Musique pour 18 musiciens

performance

Music for 18 Musicians (également abrégée à 18! ) Est une notation modulaire pour 18 musiciens du compositeur américain Steve Reich , qu'il a écrite entre mai 1974 et mars 1976. La première mondiale a eu lieu le 24 avril 1976 à l'hôtel de ville de New York . La première européenne a eu lieu au Metamusik Festival de Berlin en octobre 1976. On estime que plus de 100 000 disques ont été vendus depuis la première sortie d'ECM Records.

Introduction à la composition

Classification générale

Music for 18 Musicians est considérée comme une œuvre majeure de Minimal Music (American Minimalism), qui, grâce à sa richesse de couleurs, a un impact énorme. L'impact sur la nouvelle scène musicale a été estimé comme immédiat et écrasant.

La composition est assignée à une musique minimale, plus spécifiquement désignée comme un représentant de la musique post-minimaliste . Les termes «nouvelle musique» ou «avant-garde» sont également souvent utilisés. Le compositeur Steve Reich lui-même s'est positionné contre la catégorisation dans les commentaires et les interviews (Steve Reich: je suis intéressé à faire ce qui m'intéresse vraiment, et cela change constamment.). Du point de vue de Reich, l'impression minimaliste est créée en ralentissant le rythme harmonique. Certains auteurs préfèrent la classification (provisoire) comme «musique contemporaine».

Music for 18 Musicians est également considérée comme une œuvre novatrice pour le compositeur lui-même: dans ses deux compositions plus courtes mais non moins électrisantes, "Music for a Large Ensemble" et "Octet", Reich a poursuivi le chemin qu'il avait pris, tandis que dans "Tehillim" il a pour la première fois abordé musicalement ses origines juives pour les voix et l'ensemble. En termes de composition, il rappelle quelque peu "Music in Twelve Parts" de Philip Glass (1971-1974) et, plus lointain, le bien plus ancien " In C " (1964) de Terry Riley . Alex Ross note également des parallèles avec la «Chapelle Rothko» de Morton Feldmann (1971).

Introduction d'usine

La pièce est la première œuvre de Reich pour un plus grand ensemble. Avec des cordes, des bois et des pianos, complétés par des voix, Reich a créé un orchestre minimaliste finement coordonné. Avec Music for 18 Musicians, Reich a pu différencier le processus de mise en phase et le transférer à un ensemble: en utilisant plusieurs instruments, Steve Reich a réalisé une grille très complexe d'une grande variété de structures rythmiques. La structure modulaire sans centre tonal est une musique de processus palpitante.

La composition se compose d'un cycle de onze accords qui s'adressent à l'auditeur avec des motifs rythmiques répétitifs et irisés qui éclatent presque avec une activité nerveuse. Le compositeur a acquis le déphasage en couleur de séquences d'accords individuelles d'une densité et d'une complexité élevées, dont la technique, entre autres, à partir d'études d'expériences psycho-acoustiques et influence des rythmes complexes d'Afrique ou de Bali, les effets d'expansion temporelle hypnotiques, la technique du canon , superpose une pluralité de niveaux musicaux à une nouvelle forme de polyphonie , caractérise l'œuvre.

Certaines sections de la pièce ont une structure arcade ABCDCBA ou sous la forme d'un processus musical, comme le remplacement des pauses par des rythmes, qui fonctionne tout seul du début à la fin. Steve Reich a constaté que cette œuvre avait plus de mouvements harmoniques dans les cinq premières minutes que toute autre œuvre qu'il avait écrite auparavant. Cette évaluation est basée sur le principe de la polymodalité sans centre tonal, ce qui peut être vu dans la tradition de Bartók et Stravinsky . Cependant, l'utilisation de la technique du canon est aussi une indication de références aux traditions musicales du Moyen Âge .

Structure et structure de la composition

Arrangement de l'instrumentation par Music for 18 Musicians (pour le London Sinfonietta, Royal Festival Hall, Londres, 28 avril 2008)

Esquisse de l'arrangement de l'instrumentation de la musique pour 18 musiciens d'après Steve Reich

Général

La performance de la composition dure environ une heure. Il ressemble à un cosmos sonore kaléidoscopique rythmique, minimaliste, en constante évolution, qui semble difficile à attribuer à un genre musical antérieurement existant. Il a souvent été rapporté que les premiers auditeurs se demandaient: qu'est-ce que c'était?

Le journaliste musical américain Robert Christgau a décrit cette indépendance comme un "fac-similé mathématiquement décroissant de l'éternel retour". La tension entre la répétition, considérée comme la caractéristique principale du «minimalisme», et la création de variantes, qui caractérisent dans la plus grande mesure le niveau structurel de Music for 18 Musicians, est au cœur de l'appréciation de l'œuvre.

Le cycle d'ouverture avec onze accords pour 18 musiciens est une sorte de chant palpitant pour l'ensemble de la pièce. La structure de la musique pour 18 musiciens est basée sur un cycle de onze accords qui sont joués au début du morceau et répétés à la fin. Chaque accord est maintenu pendant deux respirations, et l'accord suivant est progressivement introduit, et ainsi de suite, jusqu'à ce que tous les onze soient joués et que l'ensemble revienne au premier accord. Le premier accord palpitant est alors tenu par deux pianos et deux marimbas. Tout en maintenant cet accord palpitant pendant environ cinq minutes, un petit morceau est construit dessus. Lorsque ce morceau est terminé, le deuxième accord change soudainement et un deuxième petit morceau ou section est construit. Cela signifie que chaque accord qui a pris quinze ou vingt secondes dans la section d'ouverture est étiré comme la mélodie pulsée de base pour un morceau de cinq minutes.

Un facteur important dans ce travail est l'expansion des harmonies et des mélodies et la façon dont ils continuent à développer cette pièce. Un autre facteur important est l'utilisation du souffle humain exprimé dans les clarinettes et les voix. Le "souffle" aide à structurer le morceau et à donner des impulsions par crescendo et decrescendo . Le joueur joue la note palpitante aussi longtemps qu'il peut la tenir car chaque accord est mélodiquement déconstruit par l'ensemble, avec l'élévation des notes tenues. Le métallophone (vibraphone purement acoustique) est utilisé pour inciter l'ensemble à changer de motif ou de section. Concrètement: d'une part, le métallophone annonce le passage d'une section à l'autre, d'autre part, il marque les processus formels au sein des sections, et troisièmement, par sa forme rythmique, il indique quelle partie touche à sa fin.

Selon Reich, les sections de la musique pour 18 musiciens sont basées sur le cycle d'accords entendus au début, de sorte que l'ensemble de l'œuvre crée une séquence de pièces courtes qui ressemblent à une expansion harmonique et à une explosion de ce modèle cyclique, résultant en un expérience labyrinthique. La meilleure façon de comprendre la relation entre les différentes sections est d'examiner les similitudes entre les membres de la famille. Certains traits sont partagés, mais d'autres sont uniques.

Organisation saine

La musique pour 18 musiciens « vibre » du début à la fin. Leigh décrit l'organisation sonore de Music for 18 Musicians en trois dimensions selon le principe de stratification: les impulsions comme mesure du temps, l'organisation en motifs et processus. Un motif est une série de notes qui ne changent ni de hauteur ni de durée, comme une texture. Un processus est caractérisé par des moments de développement.

Rhythmiquement parlant, deux types de temps différents sont utilisés qui se produisent simultanément. Le premier est celui d'une pulsation rythmique régulière dans les pianos et instruments à percussion qui se poursuit tout au long de la pièce. Le second est le rythme du souffle humain dans les voix et les instruments à vent. Le souffle est la mesure de la durée de leur pulsation. Cette combinaison de souffle après souffle, qui s'accumule progressivement comme des vagues contre le rythme constant des pianos et des instruments à percussion.

Harmonie

L'harmonie dans Music for 18 Musicians de Steve Reich est basée sur l'échelle diatonique ah-cis-de-fis-gis. En plus de ces tonalités principales, les tonalités g et dis retentissent également.

instrumentation

La composition a été écrite pour 18 musiciens sans virtuoses et tous les instruments jouent dans un ton confortable pour eux. L'instrumentation d'origine était: violon, violoncelle, deux clarinettes (clarinette et clarinette basse), quatre pianistes, quatre voix féminines, trois marimbas, deux xylophones et un métallophone (vibraphone purement acoustique). L'instrumentation est conçue pour que la plupart des instruments soient utilisés en double. Steve Reich a noté que bien que l'œuvre s'appelle Music for 18 Musicians, elle n'a pas nécessairement besoin d'être interprétée par si peu d'instrumentistes car l'œuvre nécessite une duplication importante des notes de la partition. 18 est juste le nombre minimum d'instrumentalistes.

Étant donné que les sections individuelles sont enchaînées de manière transparente, la performance représente une sorte de marathon pour les interprètes en raison du doublement important des notes et de l'épuisement de la capacité respiratoire des voix et des instruments à vent. L'instrumentation est conçue de manière à ce que les instruments soient principalement en doublage peut être utilisé.

structure

En raison de la composition homogène (le manque de phrases contrastées et la décoloration des modules), on pourrait parler d'une œuvre en un seul mouvement. Surtout, la longueur parle d'une dimension symphonique. En fait, il s'agit d'une œuvre modulaire, rappelant à distance les variations musicales d'un thème, et une structure formelle ciblée: la structure de l'œuvre a une courte introduction (pulsation), une longue partie principale variable, divisée en sections, et un finale (impulsion), qui rappelle une réverbération. Selon le principe de «soustraction», les instruments sont en fait estompés les uns après les autres à la fin de l'œuvre. Dans la partie principale, il y a un cercle de onze accords avec des sections d'une durée de deux à sept minutes. Les sections semblent parfois plus claires, parfois plus sombres, ce que le critique Alex Ross a comparé aux changements de temps, qu'il a trouvés dans la section IX comme étant nets, presque expressionnistes. L'impulsion d'introduction ainsi que l'impulsion finale forment un cadre d'image miroir pour le cycle, de sorte que l'impression d'un mouvement circulaire est créée. La fin de l'œuvre semble traduire la dynamique des sections en une décélération dans laquelle les accords sonnent comme de l'air purifié. Cependant, lors de la transition de la section V à la section VI, au milieu de la structure, il y a un changement inattendu de D à C dièse, qui change de manière perturbante le paysage sonore.

Les modules (sections) sont:

1. Pulse (intro)
2. Section I.
3. Section II
4. Section IIIA
5. Section IIIB
6. Section IV
7. Section V.
8. Section VI
9. Section VII
10. Section VIII
11. Section IX
12. Section X
13. Section XI
14. Pulse (outro).

Les modules sont numérotés avec des numéros de mesure qui règlent l'ordre chronologique pour l'ensemble de l'ensemble.

Génération sonore

Bien que la composition soit générée acoustiquement, l'utilisation chromatique des instruments et surtout des voix contribuent au fait que l'auditeur peut percevoir la composition comme générée électroniquement. L'utilisation de l'électronique est limitée aux microphones pour les voix et à certains instruments.

Réception de l'oeuvre

L'œuvre est considérée comme l'une des œuvres clés de la nouvelle musique, dont l'accessibilité a souvent été mise en évidence par rapport à d'autres compositions contemporaines. En tant que prototype du minimalisme américain, il contraste pour certains auteurs avec la tradition parfois stérile ou académique de Donaueschingen ou de la Darmstadt School ( Darmstadt Summer Courses ).

Blair Sanderson d' AllMusic a commenté: «La beauté de ses harmonies palpitantes avec des notes ajoutées et la puissance et la précision soutenues de la performance étaient les caractéristiques remarquables de la musique; et au lieu du son électronique stérile normalement associé au minimalisme, c'était la réponse chaleureuse. un changement bienvenu dans la musique ... qui l'a mis en avance sur ses concurrents en donnant à sa musique plus d'intérêt et d'adaptabilité. "

Jessie Rothwell a commenté sur Classicalmpr.org une expérience physique en écrivant: «Cela peut avoir un effet corporel. Je suis sorti du théâtre avec le sentiment d'être dans un état de rêve. Ce n'était même pas que je me sentais «détendu» exactement; J'avais l'impression que la musique était physiquement entrée dans mon corps et avait tout martelé dans l'immobilité. " ("Cela peut avoir un effet physique. Je suis sorti du théâtre et j'ai eu l'impression d'être dans un état de rêve. Ce n'est même pas que je me sentais vraiment détendu. J'avais l'impression que la musique avait physiquement envahi mon corps et avait tout conduit. dans le silence. "). Il a commenté dans l'introduction: "Encore une expérience quasi religieuse." ("Une expérience religieuse.")

Alex Ross a également décrit l'effet physique de la composition: L'arrêt supposé des sons conduit à se concentrer sur des détails insignifiants, dans lesquels "les plus petits changements développent une force semblable à un tremblement de terre, de sorte qu'un simple demi-ton dans la basse envoie un frisson froid. le long de votre colonne vertébrale. " Ross a analysé: «Dans la musique de chef-d'œuvre pour 18 musiciens de 1976, le rythme palpitant est équilibré par un drame d'harmonie relativement raffiné. La pièce est presque symphonique dans son arc narratif et passe de la lumière à l'obscurité et de nouveau à la lumière. sur un cycle de onze accords, chacun régissant une section de deux ou sept minutes. Au début, les instruments de basse accentuent un ré grave, ce qui donne le sentiment que c'est le centre et la racine tonale de l'œuvre. Mais dans la section V, la basse clarinettes et clarinettes plus bas que Bottom de D à C dièse - un changement décisif dans l'espace physique de la musique. L'harmonie descend vers le do dièse mineur et les six chiffres robustes s'enfoncent. Un changement similaire de temps assombrit la section IX, qui est presque expressionniste dans son intensité perçante. Ce n'est qu'à la fin que les accords de ré et la majeur illuminent l'air. "

David Bowie a inclus Music for 18 Musicians dans sa liste de 25 albums préférés en 2003 et l'a nommé " Balinese gamelan music cross-dressing as minimalism". Reich a fait référence au gamelan balinais dans son introduction à la composition .

Music for 18 Musicians a connu de nombreuses reconstitutions d' extraction et de déconstruction d' artistes contemporains sur la scène électronique (par exemple de Matt Black et Jonathan More de Coldcut ) à des interprétations de jazz nettement plus courtes que la composition originale.

En ce qui concerne l'accessibilité de l'œuvre, il a également été noté que les auditeurs qui assistent rarement à des concerts de musique classique ou nouvelle peuvent facilement s'impliquer dans cette composition. La musique pour 18 musiciens est donc probablement l'une des compositions les plus jouées du 20e siècle aujourd'hui.

Notes du compositeur

Steve Reich (2006)

L'introduction complète de l'usine est disponible chez Ictus .

La partition manuscrite Reich avant la publication se lisait comme suit: " Musique pour 21 musiciens et chanteurs".

Récompenses

En 1999, Reich a reçu son deuxième Grammy pour la composition " Music for 18 Musicians " .

Enregistrements

Il existe maintenant de nombreux enregistrements de la composition, de différentes tailles d'ensemble - des 18 instrumentistes originaux aux petits orchestres.

Premier enregistrement

La première sortie de phonogrammes provient de la première mondiale le 24 avril 1976 à l'hôtel de ville de New York :

• Steve Reich and Musicians: Music for 18 Musicians (ECM New Series) (vinyle LP; sorti le 1er avril 1978) (Durée: 56:30)

Les instrumentistes étaient:

• Shem Guibbory (violon)
• Ken Ishii (violoncelle)
• Elizabeth Arnold (voix)
• Rebecca Armstrong (voix)
• Pamela Fraley (voix)
• Nurit Tilles (piano)
• Steve Chambers (piano)
• Larry Karush (piano, maracas)
• Gary Schall (marimba, maracas)
• Bob Becker (marimba, xylophone)
• Russ Hartenberger (marimba, xylophone)
• Glen Velez (marimba, xylophone)
• James Preiss (métallophone, piano)
• Steve Reich (piano, marimba)
• David Van Tieghem (marimba, xylophone, piano)
• Virgil Blackwell (clarinette, clarinette basse)
• Richard Cohen (clarinette, clarinette basse)
• Jay Clayton (voix, piano)

L'ingénieur du son était Klaus Hiemann.

Sélection des enregistrements de suivi

• Steve Reich and Musicians: Music for 18 Musicians , 1998, Nonesuch ( enregistrement de référence, dit " Nonesuch version ", récompensé par le Grammy Award 1998) (Durée: 61:09)
• Ensemble Modern : Musique pour 18 musiciens , 1999, RCA
• Grand Valley State University (GVSU) New Music Ensemble avec Bill Ryan: Music for 18 Musicians , 2007, Innova Recordings
• Ensemble Signal avec Brad Lubman: Music for 18 Musicians , 2015, harmonia mundi (lauréat du Diapason d'or )

Interprétations (sélection)

• Rough Fields: Musique pour 18 musiciens , (Rough Fields Overdubbed Version) (2014)
• Coldcut: Music for 18 Musicians , (Remixed) (2014) (Durée: 6:08)
• Brad Mehldau et Kevin Hays : Musique pour 18 musiciens , (Jazz-Improvisation) (2011) (Durée: 5:17)
• Erik Hall: Musique pour 18 musiciens , (2020)

Liens Web avec des exemples audio

• SteveReich.com (bio, actualités, discographie, catalogue raisonné , articles, concerts etc.)
• Boosey & Hawkes (avec une introduction du compositeur)
• Steve Reich and Musicians: Music for 18 Musicians , ECM Records (ECM 1129) (Version originale, 29 avril 1976)
• Steve Reich and Musicians: Music for 18 Musicians , Festival d'Automne à Paris, Salle Wagram, Paris, 19 octobre 1976
• Amadinda Percussion Group: Music for 18 Musicians , Concert Hall of Ferenc Liszt Academy of Music, Budapest, Hongrie, 18 mai 1990
• Ensemble intercontemporain & Synergy Vocals: Music for 18 Musicians , Radio France, Cité de la musique (Paris), 12 avril 2014
• Etudiants de la Sibelius Academy, Helsinki & Russell Hartenberger: Music for 18 Musicians , Helsinki Music Center, 3 février 2016
• Temple University Percussion Ensemble avec Mobius Percussion et invités spéciaux: Music for 18 Musicians , Philadelphie, Temple Performing Arts Center, 5 avril 2016
• New Music Ensemble Weimar, Martijn Dendievel: Music for 18 Musicians , Weimar, 6 octobre 2016
• Ensemble de musique contemporaine NU et Ensemble de percussions NU; Musique pour 18 musiciens , Pick-Staiger Concert Hall, Northwestern University, Evanston Ill, 9 février 2017

Littérature

• John Leigh: Recherche sur la musique de Steve Reich pour 18 musiciens. Mémoire, TU Berlin, Berlin 2010 tu-berlin.de (PDF).
• Steve Reich: Écrits sur la musique, Halifax 1974
• Steve Reich: Écrits sur la musique, New York 2002

Preuve individuelle

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