grecs, qui, même à leur apogée, ne pouvaient rivaliser avec le flamboiement de couleur et de profondeur de la peinture murale ancienne. Par rapport aux possibilités de conception de la majolique moderne d' Urbino , de Faenza, etc. avec une palette de couleurs en constante expansion sur la glaçure d'étain, l'ancienne réduction au rouge et au noir devait paraître pâle et sombre. La valeur matérielle et donc la fonction décorative représentative ont probablement également été déterminantes pour l'évaluation. Ceci est démontré par ce qui est probablement la première reproduction d'un intérieur dans la littérature italienne dans la Novella XLII par Matteo Bandello, où dans l'élégante maison d'une courtisane romaine une étagère avec bellissimi vasi di varie e preziose materie formati, con pietre alabastrine, di porfido, di serpentino e di mille altre specie est décrit. Ce principe de décoration a évidemment également déterminé l'ameublement général des palais romains urbains avec des vases antiques en marbre et pierres semi-précieuses, des sculptures en marbre et en bronze et des bustes - souvent en marbre de différentes couleurs. Ce n'est que dans le Palazzo Chigi Odescalchi que des vases en céramique grecque isolés sont utilisés pour attirer l'attention. Sinon, les vases grecs ne figurent pas sur les natures mortes ou dans les chambres des merveilles, qui avaient au moins un département séparé pour les antiquitas .
L'accueil dans le néoclassicisme des XVIIIe et XIXe siècles est également modeste. À partir de 1770, la manufacture de porcelaine Wedgwood (voir aussi Wedgwoodware ou Portland Ceramics ), la manufacture royale de porcelaine de Naples et la manufacture royale de porcelaine de Sèvres produisent des services de table entiers dans la forme et le décor de la céramique étrusque. A noter en particulier un magnifique vase de la manufacture de Sèvres de 1806 au Louvre , qui glorifie la victoire de Napoléon à Austerlitz. Une réplique d'une tombe étrusque avec des vases en céramique fabriqués par le fabricant anglais Copeland a été présentée à l' exposition universelle de Londres en 1851 . Cependant, rien de tout cela n'a entraîné un changement durable de goût ni même une influence sur le langage formel de la céramique utilitaire, car ici aussi, la peinture de vase antique ne peut pas résister aux nuances de couleur désormais extrêmement raffinées de la peinture sur céramique et porcelaine . Il existe deux paires de tables «Pietra dura» conçues vers 1785 dans le Palazzo Pitti à Florence avec des représentations presque photographiquement exactes selon les principes d'un tableau cartésien de céramiques des collections grand-ducales: une paire montre une gamme de goûts contemporains européens et Porcelaines asiatiques; l'autre paire une combinaison complètement nouvelle de vases grecs, étrusques et sub-italiens dans cette largeur, qui représentent le nouveau goût de l'époque. Les décors du premier couple, qui ont dégénéré en kitsch, sont restés créateurs de saveurs à ce jour. L'architecture intérieure de type Robert Adams n'inclut pas les vases grecs dans la décoration.
Une véritable réévaluation esthétique des vases grecs, en revanche, est apportée par le design intérieur postmoderne. L'arbitraire par ailleurs notoire du postmodernisme permet une intégration non conventionnelle et ludique en tant que pièce unique absolue, presque remplissante: un seul vase sur une colonne de marbre blanc à côté d'un tabouret d'inspiration napoléonienne en simple fer rond avec une couverture de zèbre à l'avant d'un mur de marbre gris vide avec un néo-baroque pâle et lumineux. L'applique murale à cadre blanc peut alors déployer toute sa beauté et sa couleur dans un design aussi sobre et minimaliste.
Preuve individuelle
- ↑ Annamaria Giusti (éd.): Splendori di pietre dure: l'arte di corte nella Firenze dei granduchi . Giunti, Florenz 1988, p. 204-205, ISBN 88-09-20075-6
- ↑ Melanie Fleischmann - Mick Hales: Néoclassique. Vie moderne avec des antiquités . Mosaik Verlag, Munich 1989, p. 97, ISBN 3-570-04466-1
Littérature
- John D. Beazley : Peintres de vases attiques à figures noires . Oxford 1956 [ = ABV ]
- John D. Beazley: Peintres de vases attiques à figures rouges . 2e éd. Oxford 1963 [= ARV² ]
- John D. Beazley: Le développement de la figure noire attique . Éditeur du révérend Dietrich von Bothmer et Mary B. Moore. Berkeley 1986. ISBN 0-520-05593-4 .
- John Boardman : Vases à figures noires d'Athènes. Un manuel (= histoire culturelle du monde antique . Vol. 1). Philipp von Zabern, Mayence 1977, ISBN 3-8053-0233-9 .
- John Boardman: Vases à figures rouges d'Athènes. L'époque archaïque (= histoire culturelle du monde antique. Vol. 4). Philipp von Zabern, Mayence 1981, ISBN 3-8053-0234-7 .
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