piano

piano
anglais :  piano , italien :  pianoforte
Deux pianos - piano à queue et piano droit.jpg
Piano à queue et piano droit
classification Instrument à clavier cordophone
gamme Gamme de piano.svg
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Instruments connexes

Celesta , clavecin , dulcimer

Musicien
Liste des pianistes
Catégorie : Pianiste

Piano (du latin clavis "clé", le latin médiéval clavis "clé") aujourd'hui appelé l'instrument de musique moderne et avancé pianoforte , c'est-à-dire un piano à cordes, dans lequel sur un bouton via un mécanisme spécial des marteaux contre des cordes sont frappés. Le terme également commun de pianoforte , ou piano en abrégé , est né du fait que le pianoforte offrait pour la première fois la possibilité de changer continuellement le volume à tout moment entre doux (piano) et fort (forte) au moyen de la vélocité, contrairement à pour exemple, le clavecin , qui utilise les cordes pour être pincées par un mécanisme. Les principales formes actuelles du piano sont les ailes ( piano à queue anglais ) et le piano droit (piano droit, piano droit anglais ). Ce dernier est presque toujours appelé piano aujourd'hui et est souvent assimilé à ce terme.

Historiquement, le piano, jusqu'au 19e siècle dans l'orthographe clavier ou clavir , désignait généralement tout instrument à clavier , parfois simplement un clavier , c'est-à - dire une partie d'un instrument.

Le piano d'aujourd'hui est exploité comme un instrument à clavier, un instrument à percussion dans son type d'excitation et, à cause du milieu vibrant, un instrument à cordes .

Désignations

Dans la théorie musicale médiévale, le mot clavis ( latin pour « clé ») désignait un ton marqué d'une lettre. Parce que les lettres de ton étaient parfois écrites directement sur les touches de l' orgue , le terme clavis pouvait être transféré à la touche elle-même. Dans la musique notée, les lettres de ton étaient écrites devant le système de lignes, de sorte que la désignation était également transférée à la clef . Dans le mot anglais key , les multiples significations « key, pitch of a fixed height, key, clef » ont été conservées à ce jour.

Pour l'intégralité de toutes les claves (« clés »), le mot allemand clavier a été utilisé sur le clavier français [ klaˈvje ] « clavier, clavier » . Jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, tous les instruments à clavier, quel que soit le type de génération sonore, y compris les orgues ( pianos à vent ), étaient regroupés sous ce nom ( Sebastian Virdung , 1511 ; Jakob Adlung , 1758).

En 1619 , Michael Praetorius a appelé tous les instruments à cordes en son via un clavier clavicordium - les deux tangentes pianos ( en particulier les clavicordes au sens étroit) et les pianos à cordes pincées ( clavecins , virginal et épinettes ). Dans son manuel Tentative sur l'art véritable de jouer du clavier (1753), Carl Philipp Emanuel Bach qualifiait les joueurs de tous les instruments à clavier à cordes, y compris le très jeune pianoforte, de claviéristes. Le clavecin s'appelait l'aile, le clavicorde le clavicorde et le pianoforte forte piano. Au 19ème siècle, le mot piano est devenu généralement accepté comme un terme pour les instruments à clavier avec action de marteau.

En 1960, l'historien de la musique Friedrich Wilhelm Riedel a recommandé que le terme « clavier » soit transféré de cette manière à tous les instruments à clavier, car dans la musique ancienne, le choix de l'instrument à clavier était souvent laissé libre.

Le nom aussi commun de piano est la forme abrégée de pianoforte (de l'italien piano [ ˈpi̯aːno ] « leise » et forte [ ˈfɔrte ] « fort »). Cela fait référence au fait que sur les pianos à marteaux - contrairement aux instruments à clavier plus anciens - de grandes différences de volume peuvent être obtenues en frappant les touches avec des forces différentes (voir dynamique (musique) ).

Souvent, le terme piano est utilisé uniquement pour décrire le pianino (italien « petit piano », cordes verticales), contrairement au piano à queue (cordes horizontales). Depuis l'invention des instruments à clavier à génération de sons électrique, électronique ou numérique ( pianos numériques ), il est principalement réservé aux instruments de construction acoustique-mécanique, tandis que le mot piano comprend également les pianos numériques qui tentent de simuler le son et le toucher de la instrument acoustique-mécanique de façon réaliste.

histoire

Préformes

Les instruments à clavier à cordes remontent historiquement au monocorde . Plusieurs monocordes se sont développées dans la cithare à deux mains sur radeau ou tube . Dans les temps anciens, cela se traduisait par des orgues joués avec des clés d'une part, et divers instruments à cordes pincées, frappées ou frottées d'autre part, dont le psaltérion .

L' organistrum du XIIe siècle - une vielle dont la longueur des cordes peut être modifiée à l'aide de touches tangentes - est considéré comme un maillon intermédiaire dans le développement des instruments à clavier à cordes. En 1397, un avocat de Padoue mentionna pour la première fois un psaltérion à clavier . 1404, le Minneregeln d' Eberhard von Cersne mentionne pour la première fois un clavicorde et un clavicymbolum . En 1425 un tel instrument apparaît sur un retable de Minden , en 1440 Arnaut Henri de Zwolle décrit ce nouveau type d'instrument dans un traité, notamment un dulce melos , qui est actionné avec un mécanisme à marteau et est apparenté au dulcimer .

Ajout d'un clavier élaboré à la fin du Moyen Âge à partir du monocorde et du psaltérion, le clavicorde (fixé en appuyant sur les tangentes associées frappent les cordes) et à la Renaissance , le virginal et le clavecin ainsi que leurs variantes Clavicytherium et épinette , le son de qui en traçant les cordes est créé avec une quille.

La forme d'aile du clavecin devint finalement le modèle des premiers pianos.

Bartolomeo Cristofori (1655-1731)

Cristofori fortepiano de 1722 au Musée national des instruments de musique à Rome
Le mécanisme de poussée de Cristofori de 1720

À la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, de nombreuses expérimentations ont été menées afin de construire un instrument à clavier permettant un jeu dynamique (graduations douces, fortes et fines) en appuyant sur des touches de différentes forces. Le premier à réussir fut Bartolomeo Cristofori , un luthier italien de Padoue , qui était employé à la cour de Ferdinando de 'Medici à Florence comme facteur de clavecins de la cour et conservateur de la collection d'instruments de musique depuis 1690 au plus tard . L'inventaire des instruments de musique de 1700 répertorie un « arpicembalo che fà il piano e il forte » (clavecin pouvant jouer fort et faiblement), qui est généralement daté de 1698 et peut être considéré comme le premier pianoforte . Vraisemblablement, Cristofori a construit un prototype dans les ateliers du rez-de-chaussée des Offices dès 1694. Après une rencontre avec Cristofori, l'écrivain et journaliste romain Scipione Maffei a publié un article dans le Giornale dei letterati d'Italia en 1711 sur un instrument construit par Cristofori vers 1709, le « gravicembalo col piano e forte » (clavecin avec (capacité à) doucement et fort). Cet article contenait une esquisse des mécanismes de jeu spéciaux et une description détaillée des mécanismes grâce à la traduction en allemand desquels le facteur d'orgues Gottfried Silbermann construisit son premier pianoforte en 1726.

Les instruments de Cristofori étaient déjà étonnamment matures. Le mécanisme comporte un mécanisme dans lequel le marteau est projeté contre la corde au moyen d'un vérin et d'un levier de transmission (mécanisme d'impact avec un entraîneur, c'est-à-dire un levier de transmission intermédiaire) ; un soi-disant relâchement (découplage du marteau du mouvement de la touche peu avant l'arrêt) empêche le marteau d'être enfoncé et d'amortir involontairement les cordes. Les sourdines séparées par le son empêchent les cordes, qui sont plus fortes que le clavecin, de continuer à sonner après le relâchement de la touche. Cristofori utilisait déjà des cordes doubles (deux cordes par ton) pour augmenter le volume du son, ainsi que le mécanisme una corda depuis 1722 ; les instruments comprenaient quatre octaves (aujourd'hui principalement 7 13 , voir ci-dessus sous le clavier ). Il avait soigneusement renforcé le boîtier de l'instrument pour les forces de traction nettement plus élevées du piano à marteaux.

Malgré leur excellente qualité, les premiers pianos en Italie n'ont pas rencontré un grand écho, probablement en raison de leurs coûts de fabrication relativement élevés par rapport au clavecin et de leur sonorité initialement faible, c'est pourquoi Cristofori a cessé de construire des pianos en 1726. Jusqu'à la fin de sa vie, il se consacre à nouveau à la fabrication de clavecins. Il a fait un total de près de 20 pianosfortes, dont trois sont encore conservés aujourd'hui. Le plus ancien spécimen connu de 1720 se trouve au Metropolitan Museum of Art de New York , un de 1722 au Musical Instrument Museum de Rome et un de 1726 au Musical Instrument Museum de l'Université de Leipzig .

Deux étudiants et compagnons de Cristoforis, Domenico del Mela (1683 à environ 1760) et Giovanni Ferrini (environ 1699 à 1758), ont également construit des instruments à marteaux. une. ont gagné en popularité dans la péninsule ibérique et ont établi leur propre tradition dans les cours royales d'Espagne et du Portugal. En 1732, Lodovico Giustini composa la première musique écrite spécialement pour le pianoforte à Florence, qui contenait des instructions sur la façon d'augmenter ( crescendo ) et de diminuer (decrescendo) et fut jouée à l'occasion d'une visite diplomatique du prince héritier portugais aux Médicis. tribunal de Florence . Le prince fit aux apprentis Christofori des offres de continuer à travailler au Portugal sous son parrainage, ce qu'ils acceptèrent ; ils l'ont accompagné sur le chemin du retour au Portugal. Cela a donné naissance à la tradition de fabrication de pianos portugais et espagnol.

En Italie, en revanche, la tradition de la fabrication du piano a pris fin pendant de nombreuses décennies après la mort de Ferrini.

Gottfried Silbermann (1683-1753)

Piano Silbermann Forte de 1746, dans le palais de la ville de Potsdam
Aile de pyramide de Christian Ernst Friederici dans la Maison Goethe à Francfort

Certaines inventions indépendantes en France, Cuisinés Clavier (1708) et Clavecin à maillets de Jean Marius (1716), toutes deux vraisemblablement inspirées du Pantaléon de Hebenreit , ne semblaient pas dépasser le statut de bibelots en raison de difficultés techniques. L'étincelle, cependant, a sauté sur l'Allemagne, qui, avec l'Angleterre, apportera une contribution significative au développement du piano moderne pour les décennies suivantes. Le professeur de clavicorde allemand Christoph Gottlieb Schröter a inventé vers 1717 deux mécanismes de marteau pour clavecin, qu'il n'a pas pu développer davantage pour des raisons financières. Néanmoins, il a longtemps été considéré comme l'inventeur du piano. L'un des facteurs d'orgues les plus importants de l'époque baroque, Gottfried Silbermann , fit la connaissance d'un pianoforte de l'atelier de Cristofori en 1717. L'instrument est arrivé à Dresde dans un train de musiciens. Ils ont fait suite à une invitation à créer trois nouveaux opéras d' Antonio Lotti au tribunal électoral . Avec Johann Ulrich von König, il a pu examiner l'instrument et König a traduit la description de la mécanique de Maffei en allemand. Silbermann avait le savoir-faire et les moyens financiers nécessaires pour développer son propre modèle basé sur la mécanique de Cristofori, qu'il put présenter en 1726. Il a ensuite construit un autre pianoforte. « Le bienheureux Kapelm en avait un. Monsieur. John Sebastian Bach vu et enregistré. Il en avait loué le son, l'avait même admiré : mais l'avait reproché de sonner trop faible à haute altitude, et même trop difficile à jouer. C'était M. Silbermann, qui ne pouvait être critiqué pour son travail, reçut un très mauvais accueil. Il s'est donc longtemps fâché contre M. Bach.» Néanmoins, Silbermann a travaillé à l'amélioration de ses instruments pendant près de dix ans et a finalement obtenu la reconnaissance de Bach. Après l' arrivée au pouvoir du roi Frédéric II de Prusse , le facteur d'instruments de Freiberg a pu livrer 15 instruments à la cour de Potsdam. En 1747, Jean-Sébastien Bach improvisa son Ricercare en trois parties devant le roi sur l'un de ces pianoforte. Cet instrument, aujourd'hui conservé au Nouveau Palais Potsdam , est une réplique de la société Neupert.

A cette époque, le pianoforte avait apparemment déjà une bonne réputation. C'était l'instrument à clavier le plus universel et un excellent outil sonore pour un musicien professionnel. Les pianos à marteaux, connus sous le nom de Piano Fort de Silbermann , avaient un mécanisme de rebond. Un nouvel ajout était un déclencheur d'amortissement avec des leviers à main, qui fait depuis partie de l'équipement de base de chaque piano (aujourd'hui via la pédale forte).

De nombreux étudiants de Silbermann ont continué son travail et l'ont développé davantage. Christian Ernst Friederici s'est montré particulièrement innovant . Il fut le premier à construire un piano carré et expérimenta beaucoup avec les instruments droits ; ses ailes pyramidales sont célèbres et impressionnantes. Douze des étudiants de Silbermann (donc aussi appelés « les douze apôtres ») ont fui en Angleterre pendant la tourmente de la guerre de Sept Ans , où ils ont établi la tradition de la fabrication de pianos anglais.

Johann Andreas Stein et la mécanique viennoise

Pianoforte de Johann Andreas Stein, Augsbourg 1786, au Musée des instruments de musique à Bruxelles

Le facteur d'orgues Johann Andreas Stein a appris son métier auprès de la branche alsacienne de la famille Silbermann à Strasbourg . Il fonde son propre atelier à Augsbourg en 1750 et commence à développer ses propres pianos. Il a fait des changements décisifs qui ont eu un impact durable sur la fabrication de pianos dans les décennies suivantes. Il a amélioré le mécanisme de rebond de Silbermann en ajoutant un déclencheur, ce qui le rendait plus facile à jouer. Ce mécanisme à languette de pincement a été créé vers 1781 et est devenu connu sous le nom de mécanique allemande . Les boîtiers de ses instruments étaient construits de manière beaucoup plus robuste et souvent contreventés. La table d'harmonie était plus puissamment dimensionnée et nervurée partout sous tension. Toutes ces innovations ont donné aux pianos à marteaux de Stein un nouveau caractère sonore. Ils étaient plus brillants, plus pénétrants et plus présents. Le nouveau pouvoir d'expression a suscité l'enthousiasme des compositeurs et des musiciens et a ainsi créé la base du piano en tant qu'instrument soliste.

Les descendants de Stein continuèrent l'affaire, ses enfants Andreas et Nanette s'installèrent à Vienne en 1794 . Après d'autres améliorations, le mécanisme de Stein est devenu connu sous le nom de Wiener Mechanik et a été adapté par de nombreux facteurs de piano. En particulier, le receveur , un bloc de serrage recouvert de cuir sur la clé, a grandement amélioré la mécanique du jeu. Il empêche le marteau tombant des cordes de rebondir et de créer un double ton involontaire.

A cette époque, Vienne était, aux côtés de Londres, une métropole mondiale de la musique et un vivier idéal pour les artistes et les inventeurs. Plus de 100 facteurs d'instruments étaient temporairement actifs à Vienne, les frères Stein ainsi que Joseph Brodmann , Conrad Graf et Anton Walter étant très respectés .

Développement en Angleterre : piano carré, mécanique anglaise, struts

Piano carré, Riga vers 1855, au Musée des instruments de musique de Berlin

Contrairement à Johann Andreas Stein, qui a développé le mécanisme de rebond de Silbermann, les facteurs de piano anglais, y compris de nombreux étudiants de Silbermann qui avaient émigré en Angleterre pendant les troubles de la guerre de Sept Ans, ont directement utilisé le mécanisme de rebond de Cristofori. Pour des raisons pratiques et financières, Johann Christoph Zumpe réalise son premier piano carré entre 1760 et 1762 . C'était un instrument économique avec un mécanisme simple et peu de décorations. Mais le piano carré est devenu un véritable succès à Londres. Il est devenu à la mode d'en posséder un que Zumpe "ne pouvait pas produire assez vite pour satisfaire les demandes du public". Maintenant, de nombreux autres facteurs de pianos londoniens ont également commencé à construire des pianos de table. Le prix relativement bas par rapport au pianoforte et au clavecin a permis à la bourgeoisie d'acquérir un instrument. Le succès commercial du piano de table en Angleterre a jeté les bases pour que le piano devienne finalement l'un des instruments les plus populaires et les plus répandus de la bourgeoisie européenne.

Aussi Backers Americus développé par environ 1 772 une nouvelle mécanique jack. Après des améliorations par Robert Stodart et John Broadwood , cela est devenu connu sous le nom de mécanique anglaise . John Broadwood, contremaître écossais, puis gendre de Burkhard Tschudi, un Suisse émigré à Londres, fut probablement l'un des premiers à utiliser des méthodes scientifiques pour améliorer la mécanique et le son. Il a déterminé la position optimale à laquelle le marteau doit frapper la corde pour qu'elle sonne plus ample. Depuis lors, les cordes de piano ont été frappées à environ un septième à neuvième de leur longueur sonore, un nombre impair afin d'obtenir des harmoniques et un enrichissement sonore. Pour la première fois, Broadwood a ponté l'arbre du marteau, qui a affaibli la structure de l'aile, avec un support en acier, le début du développement du contreventement intérieur des ailes. La pince de pont à tige de marteau lui a permis d'élargir la plage du clavier d'une octave. L'augmentation et l'amélioration de la qualité des supports intérieurs ont ensuite entraîné l'élargissement de la plage de hauteur aux 88 touches utilisées aujourd'hui en quelques décennies. Les inventions de Broadwood ont été extrêmement réussies. Vers la fin du XVIIIe siècle, il produisait environ 400 pianos par an, nettement plus que tout autre fabricant. Dans les premières décennies du XIXe siècle, Broadwood est devenu le plus grand facteur de pianos au monde.

Développement dans la première moitié du XIXe siècle

Ludwig Emil Grimm : L'homme au piano, 1826

Au début du XIXe siècle, deux mécanismes de piano à queue prédominaient : le mécanisme viennois, qui remonte à Johann Andreas Stein, et le mécanisme anglais (jack mécanisme) développé par Backers, Stodart et Broadwood. Les instruments dotés de la mécanique viennoise étaient de conception plus délicate. Le son était plus fin et plus doux. Mais les musiciens et compositeurs du romantisme naissant ont exigé plus de puissance, de volume, une gamme de hauteurs plus large et plus de possibilités d'expression, de sorte que la mécanique anglaise est devenue de plus en plus populaire. Un certain nombre d'ajustements ont été nécessaires pour amplifier davantage le volume sonore. Plus de son nécessite des marteaux plus gros et plus lourds. En raison de la conception, cela pourrait être mieux réalisé avec la mécanique du vérin anglais. Entre 1750 et 1850, le clavier est passé d'environ cinq à sept octaves et demie. La tendance vers un plus grand volume et une plus grande plage nécessitait des cordes plus nombreuses et plus épaisses, dont l'énorme force de traction devait être absorbée. Le chemin menait finalement à la charpente en fonte via des entretoises supplémentaires et des entretoises en fer (à partir de 1799). Les premiers brevets pour cela viennent de Broadwood (1827), Chickering (1843) et la forme désormais courante de Steinway & Sons (1859). À partir de 1824, les cordes de piano étaient fabriquées à partir d'acier moulé plus résistant. La couverture à cordes croisées inventée en 1830a permis aux cordes d'être disposées en deux groupes empilés en diagonale. Cela a apporté des avantages pour la statique de l'instrument et a rendu possible des cordes plus longues dans des instruments plus courts ou plus bas.

Maquette d'un mécanisme Erard vers 1834

Une innovation de Johann Heinrich Pape (1789-1875) en 1826 devait avoir des effets profonds sur le son du piano et le changer fondamentalement. Il n'a pas enveloppé les têtes de marteau avec du cuir, comme d'habitude auparavant, mais avec un revêtement en feutre . S'il est manipulé correctement, le feutre peut être plus résistant que le cuir et peut également être mieux traité. Dans la forme maximale de la construction au marteau après les développements d' Henri Herz à Paris, les ailes de Herz, Erard et Pleyel à Paris comportaient jusqu'à neuf couches à l'époque de Chopin , à commencer par deux couches de peau de daim à l'intérieur de l'âme en bois , plusieurs couches de feutre et de laine de différentes densités pour la fourrure de lapin à l'extérieur comme matériau le plus doux. Les marteaux de ce type extrêmement élaboré ont permis aux experts de créer une richesse et une couleur du son du piano, qui ont été en partie perdues à nouveau avec le développement de salles de concert encore plus grandes et de volume plus élevé, obtenus avec un feutre dense à une ou deux couches. L'application du feutre au marteau est un processus délicat. Pour de nombreux fabricants de marteaux, la procédure exacte est un secret bien gardé. L' intonation d' un piano, le changement de détail du son d'un seul ton obtenu en desserrant et en durcissant partiellement le feutre pour l'ajuster dans toute la gamme, a été le plus grand art des facteurs de piano depuis lors.

Une invention révolutionnaire dans la construction du piano vient du français Sébastien Érard . Il développa un mécanisme de répétition basé sur le mécanisme anglais , qu'il fit breveter en 1821. Au moyen d'une patte de répétition à ressort au niveau du poussoir de découplage, il permet de répéter une tonalité sans avoir à lâcher complètement la touche. Depuis lors, la tige de répétition d'Érard a permis une séquence rapide de coups au piano à queue pour un jeu virtuose et rapide. Après les raffinements d'Henri Herz, vers les années 1840 à 1850, le mécanisme dit d'aile à double déclenchement a été créé , qui est resté pratiquement inchangé à ce jour.

Avec des instruments simples, l'amortissement a été annulé à l'aide d'une traction manuelle, la traction Pantaleon ou la traction Forte, dans le "piano à queue Mozart" via des genouillères fonctionnant bien, mais de plus en plus via des pédales; Outre la suspension à amortisseur, un modérateur (bandes de feutre) et, de plus en plus, le décalage étaient courants, mais aussi coulisse de basson (rouleau de parchemin pressé contre les cordes), coulisse de harpe (brosse ou bande de frange de tissu), coulisse de luth (bande recouvert de cuir), coulisse de janissaires (percussion avec timbales, cloches ou cloches) etc. Ces modifications du son des cordes, issues de la construction du clavecin, déclinent drastiquement après 1830. Il restait initialement deux pédales sur le piano, l'annulation d'amortissement (« forte ») et le déplacement latéral de la butée de marteau (« una chorda »).

Le pianoforte a connu son apogée dans la première moitié du XIXe siècle et est devenu une partie intégrante de la société. Le piano était devenu trop grand pour les salons princiers, il est devenu une partie intégrante du système de concert des grandes villes sous la forme du grand piano à queue de concert et sous la forme de pianos de table, commençant des pianos hauts et parfois des pianos à queue également dans la classe moyenne appartement.

Origine du piano

Vieux piano Bechstein , 1870

Dès le début, des ailes droites ont également été construites, par exemple par l'étudiant de Cristofori Domenico del Mela et l'étudiant de Silbermann Christian Ernst Friederici (1745). Ces instruments ont souvent des formes impressionnantes avec des noms tels que piano girafe , le piano harpe , Lyraflügel étaient occupés, piano pyramidal ou une armoire de piano; ils étaient généralement très hauts, très exclusifs et n'avaient pas grand-chose en commun avec les pianinos d'aujourd'hui.

Les premiers petits pianinos ont été réalisés vers 1800 indépendamment de Matthias Müller à Vienne et de John Isaac Hawkins à Philadelphie . Robert Wornum a connu un succès technique et commercial , qui a construit un piano de campagne vers 1811 , qui est devenu le piano piccolo en 1826 et devait devenir un modèle pour tous les pianinos ultérieurs. Son mécanisme est un mécanisme à glissière avec déclenchement ; il est basé sur les principes de la mécanique anglaise des pianos à queue et les transforme au moyen du joint articulé à marteau, appelé écrou à marteau. Il l'a développé davantage dans les années 1830. Ce mécanisme a été développé par Pleyel et Pape à Paris et a connu un succès commercial, c'est pourquoi il est également devenu connu sous le nom de mécanisme français . Il correspond essentiellement à la mécanique du piano d'aujourd'hui. La construction des pianinos a remplacé les pianos à panneaux, plus coûteux en matériel et en espace, et désavantagés en termes de son, en Europe dès 1850 environ, et aux États-Unis vers 1900.

Développement dans la seconde moitié du XIXe siècle

Piano à queue de concert Steinway à cordes croisées, 1891/92
Jouer du piano au début du 20e siècle, sur le tableau (perdu) "Prélude" d' Ernst Oppler

Au milieu du XIXe siècle, la plupart des éléments du piano moderne, à la fois le piano à queue et le piano, s'étaient développés. Ce qui allait suivre étaient quelques innovations, v. une. les cordes croisées du piano à queue, mais surtout des raffinements et des améliorations continus de la mécanique, de la construction et des procédés de fabrication. Une intensification sans précédent de la production est caractéristique de la seconde moitié du XIXe siècle. Environ 33 000 pianos ont été fabriqués en Europe en 1850, et en 1910 il y avait déjà 215 000 pianos. La forte augmentation est probablement due d'une part à la popularité sans cesse croissante du piano parmi la classe moyenne, pour qui posséder un piano est devenu un symbole de statut social , et d'autre part à l' augmentation générale de la population au 19ème siècle. . Le piano carré autrefois si populaire a été évincé par le pianino, et dans un sens il est devenu victime de son propre succès. Il est passé d'un simple petit instrument à un grand et lourd colosse dans un design exclusif. L'écart a été comblé par le nouveau piano, plus petit et moins cher, qui est devenu de loin l'instrument de maison le plus populaire de la bourgeoisie au niveau international. À la fin du XIXe siècle, la plupart des facteurs d'instruments avaient cessé de produire des pianos carrés.

Lors de l' exposition industrielle de Londres (Great Exhibition) de 1851, l'une des premières grandes expositions mondiales internationales , les fabricants de pianos de toute l'Europe et du Nouveau Monde se sont rencontrés pour la première fois . L'exposition a été un énorme succès et devrait désormais se tenir régulièrement. De telles occasions ont permis des comparaisons technologiques, stimulé la concurrence et contribué de manière significative à l'innovation. Heinrich Steinweg et son fils Henry Steinway ont joué un rôle central dans le développement ultérieur du piano . En 1859, ils ont breveté la connexion complète des carottes et des cordes croisées sur les pianos à queue et en 1866 l'installation des carottes et des cordes croisées sur les pianinos. En 1878, Steinway a breveté la forme incurvée du boîtier du piano à queue fait de couches laminées d'érable. Ces innovations ont créé la forme et la construction de base du piano moderne, qui n'a pratiquement pas changé depuis lors, pendant plus de 140 ans. Les innovations ont rapidement été adoptées par d'autres fabricants.

Avec les développements du modèle Steinway & Sons Centennial D de décembre 1875, le piano à queue de concert peut être considéré comme largement développé. Il possède les cordes croisées de 1859, la plaque monobloc en fonte, le châssis du mécanisme de 1871, la pédale de sostenuto et les vis pilotes de 1875, tout d'abord les vis de tension des basses sur la table d'harmonie, qui ont été omises en 1878. Les modifications plus petites qui ont suivi ont moins servi à améliorer le son qu'à simplifier et à rendre la production moins chère et à améliorer la manipulation - tout en maintenant le résultat sonore obtenu. Son successeur, le D-wing lancé en 1884 et toujours en production aujourd'hui, pèse près de 200 kilogrammes de moins. Le Centennial D montra encore quelques développements expérimentaux au cours de son temps de production, mais avec l'installation des « Jantes », l'enveloppe extérieure collée à partir de couches épaisses, sur le modèle D de 1880, la forme définitive fut trouvée. Ce qui était d'abord à peine perceptible dans ces années de progrès technologique, c'était l'appauvrissement du son des pianos à queue avec des marteaux faits de bandes de feutre incurvées selon les brevets Dolge et des cordes en acier Bessemer inventées en 1856 - des développements qui répondent aux exigences de la le son de très grandes salles de concert avec 2500 à 7000 auditeurs était dû, un exploit que les pianos à queue n'auraient pas pu réaliser 30 ans plus tôt. Ce type de piano à queue, qui est encore techniquement à jour, a reçu un prix à l'Exposition universelle de 1876 - et n'a guère été amélioré depuis lors.

Les pianos à queue français des années 1830 et 1840 de Hertz, Boisselot, Erard et surtout Pleyel étaient plus riches en son, plus fougueux, mais plus silencieux et ne convenaient pas à un public de plus de 1000 personnes, et leur richesse tonale ne devait pas être trop élevée par rapport aux normes d'aujourd'hui Les coûts d'entretien des marteaux à usure rapide et minutieusement fabriqués à la main sont pris en charge.

Alors que de nombreux facteurs de pianos d'Allemagne et de France ont fui vers l'Angleterre et l'Amérique pendant les guerres et les bouleversements politiques du XVIIIe et du début du XIXe siècle, beaucoup sont retournés en Europe dans la seconde moitié du XIXe siècle. L'Allemagne devient le premier fabricant de pianos au monde, devant l'Angleterre, la France et les États-Unis. Les fabricants de pianos allemands ont livré partout dans le monde.

Production de pianos en 1886
pays pièce pays pièce
Allemagne 73 000 États Unis 25 000
Angleterre 35 000 La France 20 000

Vers la fin du XIXe siècle, Berlin (plus de 200 facteurs de pianos) et Leipzig étaient les centres de fabrication de pianos. Une demande aussi importante ne pouvait être satisfaite que par des méthodes de production changeantes et standardisées et par la production de masse émergente et fabriquée en usine .

Les 20e et 21e siècles

Piano de concert moderne Steinway

Au début du XXe siècle, le piano connaît également un essor aux États-Unis, qui dépassent bientôt la production européenne. En 1910, 370 000 pianos sont produits aux États-Unis, contre 215 000 en Europe. À l'apogée de la fabrication de pianos, 300 000 pièces étaient vendues par an rien qu'en Allemagne ; A cette époque, le piano était « à la fois un symbole de statut social, un moyen de communication et un passe-temps favori » et permettait aux filles « de bonne famille » de se présenter aux hommes avec leurs préliminaires. L' apogée de l' Allemagne a été brutalement interrompue par les deux guerres mondiales et la crise économique mondiale . De nombreux fabricants ont dû fermer leurs usines, les ont perdues à cause des destructions de guerre ou ont dû passer à la production de matériel de guerre. L'industrie ne s'est redressée que prudemment après la Seconde Guerre mondiale, et ce n'est que dans les années 1960 qu'une reprise a repris. La réunification allemande a eu un effet positif sur le piano de, pourrait pourtant riche en tradition à 1990 entreprises en Allemagne de l'Est (comme Blüthner pas pleinement développer). La chute de la production européenne de pianos a été compensée par l'Amérique et l'Asie émergente. Les dernières décennies en particulier ont été marquées par l'essor de l'industrie de la fabrication de pianos au Japon , en Corée du Sud et en Chine . La société japonaise Yamaha Corporation fabrique désormais des pianos à queue au plus haut niveau, que l'on trouve de plus en plus dans les salles de concert (par exemple la Philharmonie de Berlin). Le coréen Young Chang et le chinois Pearl River Group comptent désormais parmi les plus grands fabricants de pianos au monde.

Depuis les années 1980, les avantages de l'électronique sont également de plus en plus utilisés dans la construction de pianos. Le résultat est une combinaison de piano acoustique-mécanique et de piano numérique . À cet effet, une barre d'arrêt est installée dans le mécanisme du piano, qui attrape les marteaux peu de temps avant que la corde ne soit frappée (mise en sourdine). Dans le même temps, un système de capteurs est installé sous les boutons , qui transmet les signaux du jeu à un boîtier auquel des écouteurs peuvent être connectés. Cela signifie que le piano peut également être joué "en silence". Cette technique est utilisée par différents fabricants de pianos et reçoit des noms différents et similaires. Yamaha les appelle Silent Piano (TM) et depuis le lancement de la prochaine génération également TransAcoustic (TM) , Kawai Anytime et PianoDisc QuietTime . De tels systèmes de sourdine sont également disponibles pour une mise à niveau.

Les principaux fabricants de pianos aujourd'hui sont Steinway & Sons , Yamaha (notamment avec la série CF), Fazioli , Kawai et Bösendorfer (Vienne) ( appartenant au groupe Yamaha depuis 2007 ) ainsi que les sociétés allemandes C. Bechstein , Julius Blüthner , Wilhelm Schimmel et Steingraeber & Sons .

Voir aussi la section fabricant de pianos dans l'article facteur de pianos .

Pianos électroniques, pianos numériques et pianos hybrides

piano Rhodes
Piano numérique moderne de Yamaha
Gammes chromatiques jouées vers le bas sur un piano numérique

Les instruments à clavier électronique sont une évolution caractéristique du 20e siècle . Déjà à la fin du 19ème siècle, à peine après la découverte de l' électricité , des expériences ont été menées avec ses nouvelles possibilités. À partir d'eux, des groupes d'instruments indépendants et nouveaux se sont développés, tels que le piano Rhodes , qui sont principalement utilisés pour d'autres styles musicaux que le piano classique. Un clavier , par exemple, n'a plus grand chose en commun avec un piano.

Une ligne de développement complètement différente, qui a commencé dans les années 1980, est derrière les pianos numériques. Contrairement aux nouveaux développements précédents dans l'histoire du piano, le but n'est pas d'améliorer l'existant ou de créer quelque chose de nouveau, mais au contraire, l'intention est d'imiter l'"original" aussi fidèlement que possible. Les éléments décisifs sont le son et la sensation (clavier et mécanique). Aujourd'hui, le son d'une tonalité n'est pas synthétisé , mais dans différentes conditions (vélocité, Pedalgebung, résonances en fonction de touches préalablement enfoncées) avec des micros de haute qualité enregistrés , numérisés et stockés (en anglais : « sampling ») puis à travers le instrument numérique selon le fonctionnement des boutons reproduit.

Afin d'imiter au plus près les sensations du jeu, des mécanismes spéciaux pour pianos numériques ont été développés. Parfois, même des mécanismes de piano d'instruments mécano-acoustiques sont installés, dont le mouvement est enregistré par des capteurs. Dans ce cas on parle de pianos hybrides .

Les instruments numériques sont également de plus en plus utilisés par les pianistes professionnels à des fins de pratique et d'enseignement. Par rapport aux pianos acoustiques, ils offrent non seulement des inconvénients, mais aussi certains avantages, la bande passante et la qualité pouvant également varier considérablement avec de tels instruments : la tonalité de référence peut être transposée et la hauteur peut être ajustée à la fréquence exacte . De plus, la couleur du ton , les effets sonores et le système d' ambiance peuvent être sélectionnés sur certains modèles . De nombreux pianos numériques ont des interfaces numériques et peuvent être utilisés à la fois pour enregistrer la musique qui y est jouée et pour la lecture. Ils sont relativement légers et ne nécessitent pratiquement aucun entretien. Le volume peut être réglé et l'instrument peut être joué avec un casque. D'un autre côté, le son et le toucher d'un piano numérique ne se rapprochent généralement pas de celui d'un vrai piano.

construction

Composants

Les pianos à queue et les pianos à queue ont tous les éléments essentiels en commun :

  • le boîtier (le corps) avec une construction de poutre, des entretoises et des encoches en bois
  • la table d'harmonie en bois collée dessus
  • le poste de son en bois
  • la plaque en fonte vissée sur le poteau de son avec des chevilles métalliques vissées sur lesquelles s'enroulent les extrémités des cordes
  • Cordes en fil d'acier moulé (une corde plus épaisse enroulée avec du fil de cuivre pour chacune des notes les plus basses, deux cordes plus fines enroulées avec du fil de cuivre pour une zone de transition, trois cordes vierges chacune pour les autres notes)
  • la mécanique du piano, constituée d'un mécanisme complexe de touches, ressorts, languettes, poussoirs, étouffoirs et marteaux qui frappent les cordes lorsque la touche est enfoncée et produisent ainsi le son
  • le clavier associé de 88 touches
  • deux à trois pédales

Ces composants ont été développés à la perfection vers 1880 et ont été assemblés à ce jour (2018) sans aucun changement majeur. Les seules avancées sont venues de la mécanisation et de l'automatisation de la production de petites pièces.

Spielwerk

Le mécanisme, également connu sous le piano mécanique , mécanique marteau ou arrêt mécanique , est un levier de construction dans lequel les marteaux sont jetés contre les cordes du piano à la simple pression d'un bouton pour les faire sonner. La mécanique n'ayant cessé d'être améliorée au cours des siècles, il faut distinguer les mécaniques pour pianos à cordes verticales et les mécaniques pour pianos à queue ou pianos de table à cordes horizontales .

Section d'un clavier avec 12 touches étiquetées

clavier

Clavier type à 88 touches : Le C barré au centre de l'image est marqué d'un cercle.

Le clavier de la plupart des pianos à queue, pianinos et pianos numériques se compose de 88 touches (sur les instruments plus anciens, il n'y en a souvent que 85 car le clavier se termine à une hauteur de 4 ), dont 52 sont des "touches blanches" (également appelées "touches avant" " ou " touches inférieures ") et 36 " touches noires " (également " touches arrière " ou " touches supérieures "), qui dépassent des touches blanches, sont relativement étroites et ont également des côtés biseautés. La largeur de touche standardisée des instruments modernes se traduit par une largeur totale du clavier de 123 cm ; le haut des touches blanches est à environ 74 cm au-dessus du sol.

Dans la construction du piano, une octave se compose de sept touches blanches et de cinq touches noires. Les touches blanches forment une gamme diatonique (une gamme de do majeur basée sur la clé C), les touches noires une gamme pentatonique (une gamme pentatonique de fa dièse majeur basée sur la clé de fa dièse) - ensemble, cela donne une gamme chromatique . Les notes les plus basses sont à gauche, les plus hautes à droite.

Les sept touches blanches chaudes c, d, e, f, g, aet h, les cinq touches noires, selon le contexte musical cis, dis, fis, giset ais(augmente les tons ordinaires ) ou des, es, ges, aset b(humiliations des tons maîtres). Le clavier incarne le système de tonalité diatonique européen , qui utilise le do majeur et le la mineur comme touches de départ et en dérive les autres touches . Le passage d'une touche blanche à une touche noire facilite le passage des doigts, et le passage d'une touche noire à une touche blanche facilite le passage du pouce .

Pédales

Pédales una-corda, sostenuto et forte d'un piano à queue

Le son du piano peut être influencé par plusieurs pédales . Aujourd'hui, deux à trois pédales sont généralement standard.

La pédale droite est appelée pédale forte (de l'italien forte : fort, fort), également pédale forte ou pédale de maintien (à ne pas confondre avec la pédale de maintien de tonalité décrite ci-dessous) ; l'invite « senza sordino » (en italien pour « sans amortisseur », souvent au pluriel italien « senza sordini », par exemple dans le 1er mouvement de la « Moonlight Sonata » de Beethoven ) fait également référence à la pédale droite. Il garantit que tous les étouffoirs sont levés des cordes afin que les notes frappées continuent de sonner même après le relâchement des touches. De plus, les cordes maintenant non amorties des autres notes résonnent, ce qui donne au piano un son plus plein. Dans le jeu de piano artistique, la pédale droite est utilisée de manière très différenciée ; on différencie z. B. la pédale d'harmonie (pédale collective), la pédale syncopée (legato ou pédale de liaison), la demi-pédale, la pédale qui a été poussée en avant et la pédale qui a été poussée en même temps.

La pédale de gauche est appelée "pédale de piano" (de là. Piano : silencieux), aussi pédale douce , shift ou una corda (it. Pour "une corde"). Dans le cas d'un piano à queue , tout le mécanisme est décalé de quelques millimètres vers la gauche ou la droite pour que les marteaux ne frappent plus les trois cordes d'un chœur à cordes, mais seulement deux ou une corde. Cela change aussi le timbre , car il y a maintenant des cordes qui ne sont pas excitées en les frappant directement, mais par résonance . De plus, en raison du décalage, d'autres parties du marteau ont heurté les cordes. Ces sites sont autrement exprimés (c'est-à-dire de l' accordeur de piano adouci avec l'Intoniernadel ou guéri avec une lime) comme les Filzstellen qui frappent les cordes en position normale. Avec le piano , la pédale gauche rapproche les marteaux de la mécanique du piano des cordes, de sorte que la force que chaque marteau peut accumuler lorsqu'il est enfoncé est moindre. Cela facilite le jeu dans les zones particulièrement calmes. Le fabricant Fazioli propose un modèle de piano à queue avec deux pédales de piano, qui permet au pianiste de choisir entre le "shift" et la pédale de piano de la technique pianino.

La pédale du milieu (pas toujours présente) est soit une pédale de soutien de tonalité, une pédale de modération ou une pédale de sourdine (sur les pianos hybrides). Si un piano à queue a une pédale centrale, il s'agit généralement de ce que l'on appelle la pédale de maintien de tonalité, de maintien de tonalité, de sostenuto ou de Steinway. Cet appareil a été développé par des facteurs de pianos français ( Jean Louis Boisselot 1844, Claude Montal 1862) et a connu un succès aux USA ( brevet d' Albert Steinway de 1874). Il empêche les amortisseurs qui viennent d'être levés de retomber. Le joueur peut ainsi conserver des tonalités ou des sons individuels tandis que tous les autres étouffoirs continuent de réagir au jeu et au relâchement des touches (ou de la pédale droite). La pédale de maintien de la tonalité - on la trouve également dans des modèles de pianos plus grands et plus chers - est principalement utilisée dans la musique pour piano du 20e siècle. Si un piano a une pédale centrale, c'est généralement ce qu'on appelle le modérateur. Lorsqu'elle est pressée, une bande de feutre glisse entre les marteaux et les cordes, rendant l'instrument sensiblement plus silencieux. Cette pédale peut souvent être verrouillée en position basse en la déplaçant latéralement. Avec certains pianinos, le modérateur n'est pas activé par une pédale, mais par un bouton coulissant ou un levier rotatif qui se trouve à gauche du clavier ou en dessous. Surtout dans les années 1960, certains fabricants ont fourni aux bandes de feutre des rivets qui ont donné au piano un son tintant semblable à celui d'un clavecin. Comme ces plaques métalliques étaient trop faciles à endommager les cordes et les têtes de marteau, elles ne se sont pas accrochées.

Particularités de l'aile

1 Cadre en fonte
2 Couvercle avant
3 Capo ou tige de poussée
(limitation de corde avant)
4 Amortisseur
5 Couvercle arrière
6 Bras amortisseur
7 Partie de la mutation de la pédale (wobble board)
8 Partie de la mutation de la pédale (poussoir)
9 Partie de la mutation de la
pédale 10 Barre de
pédale 11 Pédale
12 chevalet
13 attaches de cordes
14 grappe
15 table d'harmonie
16 cordes

Tel un clavecin, un piano à queue se dresse librement dans la pièce. L'encoche, la table d'harmonie et les cordes sont disposées horizontalement, parallèlement au sol. Le son rayonne donc principalement vers le haut et vers le bas depuis la table d'harmonie. En bas, il est réfléchi et distribué par le sol, en haut il est soit amorti par le couvercle fermé, soit groupé et rayonné sur le côté depuis le couvercle ouvert.

En appuyant sur un bouton, la partie arrière de l'interrupteur à bascule se déplace vers le haut. Dans le cas du piano à queue, cela projette le marteau contre la corde. Le poids du marteau se fait sentir directement sur la touche et permet une conception sonore différenciée. Parce qu'ils sont positionnés horizontalement, le recul des marteaux de la corde est soutenu par la gravité naturelle. La capacité de répétition d'un piano à queue, c'est-à-dire la vitesse avec laquelle une même note peut être frappée plusieurs fois de suite, est donc plus prononcée qu'avec un pianino.

Certains pianos à queue de concert, comme le « Imperial » de Bösendorfer , ont un clavier étendu à huit octaves (Do 2 à Do 5 ).

Particularités du piano

Avec le piano, l'encoche, la table d'harmonie, le cadre en fonte, les cordes et le mécanisme à marteaux (mécanisme de support) sont perpendiculaires au sol, de sorte qu'il peut être placé sur le mur pour gagner de la place et que le son est initialement diffusé vers l'avant et vers l'arrière. Avec la configuration habituelle, la partie arrière est réfléchie directement par le mur de la pièce et renvoyée sur la table d'harmonie. Une position légèrement éloignée du mur ou un petit angle par rapport au mur change souvent énormément le son des pianinos à l'avantage. La partie avant du son est réfléchie dans le boîtier.

En raison de l'impact sur l'avant de la harpe, la surface de la table d'harmonie d'un piano aigu est souvent relativement grande. Cela rend souvent les pianos plus hauts (à partir d'environ 120 cm de hauteur) étonnamment puissants - en particulier par rapport aux pianos à queue plus petits (moins de 170 cm de longueur).

Avec le pianino, le mouvement ascendant de l'interrupteur à bascule doit être converti en un mouvement vers l'avant du marteau. Cela rend le contact des doigts avec le marteau plus indirect.

L'amortissement d'un piano ou d'un piano aigu est généralement situé sous les marteaux du même côté du système de cordes, dans la zone des amplitudes les plus fortes des ventres.

Cependant, certains pianinos plus anciens (jusqu'à environ 1910) ont un mécanisme dit d' amortisseur supérieur ; les poupées étouffantes sont assises sur les marteaux. En anglais on trouve également le terme « birdcage action », mécanisme « bird cage », en raison des fils d'actionnement des amortisseurs construits devant le mécanisme du marteau. D'une part, ce type d'amortissement est moins efficace qu'avec un piano sous sourdine, puisqu'il n'amortit que les vibrations dans la zone de bord des ventres, et d'autre part, le mannequin d'amortisseur peut contrecarrer un marteau optimal point de contact avec des cordes aiguës courtes - avec des inconvénients correspondants pour la qualité sonore. L'accord et surtout le réglage de la mécanique peuvent être rendus plus difficiles par les fils de l'amortisseur à l'avant. Cependant, on ne peut pas dire que les pianos à sourdine supérieure sont généralement complètement inadaptés pour ces raisons, comme on le prétend souvent. Un piano muet supérieur bien réglé est l'instrument prédestiné pour le jazz ancien et surtout pour le ragtime en raison de sa réverbération claire .

sonner

composition

Vue des cordes à deux chœurs d'un piano à queue - les têtes de marteau ci-dessous, les sourdines ci-dessus

Les spécificités du son de piano sont les hauteurs fixes, une coloration du son liée à la vélocité et donc au volume, et l'effacement irrévocable de la note, qui une fois jouée n'est allongée qu'avec la pédale de droite. et en appliquant progressivement ou brutalement l'amortissement peut être arrêté progressivement ou brutalement.

Une particularité du piano est que les sons (hormis les plus graves) ne sont pas produits par une seule, mais par deux ou trois cordes également accordées, un choeur à cordes . A l'origine ce « multi-chœur » était censé augmenter le volume de l'instrument ; Mais surtout, cela a conduit à un parcours plus complexe du son composé d'immédiat et d'arrière-goût.

Les cordes d'un chœur à cordes sont frappées ensemble. Comme ils sont accordés , ils vibrent en phase , mais avec des amplitudes légèrement différentes car la forme du marteau n'est jamais parfaitement régulière. La corde la plus faiblement frappée résonnera progressivement avec les autres cordes une fois que sa propre stimulation aura disparu. Désormais, les cordes du chœur à cordes fonctionnent comme des pendules couplés et échangent entre elles une grande partie de leur énergie.

La partie forte, mais qui décline rapidement, du son de piano est appelée son instantané . Elle est principalement causée par une vibration transversale des cordes dans le sens du coup de marteau, c'est-à-dire perpendiculairement à la table d'harmonie. Cette oscillation est principalement excitée par le marteau, mais est transmise relativement rapidement verticalement à la table d'harmonie, ce qui signifie qu'elle libère son énergie dans l'air sous forme de son.

La partie de la sonorité du piano qui décline le plus lentement mais le plus lentement est appelée l'arrière-goût. Ceci est principalement causé par une légère oscillation transversale des cordes sur la course du marteau, c'est-à-dire parallèlement à la table d'harmonie. Cette vibration ne donne que difficilement son énergie à la table d'harmonie et s'estompe donc lentement.

L'utilisation de la pédale gauche affaiblit le son immédiat d'une part, puisque seules deux des trois cordes d'un choeur à cordes sont frappées, et d'autre part soutient la réverbération, puisque le choeur à cordes en tant que système de pendules couplés libère son énergie comparativement lentement. La pédale gauche conduit donc non seulement à un son initialement plus silencieux, mais aussi à un son relativement plus durable.

Influencer le son

Le son et le volume d'une note au piano dépendent uniquement de la vitesse et donc de l' énergie cinétique pas, cependant, du marteau, qui frappe les cordes de la manière que le pianiste de marteler sur cette vitesse accélère , donc ne d'une certaine technique de levage. Si l'on ignore les pédales et fait abstraction de certains phénomènes qui jouent un rôle supplémentaire, tels que les "bruits supérieurs" et "inférieurs" qui se produisent selon le style de jeu lorsque le doigt et la touche ou entre le bois et la base de la touche se heurtent, le ton les couleurs défilent - et les changements de volume sur le piano sont toujours parallèles les uns aux autres.

Cependant, le moment auquel les cordes sont frappées après que la touche du piano a été enfoncée dépend de la courbe de force temporelle et donc de l'accélération du marteau pendant qu'il est enfoncé, ce qui signifie qu'un pianiste entraîné peut faire sonner une certaine note un peu plus tôt ou plus tard malgré le même volume dans certaines limites (« Microagogique ») et peut mettre des accents quel que soit le volume . À cet égard, la technique tactile du pianiste a une influence décisive sur la performance au piano en raison du moment réellement atteint auquel le son du piano commence.

Accordage, harmonisation et régulation

Marteau d' accord, cale d' accord en caoutchouc et diapason

Étant donné que les pianos se désaccordent en raison de la tension des cordes, du stress du jeu et des fluctuations climatiques et par conséquent sonnent moche (délibérément avec le piano honky-tonk ), ils doivent être accordés au moins une fois par an . En raison des inharmonies des harmoniques, l'accord est également déterminé subjectivement par l' accordeur de piano . (Dans les salles de concert, les pianos à queue sont accordés jusqu'à trois fois par jour.) L' accord égal est standard ; Pour les instruments historiques originaux ou répliqués, des accordages inégaux sont souvent préférés ( pratique de l'interprétation historique ). Afin de développer le son du piano à queue ou du piano , le facteur de piano non seulement l'accordera, mais l' entonnera également . L'un des travaux préparatoires possibles est le léger décollement des têtes de marteau en feutre avec des limes en papier de verre - cela rend le son plus uniforme et, si nécessaire, un peu plus "dur". Ceci est suivi par l'intonation réelle grâce à des piqûres ciblées dans certaines zones de la tête de marteau avec des aiguilles d'intonation - un travail qui rend généralement le son "plus doux". En plus de l'accordage et de l'intonation, le réglage de la mécanique (le mécanisme, le clavier et les pédales) a un effet direct sur le son de l'instrument.

Climat intérieur

Le climat de la pièce a un impact direct sur le son de l'instrument, ainsi que sur la régulation, l'accord et, globalement, sur la stabilité de sa valeur.

Surtout, l' humidité doit être aussi constante que possible. Une humidité relative comprise entre 40 et 70 % est recommandée, idéalement entre 50 et 60 %. Des valeurs inférieures à 40% conduisent à un dessèchement sévère du bois et doivent être évitées à tout prix, des valeurs supérieures à 70% favorisent la formation de rouille sur les pièces métalliques, par exemple les cordes. L'installation sur des murs extérieurs mal isolés, à proximité de radiateurs ou sur un sol chauffant est déconseillée ; les courants d'air et la lumière directe du soleil doivent également être évités.

Les pianos parcourent souvent la moitié du globe avant d'atteindre leur destination. Cela peut entraîner de graves problèmes, par exemple si un instrument conçu pour le climat humide de l'Asie de l'Est doit supporter le premier hiver froid et donc sec en Europe centrale ou septentrionale. Aujourd'hui, de grandes compagnies de piano renommées telles que Yamaha produisent leurs instruments pour l'exportation vers l'Europe ou l'Amérique du Nord dans des salles spécialement climatisées.

Si l'humidité baisse davantage sur une longue période de temps, les composants en bois perdent de l'humidité et se contractent. Il y a un risque que les chevilles et les vis se desserrent, que les barres du châssis du clavier et les barres mécaniques se déforment (ce qui affecte le réglage du clavier et de la mécanique), que la table d'harmonie perde sa courbure (ce qui va baisser l'ambiance et le son va souffrir) et peut-être même déchirer. Si, par contre, l'humidité monte plus fortement sur une période de temps plus longue, la cambrure de la table d'harmonie augmente, l'ambiance monte, les haches et les touches peuvent se bloquer et le son devient mat (car le feutre du marteau absorbe l'humidité). Ces problèmes peuvent être contrecarrés dans une certaine mesure en utilisant des matériaux de haute qualité. Des cadres de clavier et des barres mécaniques en métal sont également possibles, mais présentent d'autres inconvénients. Les tables d'harmonie laminées fonctionnent à peine, mais elles sonnent nettement moins bien.

Des matériaux tels que le plexiglas ou les composites en fibre de carbone (CFRP) ne réagissent que peu aux fluctuations climatiques et sont désormais utilisés dans des modèles de séries individuelles pour fabriquer le corps du piano ou la table d'harmonie.

Diffusion et utilisation

En 1925, 137 000 pianos ont été construits rien qu'en Allemagne, qui était alors le premier pays de production. Aux États - Unis , le succès du ragtime au début du 20e siècle s'est accompagné d'un énorme essor dans la construction de pianos, ainsi que (jusqu'en 1930 environ) dans la construction de pianos de reproduction à commande pneumatique et électrique . En 2007, environ 450 000 pianos et pianos à queue ont été produits dans le monde, dont environ les deux tiers en Extrême-Orient ; moins de 10 000 instruments provenaient d'Allemagne. Les différences de prix entre des pianos de même dimension (également entre différentes gammes de produits d'un même fabricant) résultent de processus de production plus ou moins longs, plus ou moins automatisés, de productions dans des pays à bas ou hauts salaires et de différentes qualités de bois de lutherie ou de feutre, par exemple.

En 1980, il y avait environ 9 300 000 flûtes, 8 400 000 harmonica / mélodica, 3 800 000 guitares, 2 200 000 accordéons et 1 600 000 pianinos / pianos à queue dans les foyers privés ouest-allemands.

Le comportement en matière de loisirs en Allemagne a changé : seulement 2% des gens font de la musique tous les jours, 78% jamais. Ainsi, les ventes de pianos ont diminué d'environ un dixième (12 000 par an) depuis 1925. Il existe 1,5 million d'instruments ; 130 000 élèves suivent des cours. Les pianos usagés sont souvent donnés en raison des coûts élevés liés au déplacement et à l'accordage ; environ 3 500 instruments sont mis au rebut chaque année.

Près de 500 000 pianos sont fabriqués dans le monde chaque année, dont plus de la moitié en Chine. Environ 5% des instruments produits chaque année proviennent d'Allemagne.

Musique de piano

Le premier compositeur à écrire spécifiquement pour le pianoforte inventé par Bartolomeo Cristofori était Lodovico Giustini de Pistoia . Il composa douze sonates intitulées « Sonata Da Cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti » , qui furent publiées à Florence en 1732 . Afin que les interprètes exploitent pleinement les possibilités du nouvel instrument, il a doté sa musique de notes telles que « più forte » (plus fort) ou « più piano » (plus calme).

Des compositeurs tels que les fils de Bach, Wolfgang Amadeus Mozart et Ludwig van Beethoven et d'autres ont composé de la musique qui, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, était déjà en partie écrite pour un piano solo.

Dans la première moitié du XIXe siècle, c'est surtout Frédéric Chopin qui écrit de la musique principalement pour le piano. Dans la seconde moitié, ce sont des compositeurs tels que Franz Liszt , Sergei Rachmaninow , Anton Rubinstein , Ignacy Jan Paderewski et d'autres compositeurs du répertoire romantique qui se sont distingués dans la musique pour piano, souvent dans le but principal d'interpréter leurs propres compositions musicales sur scène comme pianistes Pour apporter la performance.

Au début du XXe siècle, le compositeur-interprète passe au second plan ; les activités de composition, d'une part, et d'interprétation, d'autre part, étaient séparées. Il y avait à la fois des compositeurs modernes tels que Béla Bartók et Ferruccio Busoni dans le segment de la "musique sérieuse" et dans le domaine de la "musique populaire", divertissante, la musique populaire, en particulier les développements aux États-Unis comme le blues , le ragtime , le boogie woogie et jazz avec des compositeurs comme Scott Joplin , Jelly Roll Morton , Albert Ammons et George Gershwin , qui ont donné de grandes impulsions à la musique pour piano.

Voir également

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Littérature

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liens web

Wiktionnaire : Piano  - explications de sens, origines des mots, synonymes, traductions
Wikiquote:  Citations Piano
Commons : Piano  - Collection d'images, de vidéos et de fichiers audio
Wikibooks: Piano  - matériel d'apprentissage et d'enseignement

Preuve individuelle

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