Mise en phase
Dans la musique minimale , le phasage (également le déphasage) décrit une technique de composition dans laquelle deux instruments exécutent la même voix , souvent répétitive , l'un jouant à un tempo régulier , tandis que l'autre se déplace avec une distance croissante avant le premier. Les deux voix sont initialement " déphasées " et progressivement "en phase" à nouveau ( déphasage ). On sent que les deux voix sont jouées au même tempo; il n'y a que des impressions auditives qui peuvent être modifiées en termes de son et de rythme.
Génération et effet
génération
En raison du déphasage, les deux instruments se désaccordent progressivement et produisent d'abord un léger écho, si un instrument joue un peu à la suite, puis un effet de doublage, où chaque note est entendue deux fois, puis un effet de sonnerie complexe et enfin , doublant et résonnant, revient à l'unisson. L'ajustement de phase est l'équivalent rythmique du passage à travers la phase de deux formes d'onde comme dans l'ajustement de phase. Les tempos des deux instruments ne sont quasiment identiques (objectivement pas), de sorte que les deux parties sont perçues subjectivement comme étant au même tempo: les changements ne séparent les parties que progressivement. Dans certains cas, en particulier dans les performances en direct où la séparation progressive est extrêmement difficile, la mise en phase est obtenue en insérant périodiquement une note supplémentaire (ou en en supprimant temporairement une) dans la phrase de l'un des deux joueurs jouant la même phrase répétée, moyennant quoi la phase est décalée. au minimum.
effet
L'effet est similaire à ce que l'on peut entendre lorsqu'un émetteur à ondes courtes est éteint. Étant donné que le signal emprunte plusieurs chemins à travers l'ionosphère, le retard de temps différent signifie que le signal a le son de phase caractéristique.
Travail de pionnier
La découverte comme effet électroacoustique
Un des premiers exemples de musique de phase électroacoustique est " Music for the Stadler Gallery " (1964) d' Earle Brown . L'œuvre contenait quatre enregistrements de la même pièce instrumentale, qui ont été joués en continu avec quatre magnétophones séparés. Au fil du temps, les enregistrements sont de plus en plus déphasés.
En 1965, influencé par l' utilisation par Terry Riley des boucles et des retards de bande, le compositeur américain Steve Reich a commencé à expérimenter les techniques de boucle de bande. Reich a participé à la première mondiale de "In C" de Riley et a suggéré l'utilisation de la huitième impulsion, qui est maintenant la norme pour l'interprétation de la pièce. Au cours de ses expériences, le compositeur américain Steve Reich a fait une découverte capitale: il a constaté que les boucles de bande avec exactement le même matériau musical sur deux magnétophones différents ne fonctionnaient jamais exactement de manière synchronisée, mais devenaient progressivement "déphasées". Le résultat du décalage temporel des enregistrements a été un processus de transformation dans lequel différents timbres, battements et harmoniques pouvaient être entendus. Certains de ces sons avaient un son très différent du segment original du matériel enregistré. Si la source sonore avait une cadence naturelle, le déphasage provoquait des changements incrémentiels dans le rythme perçu à mesure que le matériau dérivait dans et hors de phase. L'utilisation de pistes et de boucles supplémentaires avec un matériau source identique élargit les possibilités de création d'un plus large éventail de relations de phase.
En discutant des aspects techniques de ce que l'on appelle un "processus de déphasage", Reich note qu'il est lié au canon infini , ou canon en anneau , dans la musique médiévale . La différence entre la musique de phase et les canons à sonnerie traditionnels, dans lesquels deux mélodies identiques ou plus sont jouées l'une après l'autre, est que les phrases mélodiques sont généralement de courts motifs répétitifs et que l'imitation n'est pas fixe mais variable.
Reich a reconnu le potentiel d'un changement de phase graduel en tant qu'approche compositionnelle. Ce processus de déphasage progressif a été l'heure de naissance de la musique dite minimale. Pour Steve Reich, c'est devenu l'approche compositionnelle centrale dans tous ses premiers travaux. Cependant, il est également indiqué que la technique a ses origines dans les " New Musical Resources" de Henry Cowell et dans les études de Tempo de Conlon Nancarrow .
Transféré dans une composition avec des instruments
La technologie a commencé dans le " Tape Music " du compositeur Steve Reich, dans lequel plusieurs copies de la même boucle de bande sont lancées simultanément sur différents magnétophones. Au fil du temps, les petites différences de vitesse de bande se traduisent par un effet « flanger » et une séparation rythmique. À partir de 1965, Reich a commencé à rechercher le changement de phase graduel dans le contexte de la musique composée pour instruments.
La musique de phase composée se compose de deux instruments ou plus jouant une phrase répétitive (partie) à un tempo régulier, mais pas identique. Avec un déphasage progressif, le tempo des différents instruments est initialement presque identique, de sorte que les deux parties sont perçues comme sonnant à l'unisson et au même tempo. Au fil du temps, les phrases changent progressivement, créant au départ un léger écho lorsqu'un instrument joue un peu de suite. Ceci est suivi de ce qui ressemble à un doublage avec chaque note entendue deux fois. La chose suivante est un effet de sonnerie complexe, après quoi les phrases reviennent finalement à une position en phase en doublant, en écho et à l'unisson.
Un certain nombre des changements perçus, à la fois dans le phrasé et le timbre, qui résultent de ce processus de phasage sont de nature psychoacoustique. Selon Steve Reich, l'auditeur remarque ainsi un motif dans la musique dans lequel l'oreille capte des sons qui sonnent comme une structure globale continue des sons ou comme une texture.
Utilisation du déphasage dans la composition
Premières utilisations
Steve Reich utilise pour la première fois la technique des phases à titre d'essai pour la partition du court métrage de Robert Nelson "Oh dem Watermelsons". Les compositions de Reich " Come Out " (1966) et " It's Gonna Rain " (1965) ont été créées en utilisant un déphasage. En 1967, il a utilisé la technique de phase, transférée à la musique instrumentale en direct, dans l'œuvre clé d'environ 20 minutes " Piano Phase " (1967). Il consiste en des transformations des six premières notes de la gamme la majeur. " Drumming " (1970-1971) a également été créé selon ce modèle. Plus tard, le changement de phase a été plus immédiat que graduel, c'est-à-dire qu'il s'est effectué progressivement plutôt que progressivement, comme dans " Clapping Music " de Reich (1972).
La poursuite du développement
Avec Music for 18 Musicians (1974-1976), Reich a pu différencier le processus de mise en phase et le transférer à un ensemble: en utilisant plusieurs instruments, Steve Reich a réalisé des grilles très complexes à partir d'une grande variété de structures rythmiques.
Réception de l'approche compositionnelle
John Luther Adams a utilisé la technique dans la pièce orchestrale " Dream in White on White " (1992). Le compositeur américain William Ervin Duckworth les a utilisés pour la pièce pour piano "The Time Curve Preludes " (1977-78).
Un exemple tiré de la musique populaire est " The True Wheel " sur l' album de Brian Eno " Taking Tiger Mountain (By Strategy) ".
Jouer des phases répétitives avec le même tempo mais des longueurs métriques différentes (battements par mesure), comme dans la musique de Philip Glass et d'autres, n'est pas un phasage, mais peut être considéré comme polyrythmique .
Preuve individuelle
- ↑ a b c d Kyle Gann: Musique minimale, impact maximal. Dans: https://nmbx.newmusicusa.org/ . New Music USA, 1er novembre 2001, consulté le 9 décembre 2019 .
- ^ Conseiller résident: Steve Reich. Dans: https://www.residentadvisor.net/ . Resident Advisor, 2011, consulté le 7 décembre 2019 .
- ^ Wim Mertens: Musique minimale américaine: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass . Pro / Am Music Resources, 1988, ISBN 978-0-912483-15-3 , p. 50 f .
- ↑ Alex Ross: Le reste est du bruit . 2e édition. Piper Verlag, Munich 2009, ISBN 978-3-492-05301-3 , pp. 552 f .