Musique de film

Soundtrack , également en anglais soundtrack ou score est appelé spécifiquement pour un film nouvellement composé , ou à partir de sources musicales classiques , populaires et autres spécialement nouvellement formées pour une comédie musicale de film . Une connexion fonctionnelle et liée au contenu entre l'image et la musique est caractéristique. La musique de film est destinée à influencer l'humeur et le niveau émotionnel d'un film et à soutenir la façon dont il agit.

La musique de film n'est pas un terme de genre figé, mais dans bien des cas plutôt une fusion des courants les plus divers. De nombreux processus harmoniques-mélodiques dans la musique de film (par exemple harmonique modale, utilisation parfois excessive de médiateurs, motifs spéciaux) reposent notamment sur une symbiose de la musique de la fin de l'ère romantique, de l'expressionnisme / impressionnisme, ainsi que de l'avant-garde plus tardive et, last but not least, diverses influences de la musique populaire-contemporaine comme le jazz, la pop, le blues ou la musique électronique.

Processus de production

Habituellement, une musique de film est créée en post-production après qu'un premier montage a été réalisé. Le réalisateur et le compositeur du film parcourent ce premier montage d'un film et décident quelles parties du film doivent être accompagnées de musique et quel type de musique doit être. Selon le réalisateur, une piste musicale préliminaire est créée à partir de la musique existante, une piste dite temporaire . Dans cette façon de travailler, cependant, il n'est pas rare que la musique réellement provisoire soit conservée à la place d'une composition originale (c'est ce qui s'est passé, par exemple, avec « 2001 : A Space Odyssey », pour lequel Alex North était initialement censé écrire la musique du film). Dans les productions télévisuelles, le matériel d'archives musicales est souvent utilisé afin d'économiser le coût et le risque de nouveaux enregistrements musicaux.

Les endroits où la musique doit apparaître dans le film sont enregistrés dans une feuille de repère avec des heures de début et de fin. Sur la base de ces informations, le compositeur du film compose alors sa musique, qui dans un long métrage peut durer plus d'une heure et demie. La manière spécifique de travailler varie d'un compositeur à l'autre et dépend également du temps dont dispose le compositeur. Habituellement, le compositeur crée une courte partition avec les mélodies et des instructions plus ou moins détaillées pour l' instrumentation . Ces particules sont ensuite traduites en partition par les orchestrateurs . Certains compositeurs comme Ennio Morricone ou James Horner orchestrent souvent leurs propres partitions, d'autres comme Hans Zimmer n'assument généralement pas cette tâche. Les copistes extraient ensuite les parties individuelles pour les instruments individuels de la partition. Dans le passé, ce processus fastidieux devait être effectué à la main, aujourd'hui les partitions sont souvent créées avec un ordinateur. De nombreuses autres étapes de travail, de l'écriture à l'enregistrement de la musique, sont désormais passées à l'ordinateur.

Enfin, la musique est enregistrée par un orchestre en synchronisation avec le film. Le chef d'orchestre dirige l'orchestre tout en regardant le film sur un écran ou un moniteur, créant ainsi la synchronicité souhaitée avec le film. Le compositeur dirige souvent l'orchestre lui-même.L'orchestre se compose soit de musiciens qui ne sont engagés que pour cette session d' enregistrement (ce que l'on appelle l' orchestre de session ) qui sont soit employés en permanence dans un orchestre, soit des travailleurs indépendants. Dans de nombreux cas, cependant, un orchestre permanent est engagé à cette fin. Des exemples en sont le German Film Orchestra Babelsberg , le London Symphony Orchestra et le BBC Concert Orchestra , qui ont déjà enregistré de nombreuses musiques de film.

Une autre méthode consiste à impliquer relativement tôt le compositeur dans l'œuvre de mise en scène. Le réalisateur du film discute du caractère de la musique et des séquences de musique de film nécessaires, le compositeur prépare une version musicale à un stade précoce. Cette musique servira plus tard de modèle pour la coupe. Certaines séquences de films sont coupées directement sur la musique. De cette façon, la musique est directement incluse dans le film et la séquence de montage est plus musicale.

Lors du mixage final du son , les producteurs décident de l'utilisation finale de la musique et de sa relation avec les dialogues, bruits et effets électroniques terminés.

l'histoire

L'ère du cinéma muet

Les premiers films réalisés avant l'invention du film sonore sont appelés films muets , mais n'étaient pas "silencieux" dans la pratique de la performance à l'époque, car ils étaient généralement présentés avec de la musique d'accompagnement ou des bruits provenant d'une source extérieure au film. Dès 1895, les frères Lumière présentent pour la première fois à Paris des courts métrages accompagnés d'un pianiste en direct. Dans l'histoire de la recherche cinématographique, diverses considérations ont été faites sur les raisons pour lesquelles on a commencé à ajouter de la musique aux films :

  • L'absence de son était perçue par le public comme irritante, car le film offrait une représentation visuelle de la réalité physique, mais s'écartait de l'expérience de la réalité du public en raison de l'absence de son.
  • Comme les projecteurs de films étaient encore très mauvais vers 1900, les salles de projection ont dû être complètement obscurcies. La musique était censée dissiper l'atmosphère étrange et rendre le public inconnu plus à l'aise au moyen d'une musique familière.
  • Le cliquetis du projecteur de film doit être noyé.
  • Le public était habitué à la musique dramatique , ce qui était plus courant à l'époque qu'aujourd'hui.
  • Comme maintenant, il avait une fonction narrative ou de soutien de l'humeur.

Des morceaux de musique connus, par exemple des opéras et des opérettes, ont d'abord été utilisés comme musique d'accompagnement . Car certains moments d'action font souvent de la musique réglée par défaut (par exemple, la Marche nuptiale de Felix Mendelssohn Bartholdy pour les scènes de mariage ou Liebestraum de Franz Liszt pour les scènes d'amour). Des recueils de musique avec des morceaux de musique compilés pour le fond du film, appelés cinémathèques , ont été publiés. Plus tard, dans de rares cas, la musique a été écrite individuellement pour un film particulier. La partition pour les musiciens était incluse avec la copie du film lors de sa distribution.

Au début, seuls quelques pianistes, violonistes ou flûtistes accompagnaient les films muets. Seules les représentations dans de grandes salles offraient de l'espace pour plus de musiciens. Il y avait des orgues de cinéma séparés qui, en plus de nombreux timbres, avaient également des effets sonores (chevaux battants, vent, etc.) et convenaient également aux petites salles de cinéma. Des orchestrions ou des phonographes ont également été utilisés.

Avant la Première Guerre mondiale, il est devenu à la mode dans les grands cinémas des métropoles, en particulier dans les grands théâtres de premier plan , d'accompagner les représentations avec leurs propres orchestres de cinéma jusqu'à 80 musiciens. Dans les années d'après-guerre en particulier, cette méthode d'accompagnement musical avec de la musique orchestrale synchrone spécialement composée, également connue sous le nom de musique originale, a prévalu (par exemple en 1924 avec The Last Man de FWMurnau , musique de Giuseppe Becce , en 1926 avec le croiseur cuirassé de Sergej Eisenstein Potemkine avec une musique d' Edmund Meisel ou en 1927 avec Napoléon d' Abel Gance ). Ces ensembles ont dû être en mesure de bien jouer de la feuille de musique et de pouvoir réagir rapidement, car le conducteur immédiatement commuté à l'autre bar ou même à la pièce suivante.

Le premier film sonore

1927 a présenté Warner Bros. avec The Jazz Singer le premier long Tonspielfilm. La performance de la musique s'est déplacée des cinémas vers les studios. Les films sonores présentaient l'avantage que les studios pouvaient utiliser la musique de film de manière plus spécifique et cohérente pour un film particulier. Le style de cette musique de film était basé sur la musique orchestrale de la fin du XIXe siècle. Le son hollywoodien caractéristique qui en résulte a été particulièrement façonné par des compositeurs émigrés d'Europe, notamment d'Allemagne, d'Autriche et de Russie, qui se sont orientés vers la musique européenne, tels que Bernhard Kaun , Erich Wolfgang Korngold , Dimitri Tiomkin ou Max Steiner .

La production s'est principalement déroulée sous une grande pression temporelle. Habituellement, il y avait une division du travail entre les compositeurs et les arrangeurs. Les partitions ont souvent été détruites après l'enregistrement sonore et doivent maintenant être minutieusement restaurées si elles sont à nouveau jouées.

Pendant la période d'après-guerre, la musique de film a changé : de nouvelles influences du jazz et de la musique légère ont été ajoutées. Les représentants de cette nouvelle direction comprenaient Henry Mancini et John Barry . Dès lors, l'importance de l' effet de reconnaissance avec des mélodies de films comme B. la musique de cithare de « The Third Man » (1949) ou la marche sifflée de « Die Brücke am Kwai » (1957).

La musique de film à l'ère de la télévision

Vers 1950 , la musique rock , pop et jazz a gagné en importance et l'industrie cinématographique a reconnu la popularité de ces nouveaux types de musique. Des compositeurs comme Alex North (« Un tramway nommé désir », dt. « Tramway nommé désir ») ou Elmer Bernstein (« L'homme au bras d'or ») ont intégré des éléments de musique jazz dans leurs partitions symphoniques et ont ainsi réalisé un rafraîchissement stylistique.

Au milieu des années 1950, les producteurs ont reconnu la musique de film comme une source supplémentaire de revenus et ont commandé des chansons à thème qui ont ensuite été commercialisées sous forme de pistes uniques ou de bandes sonores. Des pièces extrêmement populaires telles que "Moon River" de Mancini / Mercer ont été vendues plus d'un million de fois.

La partition de Bernard Herrmann pour Psycho d'Hitchcock (1960), dans laquelle il se cantonnait à un orchestre à cordes , a donné l'impulsion décisive pour ne plus utiliser le grand orchestre symphonique en règle générale, mais plutôt en fonction du contenu et des exigences dramaturgiques d'un film spécifique . Herrmann avait déjà appliqué le principe de l'instrumentation de sélection dans plusieurs films des années 1950, ouvrant ainsi la voie à une maxime esthétique selon laquelle chaque film devrait avoir son propre son incomparable.

Avec la dissolution des départements de musique et l'orientation de l'industrie cinématographique américaine vers un nouveau public jeune vers 1960, la musique de film orchestrale a souvent été remplacée par la musique populaire actuelle. Un exemple bien connu d'utilisation de chansons, dont certaines existaient déjà, dont certaines étaient spécialement écrites pour un film spécifique, était la musique de Simon & Garfunkel pour le film Die Reifeprüfung (1967). Non seulement des compositions spécialement conçues sont utilisées pour la musique de film, mais aussi des chansons d'interprètes actuels de musique rock et pop . Citons par exemple le film culte Easy Rider (1969) avec une bande originale de l' époque de Woodstock ou le film fantastique Highlander - There Can Be Only One (1986), auquel le groupe de rock Queen a contribué huit chansons. Le genre road movie en particulier fait usage de cette possibilité.

À partir des années 1970, Hollywood a commencé à travailler de plus en plus avec de grands orchestres symphoniques et une technologie leitmotive . Les sorties de disques de musique de film RCA par Charles Gerhardt et le National Philharmonic Orchestra , qui ont apporté une contribution significative à la redécouverte des compositions hollywoodiennes classiques des années 1930 et 1940, ont joué un rôle majeur dans ce domaine . Cela a incité de jeunes réalisateurs tels que Steven Spielberg et George Lucas à revenir à cette forme d'accompagnement musical de l'intrigue. Les compositions de John Williams pour Jaws et les films Star Wars à partir de 1977 sont considérées comme des jalons importants pour le retour de la musique de film symphonique classique . A côté de toutes les images grandiloquentes, la musique doit fonctionner comme une sorte d'ancre qui offre au spectateur des sons profonds Sentiments véhiculés.

Aujourd'hui, la musique de film fait également partie intégrante de la commercialisation d' un film, avec une offre allant des supports sonores à la possibilité de télécharger sur Internet en passant par les sonneries pour téléphones portables.

technique

En général, on distingue trois techniques de composition : la technique du leitmotiv (transmettre le sens), le soulignement et la technique de l' humeur (transmettre l' humeur). Par rapport à la technique de l'humeur, la technique du leitmotiv et le soulignement sont moins utilisés aujourd'hui.

Technologie Leitmotiv

Cette méthode, connue de l' opéra et surtout des drames musicaux de Richard Wagner, a pour tâche de représenter musicalement des personnes, des objets de l'intrigue ou des fils narratifs qui jouent un rôle central dans le film. À cette fin, des personnages importants, des objets d'action ou des fils narratifs se voient attribuer leurs propres motifs, appelés leitmotivs , qui sont ensuite incorporés, répétés et variés dans la composition globale en fonction des exigences de l'histoire. On peut ainsi véhiculer des prémonitions, des changements de situation ou des références liées à l'intrigue du film.

Souligner

Le soulignement est une technique de composition qui reconstruit les événements et les émotions représentés à l'écran de manière approximativement synchrone. La musique sert de musique de fond pour soutenir et renforcer les impressions visuelles. Mickey mouse est une forme extrême . Le compositeur du film accentue les mouvements individuels des acteurs du film, tels que les pas effectués individuellement, au moyen d'un doublage musical. Le nom vient de l'utilisation intensive de cette technique dans les dessins animés . L'impression étrange que cette technique crée est ici par conception. Mis à part les dessins animés et les comédies , le soulignement est rarement utilisé de nos jours.

Technique de l'humeur

La technique de l'humeur sous-tend les séquences de films avec des images d'ambiance musicales, qui ajoutent un contenu d'humeur expressif spécifique à la musique à la séquence ( humeur anglaise , en allemand : "mood"). On l'appelle souvent une stratégie de composition qui est à l'opposé du soulignement, car non seulement elle « double » musicalement une scène, mais la « colore ».

façonner

En 1976, le musicologue suisse Hansjörg Pauli a publié un modèle d'examen de la musique de film sur la base de ses formes, mais l'a rejeté comme insuffisant en 1994 lorsqu'un nouveau modèle a été publié. Malgré tout, son modèle de 1976 est l'un des plus utilisés. Il existe trois types différents de musique de film :

  • Paraphraser : " J'appelle paraphraser une musique dont le caractère est dérivé directement du caractère des images, du contenu de l'image. " - La musique paraphrase ce qui se passe à l'écran en le dupliquant et en le reproduisant. La paraphrase extrême est obtenue grâce à la technique de composition de Mickey Mouseing .
  • Polarisation : "En tant que polarisant, j'appelle la musique qui, en raison de son contenu de caractère unique, pousse des images neutres ou ambivalentes dans une direction d'expression unique." - La musique a polarisé l'action à l'écran en passant par son propre sens ou son contenu émotionnel son sens ou son humeur le contenu change. Il fait plus que paraphraser, en ce sens qu'il "met une certaine lumière" sur une séquence de film.
  • Contrepoint : « Je décris la musique comme un contrepoint dont le caractère non ambigu contredit clairement le caractère non ambigu des images et le contenu des images. » - La musique transmet le sens et l'ambiance opposés de ce qui se passe à l'écran. Ce faisant, elle ironise ce qui se passe et a un effet d'aliénation .

Les fonctions

La musique de film est fonctionnelle, i. Cela signifie qu'il est utilisé pour soutenir et clarifier le son visuel et pour influencer la perception et les émotions du spectateur. Il existe différentes approches pour une systématique des fonctions, dans la suite la subdivision selon Kloppenburg.

Fonction syntaxique

La fonction syntaxique nous permet une compréhension structurelle plus facile de ce qui se passe. Les séquences sont acoustiquement liées les unes aux autres. Au moyen de la musique z. B. une transition en douceur d'une séquence à la séquence suivante est créée ou une délimitation forte des séquences est effectuée. Dans le second cas, la musique aide le spectateur à séparer les histoires les unes des autres. La musique de film peut également clarifier un changement d'attitude (par exemple, point de vue protagoniste A - changement pour point de vue protagoniste B).

Fonction expressive

La fonction expressive est probablement la fonction la plus importante et la plus consciente de la musique de film. Il renforce et intensifie notre perception de ce qui se passe. La musique de film a un caractère expressif, par ex. B. soutient et met l'accent sur les sentiments montrés dans le film. C'est elle qui pousse le spectateur à percevoir la scène respective comme encore plus romantique ou encore plus triste ou encore plus fatigante, etc. La musique du film intensifie l'expérience de la situation. Cette fonction de la musique de film se reflète particulièrement bien dans les techniques de composition telles que la technique de l'humeur ou le soulignement, qui peuvent également évoquer une certaine humeur. La sensation souhaitée par le cinéaste ne peut être atteinte avec le receveur sur le seul plan visuel. La musique aide le destinataire à comprendre et à interpréter ce qu'il a vu de la manière souhaitée. Selon Nick et Ulner, la musique est utilisée pour « générer et condenser l'atmosphère du film et pour caractériser le lieu plus en profondeur ».

Fonction dramaturgique

La fonction dramaturgique peut être très bien démontrée et expliquée en utilisant l'exemple de la technique du motif. La tâche de la musique de film est de caractériser les gens. Il incarne une personne en général et exprime en même temps l'humeur respective des protagonistes ou est joué au nom de la personne, par exemple lorsqu'il s'agit d'eux de manière thématique ou qu'ils sont sur le point d'être vus sur le plan visuel. En plus des états d'âme, cela peut bien sûr aussi créer des tensions par z. B. semble menaçant. Cela lui permet d'influencer l'interprétation du destinataire de l'action. Il fait quasi un commentaire, comme l'appelle Kloppenburg (2000). Ce que la musique exprime peut intervenir dans l'action en cours, elle peut attirer l'attention du spectateur sur des commandes ou faire référence à quelque chose qui est passé en arrière.

Compositeurs

De nombreux compositeurs ont composé pour le film depuis l'ère du cinéma muet. Le célèbre compositeur français Camille Saint-Saëns a écrit l'une des premières pièces musicales originales pour la jeune salle de cinéma (sans l'utilisation de musique étrangère) pour un soi-disant "film d'art" par la Film d'Art Society en 1907. Le casting du film d'environ douze minutes L'assassinat du duc de Guise est similaire à celui de l'orchestre de salon de l'époque. Giuseppe Becce , Hans Erdmann , Leo Spies , Ernst Krenek , Wolfgang Zeller et Hugo Riesenfeld sont d' autres compositeurs novateurs de l'ère du cinéma muet . Dans la musique de film allemande, des compositeurs comme Hans Erdmann ( Nosferatu - Eine Symphonie des Grauens (1921)), Gottfried Huppertz ( Die Nibelungen (1924) et Metropolis (1927)) ont très tôt utilisé la technique du leitmotiv de Richard Wagner. Surtout dans les premiers jours du film sonore, avec ses conditions de production pas encore standardisées, il y avait non seulement la collaboration dominante des compositeurs d'opérette et de pop ainsi que d'anciens chefs d'orchestre de cinéma (tels que Giuseppe Becce) mais aussi parmi les jeunes compositeurs de formation classique. beaucoup d'intérêt pour les nouvelles possibilités artistiques de ce médium moderne. En France, ce sont des membres du groupe Le Six comme Auric , Milhaud ou Honegger qui ont écrit les partitions artistiquement exigeantes du film, en République tchèque Martinů . Avant 1933, il faut citer des musiciens comme Karol Rathaus , Walter Gronostay , Paul Dessau et Hanns Eisler en Allemagne. Pour les compositeurs soviétiques, le cinéma était recommandé comme support pour écrire de la musique pour les masses et ainsi améliorer leur goût pour l'art. En plus des spécialistes de l'industrie (comme Nikolaj Krjukow ), presque tous les musiciens classiques, qui ont principalement écrit des opéras, des symphonies ou des ballets, ont également travaillé comme compositeurs de films. Sergueï Prokofiev ( Alexandre Newski ) ou Dmitri Chostakovitch ( Hamlet , roi Lear ) en étaient les représentants les plus en vue.

En Grande-Bretagne, le chef d'orchestre Muir Mathieson réussit à persuader des compositeurs connus d'écrire des musiques de films des années 1930, dont Richard Addinsell , William Alwyn , Malcolm Arnold , Arthur Bliss , Clifton Parker , Ralph Vaughan Williams et William Walton . Plus tard sont venus John Addison , Ron Goodwin et John Scott , entre autres .

Au cours des années 1930, le son hollywoodien spécifique a été principalement façonné par des compositeurs européens émigrés. Last but not least, des compositeurs de pays germanophones (notamment d'Allemagne et d'Autriche) tels que Max Steiner ( King Kong et la femme blanche ), Bernhard Kaun ( Frankenstein ), Franz Waxman ( la fiancée de Frankenstein ) ou Erich Wolfgang Korngold ( Robin Hood, King of the Vagabonds ) a fait un travail important en transférant la technique du leitmotiv de Wagner à la musique de film américaine encore jeune. Herrmann et Steiner font partie des grands compositeurs de l' âge d'or ( Der Schatz der Sierra Madre , King Kong ).

Le Hongrois Miklós Rózsa ( Ivanhoe - Le Chevalier noir , Ben Hur , El Cid ) écrit sa première musique de film en 1937 après avoir terminé sa formation au Conservatoire de Leipzig . Des compositeurs comme Elmer Bernstein et Maurice Jarre ont travaillé à Hollywood pendant jusqu'à six décennies différentes. D'autres représentants de 1945 à 1965 comprenaient l'Américain Alfred Newman , l'Allemand Hugo Friedhofer , le Russe Dimitri Tiomkin et le New Yorkais Bernard Herrmann .

Des représentants bien connus de la musique de film contemporaine incluent Ennio Morricone , Lalo Schifrin , John Williams , Howard Shore , Alan Silvestri , James Newton Howard , Danny Elfman , James Horner , Thomas Newman , Hans Zimmer , Rachel Portman , Alexandre Desplat , John Powell et Michael Giacchino .

Outre des compositeurs de musique contemporaine , tels que Michael Nyman , Philip Glass , John Corigliano , Elliot Goldenthal ou Tan Dun , des représentants de la musique pop et rock écrivent aussi parfois des musiques de film, dont Peter Gabriel , Pink Floyd , Mike Oldfield , Queen , Toto. , Daft Punk , Underworld , Vangelis et Rick Wakeman .

Voir également

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Tutoriels en ligne (scripts, livres électroniques, résumés, essais) :

liens web

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