aria

Une aria ( italien aria = « sage », « air », à son tour du latin aer ou du grec ancien ἀήρ = « air ») est comprise comme une pièce vocale jouée en solo dans la musique classique . L'accompagnement instrumental d'accompagnement peut aller du pur accompagnement continuo avec un seul luth ou un clavecin , à un petit ensemble avec un ou plusieurs instruments solistes, à un grand orchestre .

La plupart du temps, une aria fait partie d'une œuvre plus vaste telle qu'un opéra , une cantate ou un oratorio . Cependant, il existe également des compositions individuelles, telles que B. l' air de concert .

L'aria transmet les sentiments et les humeurs, ce qu'on appelle l' affect , d'un certain moment, i. H. normalement il n'y a pas d'action, contrairement au récitatif . Une grande variété de sentiments peut s'exprimer, comme l'amour, la joie, la colère, le désir de vengeance, l'indignation, la peur, le doute, etc. Dans l'opéra baroque, selon le contenu, certains types ont également émergé au XVIIe siècle, comme le marie tempête - souvent avec des comparaisons dans le texte comme une mer agitée ou un navire qui coule - l'air d'incantation, l'air de séduction, l'air du sommeil, l'air d'adieu, l'air de toilette - cette dernière a été chantée par une femme qui se fait belle et se pare devant de son miroir. Les airs imitant le chant des oiseaux étaient également très populaires.

Par rapport au chant parlé du récitatif, la voix dans un air est traitée de manière purement lyrique et mélodique ( mélismatique ), et surtout à l'époque du bel canto, elle est souvent artistiquement et ornée. L'accompagnement peut aussi être mélodique et richement décoré. Un air contient souvent des répétitions dans le texte et la mélodie.

Si un morceau est moins étendu, l'affect plus modéré, on parle d' ariette , de « petit air ».

Dans un opéra seria du XVIIIe siècle, une prima donna ou un primo uomo (généralement un castrat ) avait droit à au moins cinq airs - chaque air d'un affect ou d'un caractère différent - la seconda donna et le secondo uomo trois airs, plus petits à l'appui les rôles n'ont eu qu'un ou deux, ou pas d'aria du tout.

Les types

Il existe différents types d'airs :

• L' air da capo dans lequel le premier couplet est répété.
• La Cavatine est un air simple, semblable à une chanson.
• La cabalette est un air à une strophe ou la dernière strophe d'une cavatine.
• Un air de bravoure est un air difficile à effet virtuose.
• Le premier air d'un personnage d'opéra est appelé air de performance . Il est généralement utilisé pour introduire la figure. Des exemples en sont l' air The Bird Catcher de Papageno de l'opéra Die Zauberflöte ou l'aria Durch die Wälder, durch die Auen des Max de Der Freischütz .
• À la fin de la scène, il y a aussi la soi-disant aria de sortie , en partie liée à la mort du personnage.

Différenciation des termes

A l'opposé de l'air affectif, il y a le récitatif qui est censé faire avancer l'action. Il ne contient généralement pas de répétitions et son accompagnement est plus simple que celui d'un air. Mais surtout, un chant parlé est typique du récitatif , qui contraste avec le lyrisme d'un air.

Des sections courtes, plus mélodiques, semblables à des airs, peuvent être rencontrées dans un récitatif ; elles sont appelées arioso .

Très souvent une aria est précédée d'un récitatif qui prépare déjà l'aria en termes de contenu, c'est-à-dire la séquence : récitatif - aria. Cela est particulièrement vrai dans les opéras, les oratorios et les cantates, mais aussi avec les airs de concert.

Une aria diffère des pièces vocales à plusieurs voix, que l' on appelle duo , trio , quatuor, etc. selon le nombre de voix impliquées . Dans un opéra, il y a aussi des pièces avec plusieurs parties vocales, par ex. Parfois même avec un chœur , le terme général pour cela est : ensemble .

Contrairement à l'aria, la chanson est généralement plus simple à la fois formellement et surtout vocalement (ou techniquement vocalement). Cependant, les frontières sont fluides. Les exigences en matière de design expressif dans ce qu'on appelle la chanson d'art peuvent être considérables ; Cependant, cela reste généralement intime en termes de contenu et de distribution.

Histoire et formes

• Une forme ancienne de l'air, déjà utilisée par Giulio Caccini ( Le nuove musiche , 1601 et 1614) et d'autres compositeurs vers 1600 et dans la première moitié du XVIIe siècle, avait une forme de strophe , c'est-à-dire H. l'air entier, la plupart du temps assez court, était répété au moins une fois, selon le nombre de strophes. Le caractère de ces airs est généralement léger, et ils sont souvent tenus en trois mètres, l'accompagnement au début du baroque ne consistait souvent que du continuo. Ces airs pourraient aussi être virtuoses d'emblée et contenir des coloratures . En termes purement théoriques, une décoration et/ou une représentation différente par le chanteur pour chaque répétition serait également envisageable (éventuellement motivée par le texte différent dans chaque cas). L'air sous forme de strophe a également été utilisé plus tard, par exemple l'air de Papageno «Je suis l'attrapeur d'oiseaux» de la Flûte enchantée de Mozart (1791).
• Une forme d'air en deux parties ||: a: ||: b: || est formellement en étroite relation avec la musique de danse baroque contemporaine. C'était la forme d'aria normale et la plus largement utilisée dans l'opéra baroque français ( Lully , Campra , Rameau et autres). En termes de caractère, de tels airs pourraient correspondre à une danse très concrète, par ex. B. un menuet , une gavotte , une Loure etc. Ce type d'airs à deux voix était également utilisé dans la musique italienne ou d'influence italienne, par exemple par Haendel (en particulier dans les premiers opéras comme Agrippine (1709) ou plus tard dans Serse ( 1738)) ou par Reinhard Keizer . Dans les opéras italiens et allemands, les reprises pouvaient être décorées par le chanteur ; dans l'opéra français, cependant, les embellissements aléatoires supplémentaires n'étaient pas courants.
• Au début du baroque vers 1680/1700 étaient également Ostinato -Arien très populaire, souvent comme une complainte . On en trouve notamment des exemples dans les opéras de Francesco Cavalli ou dans Didon et Enée de Henry Purcell (1689).
• L' aria da capo sous la forme d'ABA a atteint une position dominante dans la musique baroque . Les deux parties A et B forment souvent (mais pas toujours) un contraste net, par ex. B. B-partie est la plupart du temps et au moins dans une clé différente, ou module à travers et dans d' autres clés . Dans le cas extrême, il a même un effet complètement différent et peut alors non seulement se trouver dans un tempo différent , mais aussi dans un mètre différent (par exemple "Ah mio cor, schernito sei" dans Alcina de Haendel (1735)). Un point important de l'air Dacapo est que le chanteur doit décorer la répétition de la section A avec des manières arbitraires si possible, c'est-à-dire avec des pistes supplémentaires, des circonlocutions, des trilles, etc. Cependant, les sections A et B originales étaient également décorées de trilles, en particulier de cadences - cela allait de soi et n'était donc généralement pas noté du tout, contrairement à la musique française, où tous les trilles et mordente étaient écrits. L'air Dacapo était donc une occasion importante de démontrer son imagination et même ses talents de composition, et bien sûr, de mettre en perspective les propres compétences vocales et techniques du chanteur. Pour le plus grand plaisir du public. La première aria da capo apparaît d' abord dans de Monteverdi L'Orfeo (1607). Aux XVIIe et XVIIIe siècles , la forme s'est encore agrandie. Il n'est pas rare que des airs de grand da capo contiennent des ritournelles purement instrumentales . L'aria da capo a atteint son apogée à l'apogée de l' école d'opéra napolitaine . Alors que l'ancienne forme de chanson à strophes simples de l'aria était réservée à la caractérisation des parties populaires (dans l' opéra bouffe ), l'aria dacapo était une composante typique du personnel aristocratique ou mythologique de l' opéra seria . La forme d'aria Dacapo a souvent été légèrement modifiée à partir de 1750 environ, la section A étant souvent quelque peu raccourcie ( Dal segno ), par exemple une longue introduction orchestrale pouvait être omise (par exemple dans les premiers opéras de Mozart tels que Mitridate (1770) ou Lucio Silla ( 1772)). Les compositeurs qui ont écrit les airs de Dacapo sont : Alessandro Scarlatti et d'autres représentants de l' Opéra napolitain , Antonio Caldara , Antonio Vivaldi , Giovanni Bononcini , Nicola Antonio Porpora , Georg Friedrich Handel , Johann Sebastian Bach , Georg Philipp Telemann , Johann Adolph Hasse , Baldassare Galuppi , Wolfgang Amadeus Mozart et bien d'autres une.
  
  
  
• Le rondo (ABACA) est également apparu dans le baroque tardif jusqu'aux environs de 1800 , dans l'opéra classique principalement comme rondò finale . Cette dernière était réservée exclusivement au Primo uomo ou à la Primadonna , et n'était chantée que vers la fin. Des exemples sont dans La clemenza di Tito de Mozart (1791) les airs « Deh, per questi istante solo » pour le primo uomo Sesto et « Non più di fiori » pour la prima donna Vitellia. Ici aussi, théoriquement, toutes les répétitions de la section A offrent au chanteur la possibilité de décorer avec ses propres ornements improvisés, qui idéalement peuvent devenir plus luxuriants à chaque répétition vers la fin, dans le sens d'une augmentation - mais bien sûr l'expression ( affetto ) et le ton de l'air sont respectés.
• Après 1750, il y avait aussi une forme d'air en deux parties AB (ou A-A'-B), qui indiquait déjà la forme d'air typique de l'opéra bel canto du XIXe siècle. Contrairement au caractère statique ou quasi-concert de l'air Dacapo, cette forme d'air était plus dynamique et pouvait également être utilisée de manière dramaturgique par des compositeurs tels que Mozart ou Salieri . Les deux parties se confondent souvent, la première étant généralement lente ou modérée et méditative, la seconde rapide et a tendance à être virtuose. Un exemple typique de ceci est par ex. B. Concert ou intermède air de Mozart "Vorrei spiegarvi, o Dio", KV 418 (1783), ou le premier air de la Reine de la nuit "O tremble, mon cher fils" dans la Flûte enchantée .
• Cette forme aria a été développé dans le bel canto italien opéra du 19ème siècle, et il se compose essentiellement d'un premier aria ou cavatine dans un lyrique moderato ou largo tempo, et une finale surtout virtuose cabaletta ; l'air et la cabaletta ont été répétés plusieurs fois, et il est également connu pour le 19ème siècle que les répétitions dans les airs étaient généralement embellies par le chanteur. Entre ces deux parties, il y a souvent une partie de transition plus ou moins longue et parfois musicalement lourde au milieu, ce qui rend l'ensemble encore plus dynamique et intégré à l'intrigue. Des exemples peuvent être trouvés dans chaque opéra de compositeurs tels que Rossini , Bellini , Donizetti , les premiers Verdi et d'autres, y compris l'air de performance de Lucia " Regnava nel silenzio (= cavatina ) ... Quando rapita in estasi (= cabaletta )" de de Donizetti Lucia di Lammermoor (1837).
  Fondamentalement, les duos et autres ensembles ont également la même forme, et il y avait aussi souvent des airs avec des interjections par d'autres solistes et/ou le chœur, comme B. dans le célèbre air de Bellini "Casta Diva ( = cavatina ) ... Ah, bello, a me ritorna (= cabaletta)" de Norma (1831).
• Rossini, Mercadante et al. aussi parfois utilisé une forme étendue de variation comme un air, par ex. B. "D 'Amor al dolce impero" dans Armida de Rossini (1817), qui a aussi une ritournelle et une coda pour choeur. De telles formes de variation servaient surtout à mettre en valeur la bravoure vocale .
• À la fin du XVIIIe siècle, tant dans l'opéra-comique qu'après la soi-disant réforme de l'opéra de Christoph Willibald Gluck , qui a ainsi transmis la tradition de l'opéra français, qui se caractérisait par d'autres schémas formels, l'air s'est à nouveau rapproché de la forme de la chanson. . Surtout en Allemagne au 19ème siècle , l'aria était de plus en plus influencée par la chanson folklorique (par exemple Freischütz de Weber (1821)). Dans la fin romantique et vériste aria d'opéra est allé de plus en plus dans la scène ou Scena sur.

Voir également

• Air de concert
• Aérien (musique)
• chanson
• récitatif
• Théorie des formes (musique)
• Belcanto

Littérature

• Giulio Caccini : Le nuove Musiche (Florence 1601) et Le nuove musiche e nuova maniera di scriverle (Florence 1614). Edition en fac-similé par SPES (studio per edizioni scelte), Archivum musicum 13, Florence 1983.
• Rodolfo Celletti : Histoire du Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel et autres 1989, ISBN 3-7618-0958-1 .
• Wolfgang Hirschmann (éd.) : Aria. Une publication commémorative pour Wolfgang Ruf (= études et matériaux pour la musicologie. Vol. 65). Publié au nom du Département de musicologie de l'Institut de musique de l'Université Martin Luther de Halle-Wittenberg et de la Georg-Friedrich-Händel-Gesellschaft e. V., Association internationale. Éditeur : Sebastian Biesold. Olms, Hildesheim et autres 2011, ISBN 978-3-487-14711-6 .
• Wolfgang Ruf : Aria / air / ayre / Arie . Dans : Dictionnaire concis de terminologie musicale . Tome 1, éd. par Hans Heinrich Eggebrecht et Albrecht Riethmüller , rédacteur en chef Markus Bandur, Steiner, Stuttgart 1972 ( en ligne ).

liens web

Wiktionnaire : Aria  - explications de sens, origines des mots, synonymes, traductions

Références individuelles et commentaires

1. ^ Rodolfo Celletti : Histoire de Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel et autres 1989, p. 58-60; sur l'orage marie : p.58.
2. ^ Rodolfo Celletti : Histoire de Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel et autres 1989, p. 58-60; sur l'air des toilettes : page 58.
3. ^ Rodolfo Celletti : Histoire de Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel et autres 1989, p. 58-60; sur l'air d'oiseau : pp. 59-60.
4. ↑ Entrée dans le lexique musical de Klassik.com
5. ↑ Nombreux exemples dans : Giulio Caccini : Le nuove Musiche (Florence 1601) et Le nuove musiche e nuova maniera di scriverle (Florence 1614). Edition en fac-similé par SPES (studio per edizioni scelte), Archivum musicum 13, Florence 1983.
6. ↑ Il faut donc considérer comme une grossière erreur dans la pratique du spectacle d'entendre de nos jours (pas rarement) des chanteurs qui ne chantent pas de trilles de cadence ou qui se réservent exclusivement pour le dacapo - et parfois seulement pour la dernière cadence (ou pas du tout) !
7. ↑ Cela a apparemment conduit à l'idée trompeuse chez certains chanteurs et instrumentistes, même dans la musique ancienne (entre autres), que les trilles sont typiques de la musique baroque française - au moins il y a des chanteurs et des ensembles qui sont détaillés et dévoués à la musique française se consacrent à lesdits ornements, mais permettent à peine d'entendre des trilles dans Haendel, Scarlatti, etc. Une erreur claire et absurde !
8. ↑ Il y a des déclarations claires à cet égard, entre autres. par Rossini. Rodolfo Celletti : Histoire du Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel et autres 1989, page 152.