Madrigal (musique)

Le madrigal est une pièce vocale polyphonique de contenu principalement profane et une forme musicale importante de chant à la Renaissance et au début du baroque .

fonctionnalités

Le madrigal est à l'origine une forme de poésie très libre originaire d'Italie et qui a servi de base textuelle à une composition (chanson poème). En Italie en particulier, ce genre était très populaire aux XVIe et XVIIe siècles, d'abord comme composition chorale polyphonique, puis aussi comme pièce vocale solo avec accompagnement instrumental. Le texte contient principalement des thèmes profanes; la contrepartie spirituelle du madrigal est le motet .

Dans l'histoire du madrigal, sa forme a changé à plusieurs reprises, mais il a toujours été profane, généralement des pièces chorales à quatre, cinq ou six voix dans un cadre de musique de chambre .

Ils ont offert au compositeur la possibilité de se développer librement et de manière créative indépendamment de la musique sacrée dominante et fortement formalisée . Contrairement à ce qui était d'usage pour la musique profane à l'époque, le madrigal était composé de manière complexe et orienté vers l'expression émotionnelle. En particulier, la possibilité non seulement de reproduire le texte, mais aussi de lui permettre de se réaliser de manière créative par le chant et l'instrumentation avec des effets onomatopées , a permis à de nombreuses nouvelles techniques musicales d'émerger en très peu de temps (comme le trémolo et le pizzicato ). Des madrigals ont également été arrangés pour divers instruments de musique.

Au cours de son développement, le madrigal est également devenu un noyau d'autres formes de musique profane, mais aussi sacrée, comme la cantate , l' oratorio ou l' opéra (avec Claudio Monteverdi ).

Origines

Le madrigal a été créé dans les années 1520 autour des Papes Médicis Léon X et Clément VII et de la famille bancaire Strozzi, qui ont concouru avec les Médicis , d'abord à Florence puis à Rome. Il est issu des décors florentins «non publics» de Ballata et Barzelletta de l'ancienne génération de compositeurs florentins ( Alessandro Coppini , Giovanni Serragli , Bartolomeo degli Organi , Bernardo Pisano ). Ils utilisent les techniques de composition du motet latin et des chansons françaises de la Renaissance des maîtres franco-flamands travaillant en Italie tels que Josquin Desprez , Loyset Compère , Antoine Busnois et Heinrich Isaac . Contrairement à des recherches plus anciennes, il n'y a pas de chevauchement des sources entre la Florentine Barzelletta et la Frottola du nord de l'Italie .

Le madrigal n'est pas lié au madrigal italien Trecento de la fin du 13ème et du début du 14ème siècle, principalement des compositions vocales non accompagnées en deux parties, rarement en trois parties, de conception simple. Au cours des XIVe et XVe siècles, le terme est tombé en désuétude à des fins musicales, lorsque ces madrigaux n'étaient reflétés que comme une forme littéraire (voir Madrigal (littérature) ).

L'origine du nom n'est pas claire; une dérivation de cantus matricalis , c'est-à-dire de «chant dans la langue maternelle», c'est-à-dire avec un texte profane comme pendant au latin des œuvres sacrées, ainsi que de mandra («troupeau») est concevable, puisque les premières œuvres étaient également dénommé «mandriaux».

l'histoire

Le madrigal était la forme de musique profane la plus importante de son temps. Il a connu son apogée dans la seconde moitié du XVIe siècle. Au milieu du XVIIe siècle, cependant, il perdit progressivement de son importance.

Ancien madrigal (1520–1550)

Bernardo Pisano peut être considéré comme un pionnier des premiers madrigalistes qui ont préparé le terrain pour Philippe Verdelot , les deux frères Costanzo et Sebastiano Festa ainsi que Jacques Arcadelt , qui ont développé leur talent sur sa fondation. Son estampe musicale Musica di meser Bernardo pisano sopra le canzone del petrarca de 1520, la première estampe individuelle avec des compositions d'un seul compositeur en italien, contient des textes de Pétrarque et montre pour la première fois les paramètres des nouveaux courants littéraires Bembismus ( Pietro Bembo ) et Le pétrarkisme , qui ne diffère que peu des premiers madrigaux de Verdelot.

1530 apparaît à Rome avec Madrigali de diversi musici ... primo libro de la Serena , la première musique imprimée avec le mot Madrigal dans le titre. Désormais, les impressions individuelles ont augmenté. La forme fut rapidement adoptée, par exemple par Costanzo Festa et Jacques Arcadelt en 1539. À ses débuts, le madrigal mettait en musique la poésie classique italienne , combinant ainsi textes profanes et musique. Au début, il est généralement composé de quatre parties (rarement cinq ou même six parties) et est défini de manière homophonique ; les textes sont en un seul couplet avec une ou deux paires de rimes en séquence libre. La forme a été bientôt enrichie par Adrian Willaert , qui a imposé la voix à cinq voix, et qui a composé les premiers madrigaux chromatiques par son élève Cyprian de Rore .

Le premier madrigal était encore localement limité à Florence et à Rome. Ce n'est qu'à l'apogée que Willaert a poursuivi son développement à Venise et dans d'autres régions d'Italie.

Madrigal classique (1550–1580)

Dans cette phase, le madrigal a gagné en expression et en diversité formelle. Essentiellement en cinq parties, alternant homophonique et polyphonique , et avec de forts contrastes rythmiques et harmoniques, des moyens sont utilisés pour l'expression musicale du texte, qui perdent sa rigueur formelle et permettent ainsi à la forme de devenir plus libre. Les représentants les plus importants de cette période sont Orlando di Lasso , Luca Marenzio , Andrea Gabrieli , parfois Giovanni Pierluigi da Palestrina et Philippe de Monte (à la cour de Prague avec Rudolf II et à la cour des Habsbourg avec Maximilien II ). Cette dernière marque également le début de l'avancée triomphale du madrigal en Europe.

Madrigal tardif (1580-1620)

Dès les années 1560 et 1570, l'Angleterre est entrée en contact avec la nouvelle forme grâce à l'activité d' Alfonso Ferrabosco à la cour de la reine Elizabeth I. Bien que les premières imitations de compositeurs anglais soient déjà en cours d'écriture à cette époque, l'épanouissement de la forme en Angleterre ne débuta qu'en 1588 avec l'apparition d'un recueil de madrigaux appelé Musica transalpina avec des textes traduits en anglais , publié par Nicholas Yonge. La collection extrêmement réussie a déclenché de manière explosive l'émergence de ce qui est probablement la culture madrigale la plus riche en dehors de l'Italie avec des représentants tels que Thomas Weelkes , John Wilbye , William Byrd , Orlando Gibbons , Thomas Morley , Thomas Tomkins et Thomas Bateson et a laissé un type indépendant de madrigal. , l' Ayre , dans les années 1620 , qui, avec une popularité croissante, fit oublier le madrigal.

Le madrigal s'est également répandu dans d'autres pays, quoique moins fortement. En Allemagne, le madrigaliste le plus important était Hans Leo Hassler ( tête pleine de sang et de blessures ), mais Johann Hermann Schein et parfois Heinrich Schütz ont également contribué de manière significative au développement du madrigal allemand.

( Extrait audio ? / I ) Chromatiques dans le madrigal de Gesualdo Dolcissima mia vitaFichier audio / échantillon audio

En Italie également, les développements ne sont pas restés immobiles. Plein d'expérimentation chromatique (voir exemple audio et partition) et avec un entrelacement contrapuntique des différentes voix, en particulier l' œuvre madrigale de Carlo Gesualdo et les premiers livres madrigaux de Claudio Monteverdi, avec leur extrême augmentation d'expression, laissent déjà l'équilibre de la musique de la Renaissance derrière eux et annoncent le baroque. Les modèles de texte sont également de plus en plus gratuits: généralement de six à treize versets de sept et onze syllabes en rimes libres donnent beaucoup d'espace à la musique. La compréhensibilité du texte est négligée au profit de la représentation musicale. Dès 1601, Giulio Caccini écrivit dans son Le nuove musiche des airs et des madrigaux pour voix et basse continue ; Monteverdi a continué à développer cette basse figurée dans ses livres de madrigal à partir de 1605. Son huitième livre Madrigali guerrieri et amorosi de 1638 est généralement considéré comme l'achèvement du madrigal.

Dans le même temps, le madrigal avait atteint la fin de son développement. La monodie baroque a remplacé la polyphonie de la Renaissance et l'émergence de nouvelles formes telles que l' opéra , le récitatif et l' oratorio a ouvert d'autres horizons. Le madrigal s'est rompu sous des formes telles que la cantate et le dialogue , et a cessé d'exister en tant que forme indépendante. Les exemples qui ont émergé plus tard sont généralement le recours pur à un répertoire complet de formes. Même les compositeurs du XXe siècle ont parfois suivi sa tradition, mais la plupart du temps sans la rigueur formelle du modèle, par exemple dans le Black Madrigal de Mauricio Kagel ou dans les Trois Comédies Madrigal de Péter Eötvös .

Grands madrigalistes

Premiers jours Climax Période tardive

École anglaise

Voir également

Littérature

Preuve individuelle

  1. ^ Karl Vossler : Le Madrigal allemand. Histoire de son développement jusqu'au milieu du XVIII. Siècle. Weimar 1898, p. 1-12.